Su popularidad conquistó a millones durante generaciones y atravesó algunas de las divisiones culturales y políticas más profundas de las últimas décadas, mientras ella lograba la difícil hazaña de hablar de los temas que le importaban sin dejarse arrastrar por la política partidista en un país cada vez más polarizado.

Dolly Parton construyó, a lo largo de más de seis décadas, una de las trayectorias más completas y duraderas del entretenimiento estadounidense: cantante, compositora, actriz, productora, escritora y empresaria, con más de 100 millones de discos vendidos en todo el mundo.wikipedia

Los inicios y el ascenso musical

Parton publicó su primer álbum en 1967 y, poco después, saltó a la fama gracias a su colaboración con el también cantante de country Porter Wagoner en la televisión y los escenarios durante los años sesenta. Esa exposición televisiva le dio la base para lanzarse en solitario y consolidarse como compositora, un oficio en el que dejó una huella descomunal: escribió más de 3.000 canciones a lo largo de su vida.wikipedia+3

Entre sus composiciones más emblemáticas figuran Coat of Many Colors, Jolene y, sobre todo, I Will Always Love You, tema que ella misma llevó al número uno de las listas country en dos ocasiones distintas —en 1974 y de nuevo en 1982, tras aparecer en la película The Best Little Whorehouse in Texas—, convirtiéndose en la primera artista en lograr el número uno dos veces con la misma canción. Años más tarde, esa misma pieza se transformaría en un fenómeno global gracias a la versión de Whitney Houston, que vendió 40 millones de copias en todo el mundo.wikipedia+1

En 1977, su álbum Here You Come Again marcó su gran cruce hacia el pop mainstream y le valió su primer Grammy. A lo largo de su carrera acumuló 49 álbumes de estudio, 41 discos situados en el Top 10 de las listas country —un récord para cualquier artista— y 25 canciones número uno en las listas country de Billboard, marca que comparte con Reba McEntire como la más alta entre artistas femeninas.wikipedia+2

El salto a Hollywood

Parton debutó en el cine en 1980 con 9 to 5 (Cómo eliminar a su jefe), una comedia satírica sobre las reivindicaciones salariales de un grupo de secretarias que reflejaba su propia filosofía sobre la igualdad laboral. La cinta, protagonizada junto a Jane Fonda y Lily Tomlin, fue un éxito rotundo, y el tema homónimo que compuso para la banda sonora se convirtió en un himno feminista, además de darle su primera nominación al Oscar.elespanol+1

Ese debut abrió la puerta a una carrera cinematográfica constante: coprotagonizó The Best Little Whorehouse in Texas (1982), Rhinestone (1984) junto a Sylvester Stallone, Steel Magnolias (1989) —uno de sus papeles más aclamados, junto a Julia Roberts y Sally Field—, Straight Talk (1992) y Joyful Noise (2012), entre otras. En total, fue nominada dos veces al Oscar y varias más al Globo de Oro.wikipedia+2

Un imperio propio: Dollywood y los negocios

En 1986, Parton cumplió uno de sus sueños más personales al abrir Dollywood, su propio parque temático en Pigeon Forge, Tennessee, situado en la base de las Great Smoky Mountains, muy cerca de donde había crecido. El parque, construido sobre el emplazamiento de una atracción anterior llamada Rebel Railroad, se convirtió con los años en el eje de un pequeño imperio de ocio que incluye hoteles, un parque acuático y otras atracciones, y que hoy sigue siendo uno de los destinos turísticos más visitados de Tennessee.biography+2

Su instinto empresarial no se limitó al entretenimiento: también incursionó en la escritura de libros, la producción musical y televisiva, y diversas iniciativas filantrópicas, entre ellas su célebre programa de alfabetización infantil, que distribuye libros gratuitos a niños de todo el mundo.

Una carrera sin bandera política

Parton, quien deja canciones como Jolene, I Will Always Love You y 9 to 5, y más de 100 millones de discos vendidos, tuvo una carrera de más de seis décadas como una de las figuras más conocidas de la cultura estadounidense, durante las cuales nunca se tiñó de rojo republicano o azul demócrata, pero tampoco se quedó callada. Nació en 1946 en las montañas de Tennessee, en una familia de 12 hermanos que ella misma describió como extremadamente pobre, y llegó hasta los mayores escenarios y Hollywood para construir un imperio alrededor de su nombre.

A lo largo de su carrera, la artista se negó rotundamente a elegir entre republicanos y demócratas o a respaldar candidatos, asegurando que tenía seguidores de todo el espectro político y que ella no era quién para decirles cómo votar o pensar. «Todo el mundo sabe que yo no hago política», dijo en 2017, a raíz de una polémica aparición en los premios Emmy junto a Jane Fonda y Lily Tomlin, sus compañeras de reparto en 9 to 5 (1980). Ambas lanzaron críticas interpretadas como dirigidas a Donald Trump —Fonda habló de un jefe «sexista, egocéntrico, mentiroso e hipócrita» y Tomlin remató que aún se negaban a ser controladas por alguien así—, a las que Parton evitó sumarse.

Dos años más tarde, en una entrevista con The Guardian, explicó su filosofía: «Si tengo algo que decir, lo diré, pero no quiero que me arrastren a ello». Reconoció que tenía opiniones políticas, pero prefería no difundirlas si eso significaba perder la mitad de su público. «Respeto demasiado a mi público», dijo, añadiendo que un artista podía «arruinar una carrera por hablar».

Mantener esa línea no siempre fue sencillo. En 2016, en plena contienda entre Hillary Clinton y Trump, dijo a The New York Times que Clinton estaba «muy calificada» y que la apoyaría si ganaba, comentario que varios medios interpretaron como un respaldo demócrata. Parton emitió después un comunicado aclarando que no había respaldado a ningún candidato y que su frase había sido sacada de contexto.

Esa misma cautela la llevó a rechazar, hasta en tres ocasiones, la Medalla Presidencial de la Libertad: dos veces ofrecida por la primera Administración Trump —declinada por la enfermedad de su marido y luego por la pandemia— y una tercera por la Administración Biden en 2021. «Ahora siento que, si la acepto, estaré haciendo política», explicó en el programa Today. Nunca recibió la medalla. El martes, tras conocerse su muerte, Trump ordenó mantener la bandera a media asta en la Casa Blanca en su honor.

