Antoni Gaudí, maestro de la arquitectura from JA enciclo on MZE Zoomin

La Trágica Muerte de un Genio (1926)

Antoni Gaudí falleció el 10 de junio de 1926 a los 73 años de edad. Su muerte fue el desenlace de un trágico accidente ocurrido tres días antes, el 7 de junio. Mientras el arquitecto se dirigía a su misa diaria en la iglesia de San Felipe Neri, fue atropellado por un tranvía en la Gran Via de les Corts Catalanes, entre las calles Bailèn y Girona.

Debido a su apariencia humilde y descuidada, Gaudí no fue reconocido inicialmente y fue confundido con un mendigo, lo que retrasó la atención médica adecuada. Tras su traslado al Hospital de la Santa Cruz, el arquitecto recibió los últimos sacramentos y falleció acompañado de sus colaboradores, entre ellos el padre Gil Parés y el arquitecto Domènec Sugranyes, quienes finalmente consiguieron identificarlo. Su entierro, celebrado el 12 de junio de 1926, fue una manifestación masiva de duelo ciudadano, siendo sepultado en la cripta de la Sagrada Familia, la obra a la que dedicó los últimos años de su vida con absoluta entrega.

El Centenario: 2026 como Año de Conmemoración

El año 2026 se ha consolidado como un periodo de intensa actividad cultural, religiosa y arquitectónica en Barcelona. La conmemoración del centenario ha sido organizada a través de una amplia programación que busca honrar el legado de Gaudí, involucrando a instituciones, museos y a la propia ciudadanía.

La Sagrada Familia en el Centro de los Actos

La Basílica de la Sagrada Familia es el epicentro de las celebraciones. Los actos conmemorativos, que comenzaron a articularse desde finales de 2025, incluyen una serie de eventos que subrayan la vigencia de la visión arquitectónica y espiritual de Gaudí. Entre las actividades más destacadas se encuentran:

Misa Solemne del Centenario: El 10 de junio de 2026, fecha exacta del centenario, se celebra una misa solemne en la Basílica, un acto que cuenta con una relevancia internacional sin precedentes.

Visita Papal: La conmemoración adquiere un carácter histórico con la presencia del papa León XIV, quien preside la misa solemne y realiza la bendición de la Torre de Jesucristo.

Programación Cultural: Se han organizado más de 70 actividades, incluyendo conferencias, conciertos del Orfeó Català y exposiciones multimedia que exploran la genialidad de Gaudí, su fe y su capacidad para integrar la naturaleza y las matemáticas en la arquitectura.

La Culminación de la Torre de Jesucristo

Uno de los aspectos más significativos de este centenario es el avance en la construcción de la Sagrada Familia, que se acerca a su fase final tras 144 años de trabajo. La culminación de la Torre de Jesucristo es el símbolo principal de este aniversario.

Hito Arquitectónico: Con una altura de 172,5 metros, la torre central convierte a la Sagrada Familia en la iglesia más alta del mundo, superando a la catedral de Ulm.

Simbolismo: Gaudí diseñó la torre con una altura ligeramente inferior a la montaña de Montjuïc, bajo la premisa de que ninguna obra humana debía superar la obra divina. La finalización de esta estructura representa el cumplimiento de una parte fundamental del proyecto original del arquitecto.

Estado de las Obras: Para junio de 2026, se ha previsto la retirada de los andamios de la torre central, permitiendo que la silueta del templo se muestre en su esplendor conmemorativo.

El Legado de Gaudí un Siglo Después

A cien años de su muerte, la figura de Antoni Gaudí no solo permanece intacta, sino que su influencia se ha globalizado. Las biografías publicadas recientemente y el interés académico creciente demuestran que la curiosidad por entender al «genio o loco» que ideó la Sagrada Familia sigue vigente.

El centenario funciona como un puente entre el pasado y el futuro. Mientras Barcelona rinde homenaje a su arquitecto más universal, la Sagrada Familia continúa su proceso de construcción, manteniendo viva la esencia de un hombre que, según sus contemporáneos, luchó por sus ideales hasta el final. La conmemoración de 2026 no es solo un cierre de ciclo, sino una reafirmación de que la obra de Gaudí sigue siendo una «piedra angular» del arte y la arquitectura mundial, capaz de fascinar a nuevas generaciones un siglo después de su partida.

En conclusión, el centenario de la muerte de Antoni Gaudí es una oportunidad para que Barcelona y el mundo reconozcan la magnitud del legado de un hombre que transformó la arquitectura mediante la observación de la naturaleza y una fe inquebrantable, dejando en la Sagrada Familia un testimonio eterno que, a pesar de los años, sigue creciendo y evolucionando.

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La nave alcanzó una distancia máxima de unos 407.000 km de la Tierra (superando el récord del Apolo 13), con un sobrevuelo lunar a ~7.400 km de la superficie y un recorrido total de más de 1,13 millones de km. Todos los sistemas clave, incluyendo navegación, soporte vital (aire, agua, CO2 y trajes espaciales) y comunicaciones, se validaron en condiciones reales de espacio profundo sin incidencias mayores.

Durante esta misión de 10 días, la tripulación recorrió más de 1,13 millones de km en total, validando sistemas clave como navegación, soporte vital (incluyendo cambios de modo en trajes y cabina) y comunicaciones en condiciones reales. Este logro no solo representa un avance técnico, sino el paso decisivo del programa Artemis hacia el regreso sostenible de humanos a la superficie lunar en misiones futuras.

Antecedentes y Objetivos de Artemis II

Originalmente denominada Misión de Exploración-2 (EM-2), Artemis II fue inicialmente concebida para apoyar la misión de redirección de asteroides, un proyecto que fue posteriormente cancelado . Tras el establecimiento del programa Artemis, los objetivos de la misión se revisaron para enfocarse en el retorno tripulado a la Luna.

Los objetivos principales de Artemis II fueron:

1. Prueba de Sistemas en Entorno Real: Confirmar que todos los sistemas de la nave espacial Orion funcionan según lo diseñado con una tripulación a bordo en el entorno del espacio profundo .
2. Vuelo de Prueba Tripulado: Realizar el primer vuelo de prueba con tripulación a bordo del cohete Sistema de Lanzamiento Espacial (SLS), la nave espacial Orion y los sistemas terrestres de apoyo .
3. Recopilación de Datos Científicos: Recopilar datos valiosos sobre la fisiología humana en el espacio profundo, la exposición a la radiación y el comportamiento general de la tripulación durante la misión .
4. Preparación para Futuras Misiones: Allanar el camino para futuras exploraciones con seres humanos en la Luna y, eventualmente, en Marte .

Desarrollo y Ejecución de la Misión

El lanzamiento de Artemis II tuvo lugar el 1 de abril, marcando el inicio de un viaje de 10 días alrededor de la Luna . La misión se basó en la prueba de vuelo no tripulada de Artemis I, demostrando una amplia gama de funciones y capacidades del cohete SLS y de Orion necesarias para las misiones al espacio profundo .

Tripulación

La tripulación de Artemis II estuvo compuesta por cuatro astronautas :

• Reid Wiseman (NASA): Comandante de la misión, piloto de pruebas de la Marina de EE.UU. y veterano de la Estación Espacial Internacional .
• Victor Glover (NASA): Piloto, con experiencia en la Estación Espacial Internacional .
• Christina Koch (NASA): Especialista de la misión, ingeniera eléctrica que ostenta el récord del vuelo espacial individual más largo realizado por una mujer .
• Jeremy Hansen (CSA): Especialista de la misión, representando a la Agencia Espacial Canadiense .

Trayectoria y Maniobras

Durante la misión, la nave Orion recorrió una distancia de más de 700,000 millas, superando el récord de distancia más lejana de la Tierra recorrida por seres humanos, previamente establecido por la misión Apolo 13 . La trayectoria incluyó un sobrevuelo lunar que llevó a la tripulación al lado oculto de la Luna, un área inexplorada que permaneció sin contacto con la Tierra durante aproximadamente 40 minutos .

Pruebas y Experimentos

A lo largo de la misión, la tripulación llevó a cabo una serie de pruebas y experimentos cruciales :

• Evaluación de Sistemas: Verificación del funcionamiento de los sistemas de navegación, propulsión y soporte vital de la nave Orion en el entorno del espacio profundo .
• Estudios Biológicos: Recopilación de datos sobre los efectos de la radiación espacial y la microgravedad en la fisiología humana .
• Observaciones Lunares: Toma de fotografías y estudio detallado de 30 objetivos lunares seleccionados por científicos de la NASA .

Reentrada y Amerizaje

El 10 de abril, la misión Artemis II concluyó con un amerizaje exitoso en el Océano Pacífico, frente a la costa de San Diego, California . La cápsula Orion reingresó a la atmósfera terrestre a una velocidad de 40,000 km/h, soportando altas temperaturas y fuerzas G . El amerizaje fue asistido por paracaídas, y la tripulación fue rápidamente recuperada por equipos de rescate de la NASA .

Logros y Significado de Artemis II

La misión Artemis II ha cosechado una serie de logros significativos que impulsan el programa Artemis y la exploración espacial en general:

Retorno Tripulado a la Luna

Artemis II marcó el regreso de seres humanos a las proximidades de la Luna después de más de cinco décadas, reviviendo el espíritu de exploración y aventura que caracterizó al programa Apolo .

Validación de Tecnologías Clave

La misión validó el rendimiento del cohete SLS, la nave Orion y los sistemas de soporte terrestre en un entorno espacial real, demostrando su capacidad para transportar humanos de manera segura más allá de la órbita terrestre baja .

Recopilación de Datos Científicos Valiosos

Artemis II proporcionó datos cruciales sobre los efectos del espacio profundo en la salud humana, la radiación espacial y el comportamiento de los sistemas de la nave, información esencial para planificar futuras misiones de larga duración.

Impulso a la Cooperación Internacional

La participación de la Agencia Espacial Canadiense (CSA) en la misión, a través del astronauta Jeremy Hansen, subraya la importancia de la cooperación internacional en la exploración espacial y el compromiso compartido de expandir las fronteras del conocimiento . Además, el Módulo de Servicio Europeo de la ESA proporcionó soporte vital, energía y propulsión a la nave Orion.

Inspiración y Educación

Artemis II ha capturado la imaginación del público en todo el mundo, inspirando a nuevas generaciones a perseguir carreras en ciencia, tecnología, ingeniería y matemáticas (STEM) y fomentando un mayor interés en la exploración espacial.

Próximos Pasos en el Programa Artemis

Tras el éxito de Artemis II, la NASA se enfoca en las siguientes fases del programa Artemis, con el objetivo de establecer una presencia humana sostenible en la Luna y utilizarla como plataforma para futuras misiones a Marte:

Artemis III

Programada para 2027, Artemis III tiene como objetivo llevar astronautas a la superficie lunar, marcando el primer alunizaje tripulado desde 1972 . Esta misión pondrá a prueba la capacidad de la humanidad para vivir y trabajar en la Luna, explorando nuevas regiones y realizando investigaciones científicas innovadoras.

Construcción de una Base Lunar

A largo plazo, el programa Artemis busca establecer una base lunar permanente, conocida como «Gateway», que servirá como un centro de operaciones para misiones lunares y un punto de partida para la exploración de Marte .

Exploración de Marte

El objetivo final del programa Artemis es preparar el camino para las primeras misiones tripuladas a Marte, utilizando la experiencia y los recursos adquiridos en la Luna para superar los desafíos técnicos y logísticos de la exploración del planeta rojo .

Desafíos y Consideraciones

A pesar de los éxitos de Artemis II, el programa Artemis enfrenta desafíos significativos que deben abordarse para garantizar su sostenibilidad y éxito a largo plazo:

Financiamiento

El programa Artemis requiere una inversión considerable de recursos financieros, y la disponibilidad de fondos puede verse afectada por prioridades políticas y económicas cambiantes .

Desarrollo Tecnológico

El desarrollo de nuevas tecnologías, como sistemas de soporte vital avanzados, trajes espaciales de última generación y vehículos de superficie lunar, es esencial para el éxito de las futuras misiones Artemis .