Posiciones firmes en temas sociales

Pese a su aversión a vincularse con un partido, Parton fue clara en causas concretas:

• Matrimonio igualitario: lo apoyó incluso antes de que el Tribunal Supremo lo reconociera. «Simplemente amo a todo el mundo por lo que es. No se supone que debamos intentar cambiar a las personas. Debemos permitirles ser quienes son y amarlas como son», dijo.
• Derechos trans: cuando surgieron leyes sobre qué baños podían usar las personas transgénero, afirmó que todos debían ser tratados con respeto: «No juzgo a las personas. Espero que todo el mundo tenga la oportunidad de ser quien es».
• Racismo: en 2020, tras la muerte de George Floyd, dijo a Billboard que «por supuesto que las vidas negras importan. Todo el mundo importa». Ese mismo año eliminó la palabra «Dixie» del nombre de uno de sus espectáculos por su asociación con los confederados.
• Igualdad de género: se definió feminista en el sentido de apoyar a las mujeres, aunque aclaró que no iba a marchar ni a ponerse «una etiqueta». Defendió el principio de «igual salario por igual trabajo».

Quizás su declaración más contundente llegó en clave musical, con el tema World on Fire (2023), que critica a los «políticos codiciosos, presentes y pasados»: «Yo no soy de hablar mucho ni de alzar la voz, pero eso no significa que no esté al tanto (…) ¿Cómo podemos sanar esta gran división? ¿Nos importa lo suficiente como para intentarlo?». Cuando le preguntaron a qué político se refería, respondió que «a todos», y lamentó que muchos se preocuparan más «por el partido que por la gente». Aun así, insistió en que no era un tema partidista: «No soy política. Odio la política».

Los últimos meses

La salud de Parton se había deteriorado visiblemente en el último año, coincidiendo con la muerte de su esposo, Carl Dean, en marzo de 2025, tras 60 años juntos. En septiembre de 2025 pospuso una serie de conciertos en Las Vegas por problemas de salud no especificados, y en mayo había hablado de «cálculos renales» y problemas en sus sistemas inmunológico y digestivo. Esa misma situación le impidió asistir en persona a los Premios de los Gobernadores de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas, donde recibió un Oscar honorífico que aceptó mediante un mensaje grabado.

Poco más de una semana antes de morir, faltó a una presentación programada en Dollywood, el parque temático que construyó cerca de su ciudad natal, alegando mareos y deshidratación. Días antes de su fallecimiento declaró a People: «Todavía tengo muchas cosas que quiero lograr, así que voy a seguir trabajando todo el tiempo que pueda para verlas hacerse realidad».

Su sobrino Bryan Seaver, hijo de Cassie Parton y jefe de seguridad de la cantante, confirmó la noticia en un vídeo publicado en el Instagram de la artista, cumpliendo su deseo expreso de anunciarlo así: «Dolly vivió en la luz y está en los brazos de Jesús, donde seguramente la recibirán Carl, sus padres y muchísimas otras personas que la cuidaron y anhelaron encontrarse con ella en el cielo»

Antoni Gaudí, maestro de la arquitectura from JA enciclo on MZE Zoomin

La Trágica Muerte de un Genio (1926)

Antoni Gaudí falleció el 10 de junio de 1926 a los 73 años de edad. Su muerte fue el desenlace de un trágico accidente ocurrido tres días antes, el 7 de junio. Mientras el arquitecto se dirigía a su misa diaria en la iglesia de San Felipe Neri, fue atropellado por un tranvía en la Gran Via de les Corts Catalanes, entre las calles Bailèn y Girona.

Debido a su apariencia humilde y descuidada, Gaudí no fue reconocido inicialmente y fue confundido con un mendigo, lo que retrasó la atención médica adecuada. Tras su traslado al Hospital de la Santa Cruz, el arquitecto recibió los últimos sacramentos y falleció acompañado de sus colaboradores, entre ellos el padre Gil Parés y el arquitecto Domènec Sugranyes, quienes finalmente consiguieron identificarlo. Su entierro, celebrado el 12 de junio de 1926, fue una manifestación masiva de duelo ciudadano, siendo sepultado en la cripta de la Sagrada Familia, la obra a la que dedicó los últimos años de su vida con absoluta entrega.

El Centenario: 2026 como Año de Conmemoración

El año 2026 se ha consolidado como un periodo de intensa actividad cultural, religiosa y arquitectónica en Barcelona. La conmemoración del centenario ha sido organizada a través de una amplia programación que busca honrar el legado de Gaudí, involucrando a instituciones, museos y a la propia ciudadanía.

La Sagrada Familia en el Centro de los Actos

La Basílica de la Sagrada Familia es el epicentro de las celebraciones. Los actos conmemorativos, que comenzaron a articularse desde finales de 2025, incluyen una serie de eventos que subrayan la vigencia de la visión arquitectónica y espiritual de Gaudí. Entre las actividades más destacadas se encuentran:

Misa Solemne del Centenario: El 10 de junio de 2026, fecha exacta del centenario, se celebra una misa solemne en la Basílica, un acto que cuenta con una relevancia internacional sin precedentes.

Visita Papal: La conmemoración adquiere un carácter histórico con la presencia del papa León XIV, quien preside la misa solemne y realiza la bendición de la Torre de Jesucristo.

Programación Cultural: Se han organizado más de 70 actividades, incluyendo conferencias, conciertos del Orfeó Català y exposiciones multimedia que exploran la genialidad de Gaudí, su fe y su capacidad para integrar la naturaleza y las matemáticas en la arquitectura.

La Culminación de la Torre de Jesucristo

Uno de los aspectos más significativos de este centenario es el avance en la construcción de la Sagrada Familia, que se acerca a su fase final tras 144 años de trabajo. La culminación de la Torre de Jesucristo es el símbolo principal de este aniversario.

Hito Arquitectónico: Con una altura de 172,5 metros, la torre central convierte a la Sagrada Familia en la iglesia más alta del mundo, superando a la catedral de Ulm.

Simbolismo: Gaudí diseñó la torre con una altura ligeramente inferior a la montaña de Montjuïc, bajo la premisa de que ninguna obra humana debía superar la obra divina. La finalización de esta estructura representa el cumplimiento de una parte fundamental del proyecto original del arquitecto.

Estado de las Obras: Para junio de 2026, se ha previsto la retirada de los andamios de la torre central, permitiendo que la silueta del templo se muestre en su esplendor conmemorativo.