Riesgos para la Salud Humana

La exposición prolongada a la radiación espacial y la microgravedad plantea riesgos para la salud de los astronautas, y es necesario desarrollar medidas de protección y mitigación efectivas .

Competencia Internacional

La creciente competencia de otros países, como China, en la exploración espacial plantea desafíos y oportunidades para el programa Artemis, impulsando la innovación y la colaboración internacional .

Conclusión y logros

La misión Artemis II representa un logro trascendental en la historia de la exploración espacial, marcando el regreso tripulado a la Luna y allanando el camino para una presencia humana sostenible en el espacio profundo . A través de la validación de tecnologías clave, la recopilación de datos científicos valiosos y la inspiración de nuevas generaciones, Artemis II impulsa el programa Artemis hacia sus ambiciosos objetivos de exploración lunar y marciana . A medida que el programa Artemis avanza, es crucial abordar los desafíos y consideraciones pendientes para garantizar su éxito a largo plazo y maximizar sus beneficios para la humanidad . El futuro de la exploración espacial se vislumbra brillante, con Artemis II como un faro que guía el camino hacia nuevas fronteras y descubrimientos.

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Artemis II: clave para volver a la Luna from JA enciclo on MZE Zoomin

El rostro sereno y la antorcha en alto de la estatua condensaban el ideal republicano, proyectando hacia el Atlántico no solo luz sino fe en la razón, la ciencia y la libertad política. Cuando los inmigrantes europeos divisaban el monumento al llegar a Ellis Island, no encontraban una figura mitológica, sino una promesa de dignidad y redención. La “Libertad iluminando al mundo” fue, desde sus orígenes, tanto una obra de ingeniería como una metáfora civilizatoria.

Analogías simbólicas con el presente

A casi siglo y medio de su inauguración, la Estatua de la Libertad continúa siendo un espejo de las tensiones que definen el siglo XXI. En un mundo atravesado por flujos migratorios, crisis climáticas y debates sobre la soberanía y los derechos humanos, su significado ha adquirido nuevas resonancias. Si a fines del siglo XIX representó la esperanza de millones de europeos pobres, hoy sus ecos se escuchan en los desplazamientos masivos provocados por la guerra, la desigualdad y el colapso ambiental.

La antorcha dorada, restaurada en 1986, puede leerse hoy como un símbolo de la resiliencia democrática. Así como entonces la tecnología del hierro y el acero permitió construir un coloso, ahora las nuevas infraestructuras digitales definen los límites de la libertad de expresión y de pensamiento. La “Luz de la Libertad” no se mide ya en vatios, sino en la transparencia del conocimiento en la era de la información.

El pedestal que sostuvo el monumento a duras penas —gracias a una campaña popular impulsada por Joseph Pulitzer— recuerda que toda libertad necesita de una base social sólida. Entonces como ahora, su financiamiento fue una empresa colectiva: ciudadanos que creyeron que la belleza y la libertad debían sostenerse con la participación cívica, no con privilegios o poderes concentrados.

La Libertad frente a las sombras del nuevo siglo

Las imágenes del 11 de septiembre de 2001, con la Estatua de la Libertad contemplando la destrucción de las Torres Gemelas al fondo, sellaron un cambio de época. El símbolo que durante más de un siglo había representado la apertura y el refugio se vio también como testigo del miedo y el repliegue. Desde entonces, su mirada —dirigida hacia el Atlántico— parece interrogar a una sociedad que oscila entre la apertura y la defensa.

Hoy, mientras la inteligencia artificial redefine el trabajo, las fronteras tecnológicas sustituyen a las físicas, y la información se convierte en un bien de poder, la pregunta sobre qué significa “libertad” se reabre. En este contexto, el monumento erigido por las ideas ilustradas se transforma en un recordatorio de la responsabilidad que implica mantener viva una promesa inscrita no en piedra ni metal, sino en la ética pública.

La antorcha y el porvenir

La Estatua de la Libertad sigue siendo un acto de fe en la humanidad y en la cooperación entre naciones. Su presencia desafía las convulsiones políticas de nuestro tiempo y nos obliga a pensar la libertad como una construcción continua, no como un logro concluido. El cobre y el hierro que la componen —materiales que resisten la corrosión externa— son también metáforas de una ética que debe resistir la indiferencia y el miedo.

El mensaje que emitió en 1886 es, en esencia, el mismo que debería guiar las democracias contemporáneas: la libertad no se hereda, se ejerce; y no se impone, se comparte. En cada época, su antorcha debe volver a encenderse con el fuego del pensamiento y la acción solidaria.

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Conectando ideas, construyendo futuro

Carter, nacido el 1 de octubre de 1924, comenzó su carrera política en Georgia antes de ser elegido gobernador y, finalmente, presidente. Durante su mandato, promovió los derechos humanos y fue clave en los acuerdos de paz entre Egipto e Israel en 1978, así como en la devolución del Canal de Panamá a Panamá. A pesar de estos logros, su presidencia se vio afectada por la crisis de los rehenes y la inflación, lo que contribuyó a su derrota electoral ante Ronald Reagan en 1980.

El expresidente Jimmy Carter en la Convención Nacional Demócrata de 1992 en el Madison Square Garden de Nueva York.

Tras dejar la presidencia, Carter se dedicó a la defensa de los derechos humanos y al desarrollo global a través del Centro Carter, supervisando elecciones y luchando contra la enfermedad del gusano de Guinea. A lo largo de su vida, Carter fue reconocido por su integridad, dedicación a la paz y su capacidad para unir a las personas. Su legado continúa siendo honrado, y su figura ha sido ampliamente elogiada por su compromiso con la justicia social y su incansable labor humanitaria.

La Estatua de la Libertad, oficialmente llamada «Libertad iluminando el mundo», fue un regalo del pueblo de Francia a Estados Unidos para conmemorar el centenario de la independencia estadounidense y para reforzar los lazos entre las dos naciones. Sin embargo, su significado ha trascendido a lo largo de los años, siendo un emblema que representa mucho más que la relación entre dos países.