El Legado de Gaudí un Siglo Después

A cien años de su muerte, la figura de Antoni Gaudí no solo permanece intacta, sino que su influencia se ha globalizado. Las biografías publicadas recientemente y el interés académico creciente demuestran que la curiosidad por entender al «genio o loco» que ideó la Sagrada Familia sigue vigente.

El centenario funciona como un puente entre el pasado y el futuro. Mientras Barcelona rinde homenaje a su arquitecto más universal, la Sagrada Familia continúa su proceso de construcción, manteniendo viva la esencia de un hombre que, según sus contemporáneos, luchó por sus ideales hasta el final. La conmemoración de 2026 no es solo un cierre de ciclo, sino una reafirmación de que la obra de Gaudí sigue siendo una «piedra angular» del arte y la arquitectura mundial, capaz de fascinar a nuevas generaciones un siglo después de su partida.

En conclusión, el centenario de la muerte de Antoni Gaudí es una oportunidad para que Barcelona y el mundo reconozcan la magnitud del legado de un hombre que transformó la arquitectura mediante la observación de la naturaleza y una fe inquebrantable, dejando en la Sagrada Familia un testimonio eterno que, a pesar de los años, sigue creciendo y evolucionando.

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https://enciclo.enciclo.es/articulo/basilica-de-la-sagrada-familia

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Una obra monumental

El GEM ocupa una superficie total de 500.000 metros cuadrados, el doble del Museo del Louvre y dos veces y media más que el Museo Británico. De ellos, 167.000 metros están edificados, en un espacio situado a tan solo dos kilómetros de las pirámides de Guiza, en la orilla occidental del Nilo. El museo se levanta en plena zona desértica, lo que le concede una sensación de amplitud y majestuosidad difícil de igualar.

Un sueño hecho realidad

El primer ministro egipcio, Mustafa Madbuli, ha descrito la inauguración como “un evento único en todos sus sentidos” y “un sueño que se ha logrado hacer realidad”. Según el mandatario, el GEM representa el mensaje que Egipto desea proyectar al mundo: el orgullo por su herencia milenaria y su capacidad para reinventarse como destino cultural de primer nivel.

La idea del proyecto se remonta a principios de los años noventa, cuando El Cairo destinó más de 47 hectáreas de terreno junto a las pirámides para construir un museo digno de la civilización faraónica.

De la pandemia a la apertura

Aunque la construcción se completó en 2020, en plena crisis del Covid-19, Egipto decidió posponer la inauguración hasta encontrar el momento ideal. Tras años de espera y preparativos, el museo —con un coste estimado de 1.000 millones de dólares— alberga hoy más de 100.000 piezas que abarcan miles de años de historia.

Durante el periodo en que el proyecto permaneció en el limbo, el GEM abrió parcialmente algunas salas, atrayendo la atención del público y de expertos internacionales.

Tutankamón, el protagonista absoluto

La joya de la corona del Gran Museo Egipcio son las galerías dedicadas a Tutankamón, el faraón más famoso del Antiguo Egipto. En más de 7.000 metros cuadrados, se exhibe por primera vez la colección completa del joven rey, con centenares de piezas restauradas y presentadas con tecnología de última generación.

El imponente vestíbulo de Ramsés II

Otro de los grandes atractivos del museo es su Gran Vestíbulo, una amplia recepción a la que se accede por una entrada que evoca la base de una pirámide. El espacio está presidido por una estatua monumental de Ramsés II, de nueve metros de altura y más de 80 toneladas, rescatada de la antigua necrópolis de Menfis.

Un nuevo símbolo del Egipto moderno

La inauguración del GEM marca el cierre de una etapa y el inicio de otra para Egipto. Más que un museo, este espacio monumental representa la culminación del plan maestro de las autoridades egipcias para redefinir el turismo cultural del país y consolidar a Guiza como un epicentro mundial de la historia antigua.

Con su apertura, Egipto no solo abre las puertas de un edificio colosal, sino también las de un futuro en el que su pasado vuelve a brillar con más fuerza que nunca.

En su interior domina el espacio una imponente estatua de Ramsés II, de nueve metros de altura y más de ochenta toneladas de peso.

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El rostro sereno y la antorcha en alto de la estatua condensaban el ideal republicano, proyectando hacia el Atlántico no solo luz sino fe en la razón, la ciencia y la libertad política. Cuando los inmigrantes europeos divisaban el monumento al llegar a Ellis Island, no encontraban una figura mitológica, sino una promesa de dignidad y redención. La “Libertad iluminando al mundo” fue, desde sus orígenes, tanto una obra de ingeniería como una metáfora civilizatoria.

Analogías simbólicas con el presente

A casi siglo y medio de su inauguración, la Estatua de la Libertad continúa siendo un espejo de las tensiones que definen el siglo XXI. En un mundo atravesado por flujos migratorios, crisis climáticas y debates sobre la soberanía y los derechos humanos, su significado ha adquirido nuevas resonancias. Si a fines del siglo XIX representó la esperanza de millones de europeos pobres, hoy sus ecos se escuchan en los desplazamientos masivos provocados por la guerra, la desigualdad y el colapso ambiental.

La antorcha dorada, restaurada en 1986, puede leerse hoy como un símbolo de la resiliencia democrática. Así como entonces la tecnología del hierro y el acero permitió construir un coloso, ahora las nuevas infraestructuras digitales definen los límites de la libertad de expresión y de pensamiento. La “Luz de la Libertad” no se mide ya en vatios, sino en la transparencia del conocimiento en la era de la información.

El pedestal que sostuvo el monumento a duras penas —gracias a una campaña popular impulsada por Joseph Pulitzer— recuerda que toda libertad necesita de una base social sólida. Entonces como ahora, su financiamiento fue una empresa colectiva: ciudadanos que creyeron que la belleza y la libertad debían sostenerse con la participación cívica, no con privilegios o poderes concentrados.

La Libertad frente a las sombras del nuevo siglo

Las imágenes del 11 de septiembre de 2001, con la Estatua de la Libertad contemplando la destrucción de las Torres Gemelas al fondo, sellaron un cambio de época. El símbolo que durante más de un siglo había representado la apertura y el refugio se vio también como testigo del miedo y el repliegue. Desde entonces, su mirada —dirigida hacia el Atlántico— parece interrogar a una sociedad que oscila entre la apertura y la defensa.