El Origen del Monumento

El proyecto de la estatua fue idea del jurista y político francés Édouard René de Laboulaye, un ferviente defensor de los ideales republicanos y de la democracia estadounidense. Fue él quien propuso crear una gran obra conmemorativa que simbolizara los valores de libertad y justicia compartidos entre Francia y Estados Unidos. La ejecución de esta idea fue confiada al famoso escultor Frédéric-Auguste Bartholdi, quien trabajó arduamente en la construcción de la imponente figura de bronce.

La estructura interna, que soporta el peso de la estatua, fue diseñada por Gustave Eiffel, el ingeniero que más tarde se haría célebre por la construcción de la Torre Eiffel en París. La colaboración entre Bartholdi y Eiffel fue clave para que la estatua alcanzara la monumentalidad y estabilidad que tiene hoy en día.

El Proceso de Construcción y el Viaje a América

La Estatua de la Libertad, que mide 93 metros desde la base hasta la antorcha, fue ensamblada en París y luego desmontada en más de 300 piezas para ser transportada en barco a Estados Unidos. En julio de 1884, la estatua fue oficialmente entregada al embajador estadounidense en Francia, y dos años más tarde, en 1886, las piezas llegaron a Nueva York a bordo del barco francés Isère.

Una vez en suelo americano, la estatua fue reensamblada en la pequeña isla de Bedloe (hoy conocida como Liberty Island), frente al puerto de Nueva York. El pedestal que sostiene la estatua fue financiado principalmente mediante donaciones públicas, incluidas muchas contribuciones pequeñas de inmigrantes y ciudadanos comunes. El famoso editor Joseph Pulitzer fue uno de los principales impulsores de la recaudación de fondos a través de su periódico The New York World.

La Gran Inauguración

El 28 de octubre de 1886, en una ceremonia oficial presidida por el entonces presidente de Estados Unidos Grover Cleveland, la Estatua de la Libertad fue inaugurada ante miles de personas. El evento contó con discursos, desfiles militares y navales, y fue un momento de celebración nacional. Cleveland pronunció palabras que resaltaban el significado de la estatua como un faro de libertad y bienvenida para todos los que buscan nuevas oportunidades en suelo americano.

Un Símbolo de Inmigración y Esperanza

Con el tiempo, la Estatua de la Libertad adquirió un nuevo significado como símbolo de esperanza para los millones de inmigrantes que llegaban a las costas estadounidenses en busca de una vida mejor. Desde finales del siglo XIX y hasta mediados del XX, la estatua fue lo primero que veían los inmigrantes al arribar en barco a la ciudad de Nueva York, lo que la convirtió en un faro de esperanza.

La placa con el soneto «El Nuevo Coloso», de Emma Lazarus, se colocó en la base de la estatua en 1903, y sus versos refuerzan este papel simbólico, invitando a los oprimidos del mundo a encontrar refugio y libertad en los Estados Unidos:

«Dame tus cansados, tus pobres, tus masas hacinadas anhelando respirar en libertad.»

La Estatua de la Libertad en el Siglo XXI

Hoy en día, la Estatua de la Libertad sigue siendo uno de los monumentos más reconocibles del mundo, atrayendo a millones de visitantes cada año. Es un recordatorio perdurable de los valores de libertad, igualdad y oportunidad que continúan siendo aspiraciones fundamentales para personas de todo el mundo.

En 1984, la Estatua de la Libertad fue declarada Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO, reconociendo su relevancia histórica y su impacto cultural global. Además, en 1986, en conmemoración de su centenario, se llevó a cabo una restauración completa de la estatua para asegurar su preservación.

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Cuando a Hiram Bingham le contaron sobre Machu Picchu, era un profesor de historia entusiasmado por encontrar los últimos reductos incas de Vilcabamba, lo que despertó un nuevo objetivo en su vida. Acompañado por un sargento de la Guardia Civil, de apellido Carrasco, Bingham llegó a Machu Picchu, donde encontró a dos familias de campesinos viviendo en la zona: los Recharte y los Álvarez. La vida cotidiana de estas familias estaba basada en el cultivo, utilizando los andenes del sur del complejo arqueológico y bebiendo el agua de un canal de origen inca que aún funcionaba, trayendo agua de un manantial.

Fue el pequeño Pablo Recharte, uno de los niños residentes de la ciudadela inca, quien guió al explorador hacia la ‘zona urbana’ de la ciudad, cubierta por maleza. Al ver tanta grandeza en un solo lugar, Bingham quedó maravillado y gestionó los auspicios de la Universidad de Yale, la National Geographic Society y el gobierno peruano para iniciar un estudio científico inmediato en el lugar. De 1912 a 1915, se realizaron trabajos arqueológicos en Machu Picchu, despejando la maleza y excavando tumbas incas en los extramuros de la ciudad, con el apoyo de especialistas y trabajadores de la zona. Fue en 1913 cuando Machu Picchu se dio a conocer al mundo, con la publicación de un artículo en la revista de National Geographic, según una nota publicada por la agencia Andina.

Años después, se reveló que Bingham no fue el ‘descubridor’ de Machu Picchu, ya que las primeras referencias datan de 1902, es decir, nueve años antes. La información relata que Agustín Lizárraga, arrendatario cusqueño, llegó a la ciudadela el 14 de julio de 1902, guiando a los cusqueños Gabino Sánchez, Enrique Palma y Justo Ochoa. Esto se sabe gracias a que los visitantes dejaron sus nombres en uno de los muros del Templo del Sol, lo cual fue posteriormente verificado por varias personas y luego borrado por orden de Bingham.

Aunque diversas fuentes indican que Lizárraga habría visitado Machu Picchu en compañía de Luis Béjar en 1894, se le atribuye a Hiram Bingham el mérito de ser la primera persona en reconocer la importancia del sitio arqueológico, investigarlo y divulgar sus hallazgos.

También se acusa a Bingham de promover la salida informal de material arqueológico hallado en Machu Picchu, que constaba de por lo menos 46,000 piezas, las cuales comenzaron a ser devueltas al Perú por la Universidad de Yale en 2011.