Hoy, mientras la inteligencia artificial redefine el trabajo, las fronteras tecnológicas sustituyen a las físicas, y la información se convierte en un bien de poder, la pregunta sobre qué significa “libertad” se reabre. En este contexto, el monumento erigido por las ideas ilustradas se transforma en un recordatorio de la responsabilidad que implica mantener viva una promesa inscrita no en piedra ni metal, sino en la ética pública.

La antorcha y el porvenir

La Estatua de la Libertad sigue siendo un acto de fe en la humanidad y en la cooperación entre naciones. Su presencia desafía las convulsiones políticas de nuestro tiempo y nos obliga a pensar la libertad como una construcción continua, no como un logro concluido. El cobre y el hierro que la componen —materiales que resisten la corrosión externa— son también metáforas de una ética que debe resistir la indiferencia y el miedo.

El mensaje que emitió en 1886 es, en esencia, el mismo que debería guiar las democracias contemporáneas: la libertad no se hereda, se ejerce; y no se impone, se comparte. En cada época, su antorcha debe volver a encenderse con el fuego del pensamiento y la acción solidaria.

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Primeros planos: Túnez, 1938-1957

Nació en Túnez, en 1938, en el seno de una familia siciliana. Su primer recuerdo, solía contar, fue la llegada de los soldados americanos durante la Segunda Guerra Mundial. Fue en las calles tunecinas, cuando un joven cineasta francés, René Vautier, la descubrió casi por casualidad a la salida de la escuela. La invitó a rodar un cortometraje, Les Anneaux d’or, premiado en Berlín, y poco después ganó un concurso de belleza sin haberse presentado conscientemente. El premio era un viaje a la Mostra de Venecia, en 1957. Allí, entre fotógrafos y la proyección de Le notti bianche de Visconti, nació la idea de que quizá estaba destinada al cine, aunque todavía lo negara.

Escena inicial: Roma y el salto a la pantalla, 1958-1962

Con apenas 20 años rodó su primera película, Rufufú (1958), la comedia coral de Monicelli que revolucionó la comedia italiana. Apenas aparecía unos minutos, pero su magnetismo era inmediato. Ella misma confesaba que apenas entendía el italiano del rodaje, pues aún lo hablaba con dificultad, pero su presencia opacaba cualquier duda. Aquel año dio a luz a su primer hijo en secreto, en una historia personal tan dura como silenciada durante décadas. Siguieron títulos que marcaron la nueva ola italiana: Un maldito embrollo (1959), de Germi; El bello Antonio (1960), junto a Mastroianni; Rocco y sus hermanos (1960), con un solemne Alain Delon bajo la dirección de Visconti; y La chica con la maleta (1961), de Zurlini, obra definitiva del melodrama intimista.

El año irrepetible: 1963

Hay años en que una actriz se funde con la historia del cine, y en el caso de Claudia Cardinale fue 1963. Ese año estrenó tres películas que bastarían por sí solas para consagrar una carrera:

• En Ocho y medio, Fellini la hizo casi interpretar a sí misma, luminosa, fresca, deseada por la mirada de Mastroianni.
• En El gatopardo, con Visconti, fue la joven que bailaba el vals final con Lancaster, símbolo elegíaco del fin de una era, a la vez que vivía un romance imposible con Delon.
• Y en La pantera rosa, de Blake Edwards, sedujo al público internacional en clave cómica y abrió para sí misma las puertas de Hollywood.
  Nunca una actriz había filmado al mismo tiempo con dos polos tan opuestos como Fellini y Visconti, rubia en Roma, morena en Sicilia, y a la vez conquistado la comedia americana. Era el triple salto mortal del cine, y ella lo ejecutó con naturalidad.

Entre Europa y Hollywood: finales de los 60 y 70

Cardinale nunca se dejó atrapar del todo por Estados Unidos. Aunque rodó allí producciones notables —Los profesionales (1966), de Richard Brooks; Hasta que llegó su hora (1968), el wéstern definitivo de Sergio Leone— siempre regresaba a Europa, donde encontraba la libertad artística que le interesaba. Fue compañera de reparto de mitos como John Wayne, Connery, Quinn, Holden u Orson Welles. Jamás se sometió al estrellato masculino de Hollywood, manteniendo intacta su independencia.
En España rodó una de las películas más vistas en televisión durante años, Las petroleras (1971), junto a Brigitte Bardot y José Luis López Vázquez, en ese duelo simbólico de BB contra CC que inmortalizó la prensa popular.

Madurez de mito: 80 hasta los 2000

En los años 80 trabajó con Werner Herzog en Fitzcarraldo (1982), donde compartía plano con Klaus Kinski en el delirio amazónico del director alemán. El tiempo la convirtió en referente, siempre renaciendo en distintas cinematografías, incluso en el cine español, con El artista y la modelo (2012), de Fernando Trueba.

Fuera de cámara: vida privada y resistencia

Su vida personal estuvo marcada por relaciones con cineastas —se casó con el productor Franco Cristaldi y más tarde compartió vida con Pasquale Squitieri—, pero permaneció siempre fiel a su independencia. A lo largo de su carrera rechazó a pretendientes legendarios, de Mastroianni a Delon, de Brando a los rumores risueños sobre Chirac. “La palabra indomable me está bien”, dijo cuando su hija tituló su biografía Claudia Cardinale, la indomable.
Porque lo fue: indomable frente a Hollywood, frente a las etiquetas, frente al destino que un concurso de belleza quiso imponerle. Ella lo convirtió en cine.

Plano final

Claudia Cardinale muere en 2025, a los 87 años, dejando detrás más de 130 películas. Fue la actriz que atravesó medio siglo de cine italiano y europeo, del neorrealismo heredado de Visconti al barroquismo de Fellini, de la épica de Leone al romanticismo de Trueba. Con su partida se apaga una luz irrepetible de la gran pantalla, y solo queda en pie Sophia Loren como última representante de aquella generación dorada.
Pero las imágenes permanecen: el vals en el salón de El gatopardo, la sonrisa en Ocho y medio, el duelo en Hasta que llegó su hora. Claudia Cardinale no se va; vuelve a aparecer cada vez que se apagan las luces y se enciende el proyector.

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Redford fue muchas vidas en una: el forajido Sundance Kid de Dos hombres y un destino, el timador carismático de El golpe, el periodista que desnudaba el poder en Todos los hombres del presidente, el solitario navegante de Cuando todo está perdido. Fue también el cineasta que debutó con Gente corriente —ganando el Oscar a la mejor dirección— y que entregó obras como Quiz Show, una de las películas políticas más afiladas de los noventa. Y más allá de las pantallas, fue el hombre que levantó un refugio para el cine independiente en las montañas de Utah: el Instituto y el Festival de Sundance, bautizado en honor a aquel bandido que lo lanzó al estrellato.

Nacido en Santa Mónica en 1936, criado en el valle de San Fernando, Redford soñaba al inicio con ser pintor. Viajó a Europa en busca de bohemia, estudió arte en París y en Italia, y regresó sin sospechar que lo esperaba un destino mayor. Broadway le abrió la puerta con Descalzos en el parque y el cine lo reclamó pronto. No tardó en convertirse en la encarnación del ideal norteamericano, aunque él mismo renegaba de ese físico impecable que lo convirtió en símbolo. “Para mí lo más importante es la historia”, insistía siempre, consciente de que la fama podía convertir a cualquiera en un objeto.

Amigo inseparable de Paul Newman, compañero de Jane Fonda en sus inicios y en sus últimos días de pantalla, Redford se consolidó en los setenta como un pilar de un cine adulto, político y sofisticado: El candidato, Jeremiah Johnson, Tal como éramos, Los tres días del Cóndor. Brilló incluso cuando la Academia lo ignoró como actor: solo una candidatura al Oscar por El golpe.

Paralelamente, construyó una segunda vida como activista: luchó contra autopistas, centrales de carbón y la destrucción del oeste estadounidense. “¿Qué nos va a quedar si seguimos a este ritmo?”, se preguntaba. El medioambiente y la política fueron tan centrales en su biografía como el cine. En 2017, alarmado por los ataques de Trump a la prensa, escribió que la verdad estaba otra vez en peligro, recordando que Todos los hombres del presidente había sido “una película violenta sin disparos, donde las palabras eran las armas”.

Su filmografía posterior alternó tropiezos y destellos, pero siempre quedó la sensación de que Redford sabía envejecer frente a la cámara. En Memorias de África fue pura química romántica; en Una proposición indecente o Spy Game, un astro consciente de su madurez; en The Old Man & The Gun (2018), su despedida anunciada, un forajido con la sonrisa intacta.

Le sobreviven sus hijas Shauna y Amy, y su legado se multiplica: actor icónico, director oscarizado, activista, mecenas de los indies y símbolo cultural de Estados Unidos. Como en la última imagen de Dos hombres y un destino, Robert Redford no se ha rendido a la muerte: ha saltado de lleno hacia la inmortalidad cinematográfica.

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El Poder de la IA de Grupo Enciclo

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Authoritas: Inteligencia Artificial con Fiabilidad Garantizada

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Mienciclo Zoom Experience (MZE)

MZE es una innovadora plataforma transmedia desarrollada por el consorcio Grupo Enciclo, que permite a los usuarios crear contenidos audiovisuales interactivos denominados Zoomin.

Algunos datos acerca de MZE:

Mienciclo Zoom Experience es la herramienta indispensable para fortalecer y ampliar el catálogo de contenidos audiovisuales interactivos para todos los ámbitos educativos y culturales.

Alta resolución

MZE da acceso a más de 500.000 imágenes, gráficos y mapas de alta resolución que representan las obras y eventos más relevantes en la historia, el arte y la ciencia, y están disponibles para usar en la creación de tus Zoomin.

Plataforma abierta:

MZE es una plataforma abierta que permite la libre interacción entre los contenidos de la base de datos de Mienciclo y los contenidos de los usuarios.

Licencias y permisos

MZE dispone de las licencias de los contenidos para crear tu Zoomin en el ámbito educativo.

Lenguas

MZE utiliza una tecnología multilingüe que permite cargar textos, audios y videos en diferentes idiomas.

Compatibilidad

Zoomin funciona en todos los navegadores y está disponible para todo tipo de dispositivos.

Compartir

Zoomin permite al usuario crear sus propias presentaciones y compartirlas fácilmente con otros usuarios.

Conectando ideas, construyendo futuro

El 30 de octubre de 1938, Orson Welles, aún un joven principiante, protagonizó uno de los momentos más memorables de la historia de la radio. A las ocho de la tarde, interrumpió la programación habitual para anunciar una impactante noticia:

“Señoras y señores, interrumpimos nuestro programa de baile para comunicarles una noticia de última hora procedente de la agencia Intercontinental Radio. El profesor Farrel del Observatorio de Mount Jennings de Chicago reporta que se han observado en el planeta Marte algunas explosiones que se dirigen a la Tierra con enorme rapidez… Continuaremos informando.”

Con este falso boletín, Welles adaptó magistralmente la célebre novela de H. G. Wells, La guerra de los mundos, en un formato radiofónico que sonaba tan real que provocó pánico en miles de oyentes. Lo hizo junto a su compañía, Mercury Theatre, desde los estudios de la cadena CBS, demostrando su extraordinaria capacidad para combinar arte, técnica y emoción.

¿Sabías que Orson Welles tuvo una relación muy especial con España?

Visitó en múltiples ocasiones a lo largo de su vida y por el que sintió una profunda admiración, especialmente por su cultura, su gente y, en particular, por la tauromaquia.

Lugares y momentos clave de Orson Welles en España:

Fue tan fuerte su vínculo que sus cenizas fueron enterradas allí, en un pozo de la finca del torero Antonio Ordóñez, en la finca Recreo de San Cayetano.

Primeros viajes (décadas de 1930-1950):

Welles visitó España por primera vez en los años 30 o 40, y quedó fascinado con la tradición taurina. Estableció amistades con toreros como Antonio Ordóñez y Luis Miguel Dominguín.

Rodajes en España: Welles rodó varias películas o partes de ellas en territorio español:

1.- Mr. Arkadin (1955): rodada parcialmente en Madrid y otras localizaciones españolas.

2.- Campanadas a medianoche (Chimes at Midnight, 1965): rodada en Ávila, Segovia, Cardona y Colmenar Viejo.

3.- Don Quijote (proyecto inconcluso): filmado en varias localizaciones españolas durante los años 50 y 60.

Durante estos rodajes vivió largas temporadas en el país, especialmente en Madrid y Andalucía.

Amor por Ronda (Málaga): Orson Welles amaba Ronda, ciudad andaluza famosa por su plaza de toros y su paisaje dramático. La consideraba uno de sus lugares favoritos en el mundo.