Machu Picchu
Antigua ciudad sagrada de los incas del Perú, situada al NO. de la ciudad de Cuzco, en el valle del río Urubamba, a 3.100 m de altitud, en la cordillera de Vilcabamba. Construida por los incas en el …
4.350 palabras

Santuario histórico de Machu Picchu
Situación:En la zona andina del departamento de Cuzco a los pies de la montaña homónima. Ubicado a 2.430 metros de altura en un paraje de gran belleza, en medio de un bosque tropical de montaña, el …
5.371 palabras

Hiram Bingham
(Honolulu, Hawai, Estados Unidos de América, 19-XI-1875 — Washington D.C., Estados Unidos de América, 6-VI-1956). Explorador, arqueólogo y político estadounidense. El explorador y arqueólogo Hiram …
2.361 palabras

Departamento de Cuzco
También conocido como Cusco (es su variante peruana). Departamento del SE del Perú. 71.986,50 km2 (el 5,60& 160;% de la superficie total nacional). 1.331.800 habitantes (estimación de 2017; el 4,2& …
10.853 palabras

Las altas culturas sudamericanas
… -100 a.C.. Torreón militar sobre el Mausoleo Real de Machu Pichu. Al fondo, la cima del Huayna Pichu. Vista de la fortaleza de Ollantaytambo, en las cercanías de…
13.930 palabras

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Antoni Gaudí, maestro de la arquitectura from JA Enciclo on MZE Zoomin

Antoni Gaudí i Cornet

(Reus, Tarragona, 25-VI-1852 –Barcelona, 10-VI-1926). Arquitecto. Alumno de los escolapios en su ciudad natal (1863-1868) y del Instituto de Enseñanza Media de Barcelona (1868-1869).

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Antoni Gaudí

(Reus, Provincia de Tarragona, España, 25-VI-1852 — Barcelona, España, 1-VI-1926). Antoni Gaudí i Cornet. Arquitecto español de gran personalidad, el más original de los modernistas, y fecundo creador, cuya obra prefigura las tendencias más audaces de la arquitectura contemporánea. Fue en Barcelona donde desarrolló la mayor parte de su actividad profesional.

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«De Gaudí podrán podrán decirse muchas cosas. Yo las he dicho en muy diversos sitios, en libros, en artículos, en ensayos y también he pasado muy buenos ratos contemplando sus obras, tan contradictorias a veces.

Gaudí empieza por ser una contradicción en sí mismo, lo que no quiere decir que su obra carezca de coherencia o unidad, que eso es otra cuestión. Precisamente hay obras de Gaudí en las que esas contradicciones han generado una poderosa expresión unitaria.

Analicemos algunas de estas contradicciones. Por ejemplo, Gaudí es un gran genio constructor, posiblemente uno de los mayores genios constructores que jamás hayan existido. Sus elementos arquitectónicos —arcos, bóvedas, columnas, etcétera— se conciben al servicio de la función mecánica que ejercen. Esta teoría ha dado lugar a los arcos parabólicos y a las columnas inclinadas, rasgos peculiares de su estilo. Según César Martinell, esto supone el mayor avance de la arquitectura en piedra, desde la época ojival hasta nosotros. Pero al mismo tiempo, este maestro de la construcción y de la estereotomía, porque puede ir más allá de las leyes mecánicas, hace muchas veces befa y burla sangrante de ellas.

En el Parque Güell, las columnas dóricas, que indican pesantez y reposo casi clásicos, sostienen un techo que parece un blando velario, abolsado por el peso del agua o movido por el viento; una forma perfectamente anticonstructiva, en contradicción con la rigidez de las columnas. Éste es uno de los recursos en que se goza estéticamente el maestro para obtener efectos desconcertantes. Las formas blandas, en contraste con la dureza geométrica, son puro surrealismo y el surrealismo es uno de los ingredientes no desdeñables de Gaudí. Por eso Dalí lo consideró como un precursor y, poco después de su muerte, dio una conferencia sobre él en París que pasó casi inadvertida. Por eso pudo hablar…

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Mausoleo del primer emperador Qin

Este importante yacimiento arqueológico fue encontrado por casualidad en 1974, cuando tres agricultores perforaban un pozo a un kilómetro y medio del recinto exterior del túmulo. Hallaron una fosa que contenía imponentes figuras de guerreros de terracota.

A mediados del siglo II a. de C, cien años más tarde, el historiador chino Siam Qian narraba con estas palabras, en su biografía del Primer Emperador, la construcción de la ciudad funeraria en el monte Li.

Debido a que la antigua capital del imperio se encontraba cerca de este enclave, es muy probable que los emperadores de la posterior dinastía Han, cuyos gobiernos describió también Siam Qian, mandaran construir mausoleos de este estilo, de acuerdo con su rango.

Pero el cronista sólo trató de forma tan explícita la tumba del Primer Emperador. En ninguna época de la historia china se ha realizado un esfuerzo parecido para construir la morada en el otro mundo de un «Hijo del Cielo».

A ojos del historiador, la tumba era un claro reflejo de la personalidad del unificador del imperio, quien con sus hazañas políticas y militares, sus conquistas y proyectos de construcción ensombreció todas las exigencias de poder conocidas anterior y posteriormente.

Los soldados de terracota

Pero Siam Qian no mencionó nada sobre los ejércitos de terracota. Nadie sabía de ellos hasta que, en marzo de 1974, un par de campesinos del cercano pueblo de Yangeun perforaron un pozo en el monte Li.

Al dar con algunos fragmentos, los arqueólogos acudieron inmediatamente, y pronto se confirmó el sensacional descubrimiento.

Tras la lógica euforia de los momentos iniciales, se desenterraron en primer lugar figuras de soldados, de 1,8 hasta casi 2 metros de altura, así como de caballos oficiales, hechos de barro cocido (terracota) y con restos de sus pinturas originales.

Es curioso observar que ningún soldado es igual a otro, y si bien las piernas, el cuerpo y los brazos están realizados en serie, cada rostro fue elaborado individualmente.

Asimismo, las partes producidas en serie mediante moldes tampoco son absolutamente iguales, sino que sorprenden por su riqueza de formas: soldados con y sin escudo, luchadores desarmados y guerreros armados en diferentes posturas de cuerpo y brazos, así como aurigas y arqueros.

La forma de cubrirse la cabeza, en alusión al rango de cada soldado, es también un elemento variable.