La Fundación Carlos de Amberes, en colaboración con Grupo Enciclo y la Embajada de Bélgica en España, presenta uno de sus proyectos culturales más ambiciosos: la nueva web de tapices flamencos en España: FLANDESENHISPANIA.ORG.  Para ello, la institución organiza un acto de presentación que contará con la participación de expertos del mundo del arte y la cultura, así como representantes de las instituciones involucradas en el proyecto, con el fin de dar a conocer esta nueva web, que se define ya como el más completo y moderno repertorio digital de tapices flamencos en España.

Tras varios años fotografiando in situ y a gran calidad, así como catalogando y estudiando cientos de tapices por todo el país, la fundación presentará esta nueva herramienta puntera que resulta fundamental para el conocimiento y la difusión de este importante patrimonio textil, del que España conserva algunas de las mejores muestras de toda Europa, y que normalmente no es tan conocido por el público general. La web Flandes en Hispania es innovadora por la manera que tiene de mostrar sus contenidos a través de un software específico que incorpora imagen, texto y audio. Los tapices se pueden ver en calidad máxima, hasta un nivel de detalle realmente excepcional. Un proyecto cuyo germen (la restauración y puesta en valor de los tapices flamencos de Pastrana) fue premiado en 2011 con el más prestigioso galardón europeo en temas de conservación y restauración del patrimonio, el Premio Europa Nostra.

La nueva web, completamente desarrollada mediante el uso de la plataforma Mienciclo Zoomin, presenta las distintas colecciones de tapices seleccionados para este catálogo por áreas geográficas, aunque su potente motor de búsqueda permite la exploración de estos tapices por iconografías u otros conceptos y palabras clave. Cada obra cuenta con un texto redactado por algunos de los más importantes especialistas en tapices del país, donde se describe cada obra, su iconografía y procedencia, así como otros datos que pueden ser de interés. Destacan, sobre todo, las imágenes de cada obra, realizadas exprofeso para el proyecto, y de una calidad superior, permitiendo a los usuarios hacer zoom y descubrir todos y cada uno de los detalles de estas obras.

Formulario de registro: plazas limitadas

La Estatua de la Libertad, oficialmente llamada «Libertad iluminando el mundo», fue un regalo del pueblo de Francia a Estados Unidos para conmemorar el centenario de la independencia estadounidense y para reforzar los lazos entre las dos naciones. Sin embargo, su significado ha trascendido a lo largo de los años, siendo un emblema que representa mucho más que la relación entre dos países.

El Origen del Monumento

El proyecto de la estatua fue idea del jurista y político francés Édouard René de Laboulaye, un ferviente defensor de los ideales republicanos y de la democracia estadounidense. Fue él quien propuso crear una gran obra conmemorativa que simbolizara los valores de libertad y justicia compartidos entre Francia y Estados Unidos. La ejecución de esta idea fue confiada al famoso escultor Frédéric-Auguste Bartholdi, quien trabajó arduamente en la construcción de la imponente figura de bronce.

La estructura interna, que soporta el peso de la estatua, fue diseñada por Gustave Eiffel, el ingeniero que más tarde se haría célebre por la construcción de la Torre Eiffel en París. La colaboración entre Bartholdi y Eiffel fue clave para que la estatua alcanzara la monumentalidad y estabilidad que tiene hoy en día.

El Proceso de Construcción y el Viaje a América

La Estatua de la Libertad, que mide 93 metros desde la base hasta la antorcha, fue ensamblada en París y luego desmontada en más de 300 piezas para ser transportada en barco a Estados Unidos. En julio de 1884, la estatua fue oficialmente entregada al embajador estadounidense en Francia, y dos años más tarde, en 1886, las piezas llegaron a Nueva York a bordo del barco francés Isère.

Una vez en suelo americano, la estatua fue reensamblada en la pequeña isla de Bedloe (hoy conocida como Liberty Island), frente al puerto de Nueva York. El pedestal que sostiene la estatua fue financiado principalmente mediante donaciones públicas, incluidas muchas contribuciones pequeñas de inmigrantes y ciudadanos comunes. El famoso editor Joseph Pulitzer fue uno de los principales impulsores de la recaudación de fondos a través de su periódico The New York World.

La Gran Inauguración

El 28 de octubre de 1886, en una ceremonia oficial presidida por el entonces presidente de Estados Unidos Grover Cleveland, la Estatua de la Libertad fue inaugurada ante miles de personas. El evento contó con discursos, desfiles militares y navales, y fue un momento de celebración nacional. Cleveland pronunció palabras que resaltaban el significado de la estatua como un faro de libertad y bienvenida para todos los que buscan nuevas oportunidades en suelo americano.

Un Símbolo de Inmigración y Esperanza

Con el tiempo, la Estatua de la Libertad adquirió un nuevo significado como símbolo de esperanza para los millones de inmigrantes que llegaban a las costas estadounidenses en busca de una vida mejor. Desde finales del siglo XIX y hasta mediados del XX, la estatua fue lo primero que veían los inmigrantes al arribar en barco a la ciudad de Nueva York, lo que la convirtió en un faro de esperanza.

La placa con el soneto «El Nuevo Coloso», de Emma Lazarus, se colocó en la base de la estatua en 1903, y sus versos refuerzan este papel simbólico, invitando a los oprimidos del mundo a encontrar refugio y libertad en los Estados Unidos:

«Dame tus cansados, tus pobres, tus masas hacinadas anhelando respirar en libertad.»

La Estatua de la Libertad en el Siglo XXI

Hoy en día, la Estatua de la Libertad sigue siendo uno de los monumentos más reconocibles del mundo, atrayendo a millones de visitantes cada año. Es un recordatorio perdurable de los valores de libertad, igualdad y oportunidad que continúan siendo aspiraciones fundamentales para personas de todo el mundo.

En 1984, la Estatua de la Libertad fue declarada Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO, reconociendo su relevancia histórica y su impacto cultural global. Además, en 1986, en conmemoración de su centenario, se llevó a cabo una restauración completa de la estatua para asegurar su preservación.

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Antoni Gaudí, maestro de la arquitectura from JA Enciclo on MZE Zoomin

Antoni Gaudí i Cornet

(Reus, Tarragona, 25-VI-1852 –Barcelona, 10-VI-1926). Arquitecto. Alumno de los escolapios en su ciudad natal (1863-1868) y del Instituto de Enseñanza Media de Barcelona (1868-1869).