Así, algunos llevan un sencillo pañuelo atado alrededor de un moño, mientras que otros llevan la cabeza cubierta por artísticas arrugas, que les reconocen como oficiales o mayores. Por último, también sus tocados son distintos.

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Gian Lorenzo Bernini, destacado artista cuya prolífica carrera se extendió a lo largo de sesenta años, dejó un impacto significativo en la escena artística de la Roma de la Contrarreforma. Su legado se manifiesta en numerosas obras emblemáticas, siendo la basílica de San Pedro, con su distintivo baldaquino de bronce, la Scala Regia y la majestuosa perspectiva de la plaza, solo una parte de su extraordinario repertorio.

A pesar de no haber cursado estudios regulares y carecer de conocimientos en latín, Bernini fue elogiado por su genialidad. Su formación autodidacta junto a su padre, un escultor florentino, le proporcionó habilidades excepcionales en dibujo y escultura. El cardenal Scipione Borghese, mecenas de gran fortuna, auspició las primeras esculturas notables de Bernini en los jardines de la villa Borghese.

Bernini fue comparado con un nuevo Miguel Ángel, un «hombre universal» capaz de llevar el arte católico a nuevas alturas de perfección, como se evidencia en obras como «El rapto de Proserpina» y «Apolo y Dafne». Su virtuosismo técnico y expresividad le valieron fama instantánea, elogios que se reflejaron en las palabras de Chantelou, destacando «un talento completamente particular para expresar las cosas con la palabra, el rostro y la gesticulación».

En 1623, el acceso al trono papal de Urbano VIII propulsó a Bernini al centro del escenario artístico. Encargado por el pontífice, embelleció la basílica de San Pedro con el baldaquino y la tumba monumental. A pesar de conflictos y humillaciones durante el papado de Inocencio X, Bernini continuó creando obras maestras, como la capilla Cornaro con la extraordinaria escultura «El éxtasis de Santa Teresa».

Su ingeniosa estratagema para ganarse el favor de Inocencio X le llevó a diseñar la famosa fuente de los Cuatro Ríos, inaugurada en 1651. Bajo el patrocinio de Alejandro VII, Bernini remodeló la plaza de San Pedro, aunque sus proyectos costosos generaron críticas. Su breve visita a la corte de Luis XIV en París estuvo marcada por desacuerdos con arquitectos locales y proyectos rechazados para la remodelación del Louvre.

En sus últimos años, Bernini enfrentó escándalos personales, pero su dedicación artística no menguó. A los 80 años, completó la tumba del papa Alejandro VII y falleció al año siguiente. Sus funerales, celebrados en Santa Maria Maggiore, reflejaron el reconocimiento a un hombre que logró que «la gloria de Roma ilumine el siglo».

Gian Lorenzo Bernini

(Nápoles, Italia, 7-XII-1598 — Roma, Italia, 28-XI-1680). Arquitecto, escultor y pintor italiano.

Gian Lorenzo Bernini
Gian Lorenzo Bernini, destacado escultor, arquitecto y pintor italiano, dejó una huella imborrable en la escena artística de su época. Reconocido como el principal escultor de su generación, se distinguió por ser el creador del estilo escultórico barroco. Su prolífica carrera se desarrolló principalmente en Roma, donde sus obras perduran como testamento de su genialidad.
Nombre	Gian Lorenzo Bernini
Nacimiento	7 de diciembre de 1598 Nápoles  Italia
Fallecimiento	28 de noviembre de 1680 Roma  Italia
Ocupación	Escultor, pintor y arquitecto
Padres	Angelica Galante y Pietro Bernini

Introducción

Es el artista más representativo, junto con Francesco Borromini, del barroco italiano del s. XVII, y verdadero constructor de la Roma barroca.

«hombre excepcional, artífice sublime, nacido por disposición divina y para que la gloria de Roma ilumine el siglo.»

papa Urbano VIII

Vida y obra

Se formó en el taller de escultura de su padre, Pietro Bernini (Sesto, Italia, 6-V-1562 – Roma, 29-VIII-1629). Bajo la protección de siete pontífices tuvo ocasión de realizar su polifacética actividad. En su carrera influyó decisivamente, en concreto, la protección que le dispensaron Urbano VIII (1623-1624) y Alejandro VII (1655-1657).

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Dentro de esta destacada colección, sobresalen manifestaciones únicas y exclusivas de Menorca, tales como las navetas de enterramiento, los recintos de «taula», las imponentes viviendas circulares y los «talayots».

Con esta inclusión, España alcanza un total de 50 lugares en este prestigioso listado, consolidándose como uno de los países con mayor número de inscripciones.

Menorca Talayótica

La isla registra una de las mayores densidades del mundo de yacimientos arqueológicos prehistóricos en territorio habitado. La Menorca prehistórica, que abarca desde el 1600 a.C. hasta el 123 a.C., representa una crónica fascinante de una cultura que, con esfuerzo titánico, erigió numerosas construcciones ciclópeas en la limitada extensión de una pequeña isla en el Mediterráneo.

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Sin embargo, tras la reconquista de Córdoba por parte de los cristianos en 1236, la mezquita fue consagrada como iglesia y se inició el proceso de cristianización del edificio. En este contexto, se decidió la construcción de una catedral en el interior de la antigua mezquita, conservando gran parte de su estructura original.

El arquitecto Hernán Ruiz fue uno de los principales responsables de la transformación y ampliación de la Mezquita en una catedral cristiana. Aunque no se tiene una fecha precisa del inicio de su intervención, se estima que su trabajo se desarrolló a lo largo del siglo XVI.

Catedral de Córdoba from Tais Marcato on MZE Zoomin

Hernán Ruiz y su equipo llevaron a cabo diversas modificaciones y adiciones al edificio existente. Se construyeron capillas, se modificaron las naves y se añadieron elementos propios de la arquitectura gótica y renacentista, como la Capilla Mayor y la Capilla del Sagrario. Estas adiciones se hicieron respetando en gran medida la estructura y ornamentación islámica original, lo que contribuye a la peculiaridad y riqueza arquitectónica de la Catedral de Córdoba.

Es importante destacar que la construcción de la Catedral de Córdoba en la Mezquita fue un proceso complejo y continuo a lo largo de los siglos, con la participación de diferentes arquitectos y artistas. Hernán Ruiz desempeñó un papel fundamental en la adaptación del edificio para su uso cristiano y dejó su huella en la configuración actual de la catedral.

La Catedral de Córdoba, conocida oficialmente como la Santa Iglesia Catedral Basílica de Nuestra Señora de la Asunción y de los Santos Justo y Pastor, es un destacado ejemplo de la fusión de estilos arquitectónicos y culturas que se encuentran en la ciudad de Córdoba. Es considerada uno de los principales hitos del patrimonio cultural y arquitectónico de España.

 Centro histórico de Córdoba

… de oro admirables. En el s. XIX, la gran figura es el escultor neoclásico. J. Alvarez Cubero (1768-1827), que nació en Priego de Córdoba y buena parte de su etapa formativa transcurrió en Córdoba.

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Mezquita de Córdoba

… . Detalle de la puerta de Santa Catalina.Image:igee_0001_0006_0_img6094.jpg Sección parcial de la Mezquita de Córdoba. Detalle de la ornamentación de la puerta de .(4.643 palabras)

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En la década de los 60 del siglo XX se centró en los accesorios y complementos, haciendo piezas rompedoras para distintas casas de alta costura: Balenciaga, por supuesto, Nina Ricci, Maggy Rouff, Philippe Venet, Pierre Cardin, Courrèges y Givenchy.

Paco Rabanne cinceló su fama a golpe de martillo, como Thor, y revolucionó la costura al compás de los tiempos. En el 1965, lanzó su primera colección de ropa, «12 Unidades», que rápidamente atrajo la atención de la prensa y los compradores. Su estilo futurista y experimental se convirtió en una de las tendencias más influyentes de la época.

Ser un creador, un artesano, un diseñador, un genio de la alta costura, un visionario que fue verdaderamente vanguardista le llevó a colaborar con artistas, genios de la música, el cine y la pintura y escultura, como Salvador Dalí.

Su aportación a la moda es valorada por Francia y en 1989 se le otorga el “Dedal de Oro”. En 1989 le dieron la Legión de Honor de Francia, en 1990 recibió el prestigioso Dedal de Oro, en 1992 presentó sus creaciones en las jornadas dedicadas a las artes de la Expo de Sevilla y en 1998 el Guggenheim de Bilbao le dedicó una magna retrospectiva. El monstruo de titanio acogía al dios del metal. 

Paco Rabanne

(Pasajes, Provincia de Guipúzcoa, España, 18-II-1934 — Portsall, Bretaña, Francia, 3-II-2023). Francisco Rabaneda Cuervo. Diseñador de moda español.

Francisco Rabaneda Cuervo
Coco Chanel le llamó «el metalúrgico de la moda’ por su pasión por el metal.
Nacimiento	18 de febrero de 1934 Pasajes provincia de Guipúzcoa  España
Fallecimiento	3 de febrero de 2023 Portsall Bretaña  Francia
Nacionalidad	española
Ocupación	Modisto, diseñador, empresario

Orígenes y formación

Hijo del general andaluz leal a la II República Española Francisco Rabaneda Postigo, fusilado en Santoña (Cantabria) en 1937, y de madre vasca, militante y miembro de la dirección del PCE.

Cuando tenía cinco años de edad se trasladó con su familia a Francia, desde donde realizó algunos viajes, entre ellos a Rusia, donde conoció a Stalin. En 1952 fue a París y estudió Arquitectura en la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes. Pronto se introdujo en el mundo de la moda, gracias a que su madre había trabajado como costurera en el taller del modisto Cristóbal Balenciaga en San Sebastián.

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Estas son solo algunas de las obras más destacadas del arquitecto Arata Isozaki. Su carrera ha sido larga y variada, y ha dejado su impronta en muchas partes del mundo.

1. Museo de Arte de la Prefectura de Aomori: Este museo se encuentra en Aomori, en el norte de Japón, y cuenta con una estructura única que se inspira en el paisaje local.
2. Palacio de Congresos y Exposiciones de Ósaka: Este edificio se encuentra en Ósaka, Japón, y es conocido por su estructura de vidrio y acero que se proyecta hacia el cielo.
3. Torre de la Música de Barcelona: Esta torre se encuentra en Barcelona, España, y es conocida por su diseño espectacular y por su papel como un importante centro cultural en la ciudad.
4. Edificio de la Biblioteca Central de Tama: Este edificio se encuentra en Tokio, Japón, y es conocido por su diseño futurista y por ser un importante centro cultural en la ciudad.
5. Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles: Este museo se encuentra en Los Ángeles, Estados Unidos, y es conocido por su diseño innovador y por ser un importante centro cultural en la ciudad.

Arata Isozaki

(Oita, Kyushu, Japón, 23-VII-1931 — Tokio, Japón, 29-XII-2022). Arquitecto japonés.

Vida y obra

Nació en el seno de una familia acomodada dedicada a los negocios. Cursó estudios superiores de Arquitectura en la Universidad de Tokio, donde tuvo como mayor influencia la del arquitecto Kenzo Tange, su director de tesis doctoral (1954), Desarrollo de los rascacielos en Estados Unidos, 1875-1935.

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Candela colaboró en infinidad de proyectos, de los cuales son de sobra conocidos los alrededor de treinta y dos edificios ubicados en diferentes puntos de ciudad de México, además de los construidos en los estados de Morelos y Monterrey.

Félix Candela Outeriño

Félix Candela Outeriño
Reconocido arquitecto y famoso por la creación de estructuras basadas en el uso extensivo del paraboloide hiperbólico.
Información personal
Nombre	Félix Candela
Nacimiento	27 de enero de 1910  Madrid, España
Defunción	7 de diciembre de 1997 Durham, Carolina del Norte
Proyectos realizados
Edificios representativos
Premios	Premio Augusto Perret de la Unión Internacional de Arquitectos

(Madrid, 27 de enero de 1910; † Durham, 7 de diciembre de 1997). Arquitecto español. Accedió la nacionalidad mexicana en 1941 y a la norteamericana en 1978. Famoso por la creación de estructuras basadas en el uso extensivo del paraboloide hiperbólico.