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Antoni Gaudí

(Reus, Provincia de Tarragona, España, 25-VI-1852 — Barcelona, España, 1-VI-1926). Antoni Gaudí i Cornet. Arquitecto español de gran personalidad, el más original de los modernistas, y fecundo creador, cuya obra prefigura las tendencias más audaces de la arquitectura contemporánea. Fue en Barcelona donde desarrolló la mayor parte de su actividad profesional.

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«De Gaudí podrán podrán decirse muchas cosas. Yo las he dicho en muy diversos sitios, en libros, en artículos, en ensayos y también he pasado muy buenos ratos contemplando sus obras, tan contradictorias a veces.

Gaudí empieza por ser una contradicción en sí mismo, lo que no quiere decir que su obra carezca de coherencia o unidad, que eso es otra cuestión. Precisamente hay obras de Gaudí en las que esas contradicciones han generado una poderosa expresión unitaria.

Analicemos algunas de estas contradicciones. Por ejemplo, Gaudí es un gran genio constructor, posiblemente uno de los mayores genios constructores que jamás hayan existido. Sus elementos arquitectónicos —arcos, bóvedas, columnas, etcétera— se conciben al servicio de la función mecánica que ejercen. Esta teoría ha dado lugar a los arcos parabólicos y a las columnas inclinadas, rasgos peculiares de su estilo. Según César Martinell, esto supone el mayor avance de la arquitectura en piedra, desde la época ojival hasta nosotros. Pero al mismo tiempo, este maestro de la construcción y de la estereotomía, porque puede ir más allá de las leyes mecánicas, hace muchas veces befa y burla sangrante de ellas.

En el Parque Güell, las columnas dóricas, que indican pesantez y reposo casi clásicos, sostienen un techo que parece un blando velario, abolsado por el peso del agua o movido por el viento; una forma perfectamente anticonstructiva, en contradicción con la rigidez de las columnas. Éste es uno de los recursos en que se goza estéticamente el maestro para obtener efectos desconcertantes. Las formas blandas, en contraste con la dureza geométrica, son puro surrealismo y el surrealismo es uno de los ingredientes no desdeñables de Gaudí. Por eso Dalí lo consideró como un precursor y, poco después de su muerte, dio una conferencia sobre él en París que pasó casi inadvertida. Por eso pudo hablar…

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Édouard Manet

(París, Francia, 23-I-1832 – 30-IV-1883). Pintor y grabador francés. Está considerado como uno de los precursores del impresionismo, y por ende del arte moderno.

Édouard Manet
Retrato de Édouard Manet. Óleo sobre lienzo de Henri Fantin-Latour. The Art Institute of Chicago.
Nombre completo	Édouard Manet
Nacimiento	23 de enero de 1832 París  Francia
Fallecimiento	30 de abril de 1883 París  Francia
Nacionalidad	Frances
Movimiento	Impresionismo

Trayectoria artística

Pertenecía a una familia de burgueses adinerados. Manifestó su vocación artística ya en su niñez, cuando se hallaba internado en el colegio Rollin. Al salir de éste (en 1848) ingresó en la Marina y realizó un viaje a Río de Janeiro, donde vivió parte del año 1849.

De regreso en París, y vistos los muchos dibujos que había traído de América, su padre, que al principio se oponía a que estudiara la pintura, no quiso seguir contrariando su firme afición y le permitió, en 1850, que pasara al taller del pintor clásico Thomas Couture, artista por aquellos días muy celebrado en París, por el triunfo que había obtenido en el Salón de 1847, con su gran lienzo Los romanos de la decadencia.

Como parte de su formación copió en el Museo del Louvre cuadros de Tiziano, Rembrandt, Diego de Velázquez, Francisco de Goya y Lucientes, Eugène Delacroix, Gustave Courbet y Honoré Daumier.

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Impresionismo

Movimiento artístico que surgió en Francia durante el último tercio del s. XIX, promovido por un grupo de pintores (Édouard Manet, Claude Monet, Camille Pissarro, Edgar Degas, Pierre-Auguste Renoir, Paul Cézanne, etc.) a quienes se dio el nombre de impresionistas. El término ha pasado, por analogía, a la música, la literatura, etc.

El columpio, de Pierre-Auguste Renoir. Museo de Orsay, París.

Claude Monet, (1840-1926). Almuerzo campestre (Le dejeuner sur l´herbe). 1865 – 1866. En Chailly, con los pintores Gustave Courbet sentado y Frédéric Bazille en el centro. Óleo sobre lienzo. París. Museo de Orsay.

Introducción

El último tercio del siglo XIX presenció el surgimiento del impresionismo, movimiento pictórico desarrollado fundamentalmente en Francia, que observaba la naturaleza y sus efectos de modo nuevo y revolucionario.

El impresionismo no era en realidad un movimiento organizado, ni tenía un planteamiento teórico específico. Estaba constituido por un grupo de pintores que coincidían en su deseo de reflejar los aspectos instantáneos y cambiantes de la realidad, sobre todo en términos de pura luz, y en su rechazo de la preceptiva académica.

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Pese a un inicio lleno de desafíos y rechazos en su carrera, su determinación nunca flaqueó. Un viaje transformador a Italia le permitió explorar el arte más allá de las restricciones académicas, enriqueciendo su visión. Al regresar y establecerse en Madrid, su carrera tomó un giro significativo gracias a su labor en el diseño de tapices, escalando posiciones hasta alcanzar el prestigio de trabajar en la corte real. Esta etapa le brindó la oportunidad de estudiar de cerca las obras de Velázquez, por quien desarrolló una profunda admiración.

Goya fue prolífico y versátil, abarcando desde retratos hasta escenas costumbristas que reflejaban con agudeza la sociedad madrileña de su tiempo. Su obra, imbuida de una crítica social mordaz y un análisis antropológico profundo, nunca dejó de lado la temática popular. No obstante, sus incursiones en el erotismo le valieron conflictos con la Inquisición, siendo especialmente controversial el rumor de haber retratado desnuda a la Duquesa de Alba.

Su enfoque innovador también se extendió al arte de reportaje, donde capturó con maestría eventos históricos, otorgando a sus obras un valor estético y temático que trascendió la mera representación de hechos para tocar fibras universales.

La personalidad de Goya estuvo marcada por un carácter difícil, agravado por una sordera que algunos atribuyen al saturnismo, consecuencia de su exposición al plomo presente en las pinturas. Este aislamiento forzado lo empujó hacia una fase creativa aún más profunda, dando origen a las Pinturas Negras, obras que anticipaban el expresionismo y el surrealismo décadas antes de su reconocimiento formal.