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Félix Candela Outeriño

(Madrid, 27-I-1910 — Durham, Carolina del Norte, Estados Unidos de América (EE.UU.), 7-XII-1997). Arquitecto con nacionalidad mexicana.

Formación

Graduado en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura (1927-1935) dependiente de la Universidad Politécnica de Madrid, amplió estudios en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando junto con Eduardo Robles Piquer y Fernando Ramírez de Dampierre. Fue becado gracias a su tesis doctoral para ampliación de estudios en Alemania (1936), pero el estallido de la Guerra Civil (1936-1939) le impidió aprovecharla.

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En el año 2019 España presentó la candidatura del Paseo del Prado y el Buen Retiro, que acaba de entrar en tan privilegiado catálogo en la categoría de Paisaje de las Artes y las Ciencias. Un entorno urbano extraordinario, donde cultura, ciencia y naturaleza conviven desde mediados del siglo XVI. Este Paisaje de la Luz es el primer bien que ostenta tal distinción en la ciudad de Madrid, y el quinto en la Comunidad, junto al Monasterio de El Escorial, el casco histórico de Alcalá de Henares, el paisaje cultural de Aranjuez y el Hayedo de Montejo.

Paseo del Prado y el Buen Retiro, paisaje de las artes y las ciencias:

El Paisaje de la Luz, incluye el paseo del Prado entre Cibeles y la plaza del Emperador Carlos V, en Atocha, el parque de El Retiro y el barrio de los Jerónimos.

Un entorno urbano extraordinario, donde cultura, ciencia y naturaleza conviven desde mediados del siglo XVI. Este Paisaje de la Luz es el primer bien que ostenta tal distinción en la ciudad de Madrid, y el quinto en la Comunidad, junto al Monasterio de El Escorial, el casco histórico de Alcalá de Henares, el paisaje cultural de Aranjuez y el Hayedo de Montejo.

Paseo del Prado y Buen Retiro. Paisaje de las Artes y las Ciencias.  Patrimonio de la Humanidad — Unesco
Vista aérea del perímetro y extensión. en la parte central. la enorme mancha verde del Buen Retiro.
País	España
Tipo	Cultural
Criterios	ii, iv, vi
N° identificación	1618
Región2	Europa y América del Norte
Año de inscripción	2021 (? sesión)
1 Nombre oficial según Unesco 2 Clasificación según Unesco

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Joan Margarit i Consarnau

(Sanaüja, provincia de Lleida, 11-V-1938 — Sant Just Desvern, provincia de Barcelona, 16-II-2021). Arquitecto y poeta. En 2019 recibió el «Premio Miguel de Cervantes 2019» de literatura en lengua española que concede el Ministerio de Cultura español a propuesta de la Asociación de Academias de la Lengua Española. Presentación de No era lluny ni difícil, poemario de Joan Margarit (7-IV-2011). Fuente:Museu de la Vida Rural

Trayectoria profesional

Catedrático de la Escuela de Arquitectura de Barcelona, como arquitecto ha desarrollado buena parte de su labor profesional asociado con Carles Buxadé; de esta colaboración han surgido, entre otras obras, la cúpula de un mercado público de la ciudad de Vitoria-Gasteiz (que recibió el «Premio Europeo de Estructuras Metálicas») y la rehabilitación de la Fábrica Aymerich, en Terrassa (Barcelona)….

Trayectoria literaria

Por lo que atañe a la literatura, Margarit ha cultivado la poesía con notorio éxito de crítica. Su lírica se decanta por un carácter intimista y reflexivo y aborda las preocupaciones universales de la humanidad (la condición efímera de la existencia, el amor, la muerte) recurriendo a un lenguaje de gran profundidad simbólica, que crea imágenes de gran belleza, pero se aleja conscientemente de cualquier retoricismo….

Poema del libro Joana (2002)

La muerte no es más que esto: el dormitorio,
la luminosa tarde en la ventana,
y este radiocasete en la mesita
-tan apagado como tu corazón-
con todas tus canciones cantadas para siempre.
Tu último suspiro sigue dentro de mí
todavía en suspenso: no dejo que termineJoan Margarit

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Por ello, os anunciamos que hemos incrementado el número de licencias de los siguientes recursos electrónicos: Aula Digital, Historia Universal, Mienciclo Universal y Patrimonio de la Humanidad, para ayudar a las comunidades que han suspendido las clases y facilitar el aprendizaje y entretenimiento en el hogar.

Con la nueva plataforma de los recursos electrónicos y bases de datos Mienciclo, lanzada a inicios del 2020, vamos a reforzar la excelencia de nuestros contenidos educativos y obras de referencia a través de la nueva versión de Mienciclo Plus.

En nombre de todo el colectivo del Consorcio Grupo Enciclo, deseamos transmitir a todas las personas afectadas por el COVID-19 nuestro deseo de una pronta recuperación.

Dos frases hechas suyas han trascendido los contextos de la arquitectura: «Menos es más» y «Dios está en los detalles»

La exactitud de la proporción, la valoración de la infraestructura como elemento estético y la precisión en el detalle fueron tres de las premisas sobre las que basó su creación el arquitecto estadounidense de origen alemán Ludwig Mies Van der Rohe.

Junto a figuras como Walter Gropius, Le Corbusier o Frank Lloyd Wright, Mies van der Rohedestacó en el panorama de la arquitectura moderna.

La investigación en el campo de las formas rectilíneas y la búsqueda de la elegancia en la simplicidad hicieron de Mies van der Rohe una de las personalidades más influyentes en la arquitectura del siglo XX.

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Ludwig Mies Van der Rohe
Ludwig Mies Van der Rohe
Información personal
Nombre	Ludwig Mies Van der Rohe
Nacimiento	27 de marzo de 1886 Aquisgrán Alemania
Defunción	17 de agosto de 1969 Chicago Illinois  Estados Unidos
Proyectos realizados
Proyectos realizados	Pabellón de Alemania en la Exposición Universal de Barcelona (1929), Casa Farnsworth (1946), Edificio Seagram (1958), Apartamentos Lake Shore Drive (1949), Neue Nationalgalerie – Complejo cultural Kulturforum (1968).