Francisco de Goya (ebook)

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Francisco de Goya y Lucientes

(Fuendetodos, provincia de Zaragoza 30-III-1746 — Burdeos, Francia 16-IV-1828). Pintor.

El cazador (1775). Boceto para el cartón del tapiz La caza de la codorniz. Biblioteca Nacional, Madrid.

El cacharrero (1779), obra de Francisco de Goya, Museo Nacional del Prado, Madrid. Es uno de los cartones para la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara y estaba destinado a la decoración del comedor de Carlos IV de España, entonces Príncipe de Asturias. De este cartón, que se encuentra en el Museo Nacional del Prado, se hicieron dos tapices que se conservan en el Palacio de El Pardo —el mencionado palacete de los príncipes— y en el Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial.

Vida y obra

Fue el cuarto de los hijos (el segundo varón) de José Goya Franque, maestro dorador de cierto nombre en Zaragoza, y de Gracia o Engracia Lucientes Salvador, que tenía parientes en Fuendetodos, pequeño pueblo a unos 40 km al sur de Zaragoza. Por eso, acaso para evitar las sequías y epidemias de la capital, acaso por haberse encargado a José algo que dorar en esa aldea o sus contornos, se ausentan de Zaragoza durante el embarazo de Gracia y, nacido el niño, se le bautiza en la iglesia parroquial y se le impone el nombre del santo del día, según costumbre aragonesa, además del de su padre, Francisco de Paula José Goya; la “de” aparecerá mucho más tarde, en la época en que comience a ser famoso el apellido, para darle mayor rango. Este matrimonio tendría más hijos: Tomás, que siguió el oficio del padre; Camilo, que se ordenó sacerdote y sería posteriormente capellán de Chinchón; y Rita, que casó y vivió en Zaragoza.

No se sabe con exactitud cuánto tiempo se quedaron los Goya en Fuendetodos, ya que en 1760 estaban en Zaragoza, donde vivían cerca del Arco de la Morería, próximo a las Escuelas Pías, donde Francisco cursó las primeras letras, teniendo como maestro al padre Joaquín, en cuya clase conoció a Martín Zapater (1746-1803), uno de sus mejores amigos con quien sostendría, desde su traslado a Madrid en 1774, una nutrida correspondencia que constituye una de las principales fuentes de información acerca del artista; según el sobrino de Martín, que publicó en 1868 parte de esas cartas, los viejos de Fuendetodos con quienes habló recordaban “que Goya era travieso e inquieto cuando chico; que borroneaba figuras y que pintó en la capilla de las Reliquias unos cortinajes al fresco y después, al óleo, en las puertas del retablo, la Venida de la Virgen del Pilar”. Estas pinturas (destruidas) no son anteriores a 1762; según aquéllos, al verlas Goya en 1808, en que visitó su pueblo natal durante el segundo sitio de Zaragoza por los franceses, exclamó: “No digáis que eso lo he pintado yo”.

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Mausoleo del primer emperador Qin

Este importante yacimiento arqueológico fue encontrado por casualidad en 1974, cuando tres agricultores perforaban un pozo a un kilómetro y medio del recinto exterior del túmulo. Hallaron una fosa que contenía imponentes figuras de guerreros de terracota.

A mediados del siglo II a. de C, cien años más tarde, el historiador chino Siam Qian narraba con estas palabras, en su biografía del Primer Emperador, la construcción de la ciudad funeraria en el monte Li.

Debido a que la antigua capital del imperio se encontraba cerca de este enclave, es muy probable que los emperadores de la posterior dinastía Han, cuyos gobiernos describió también Siam Qian, mandaran construir mausoleos de este estilo, de acuerdo con su rango.

Pero el cronista sólo trató de forma tan explícita la tumba del Primer Emperador. En ninguna época de la historia china se ha realizado un esfuerzo parecido para construir la morada en el otro mundo de un «Hijo del Cielo».

A ojos del historiador, la tumba era un claro reflejo de la personalidad del unificador del imperio, quien con sus hazañas políticas y militares, sus conquistas y proyectos de construcción ensombreció todas las exigencias de poder conocidas anterior y posteriormente.

Los soldados de terracota

Pero Siam Qian no mencionó nada sobre los ejércitos de terracota. Nadie sabía de ellos hasta que, en marzo de 1974, un par de campesinos del cercano pueblo de Yangeun perforaron un pozo en el monte Li.

Al dar con algunos fragmentos, los arqueólogos acudieron inmediatamente, y pronto se confirmó el sensacional descubrimiento.

Tras la lógica euforia de los momentos iniciales, se desenterraron en primer lugar figuras de soldados, de 1,8 hasta casi 2 metros de altura, así como de caballos oficiales, hechos de barro cocido (terracota) y con restos de sus pinturas originales.

Es curioso observar que ningún soldado es igual a otro, y si bien las piernas, el cuerpo y los brazos están realizados en serie, cada rostro fue elaborado individualmente.

Asimismo, las partes producidas en serie mediante moldes tampoco son absolutamente iguales, sino que sorprenden por su riqueza de formas: soldados con y sin escudo, luchadores desarmados y guerreros armados en diferentes posturas de cuerpo y brazos, así como aurigas y arqueros.

La forma de cubrirse la cabeza, en alusión al rango de cada soldado, es también un elemento variable.

Así, algunos llevan un sencillo pañuelo atado alrededor de un moño, mientras que otros llevan la cabeza cubierta por artísticas arrugas, que les reconocen como oficiales o mayores. Por último, también sus tocados son distintos.

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Su obra artística, los valores, la sensibilidad y sus contribuciones al arte contemporáneo que Chillida nos dejo como un legado artístico singular. Como él mismo dijo: «Soy como un árbol, con las raíces en un país y las ramas abiertas al mundo.»

Eduardo Chillida, quien vivió entre el 10 de enero de 1924 y el 19 de agosto de 2002, dejó un legado de más de 1.400 esculturas, además de dibujos y una notable obra gráfica. Su trabajo reflejaba las meditaciones de un hombre de profunda fe religiosa y gran interés en la filosofía, encontrando en el tiempo, la naturaleza, el mar, la luz, el espacio y la materia fuentes constantes de inspiración. Chillida veía una conexión íntima entre su fe y su arte, considerando su rebelión contra las leyes de la gravedad como un acto de naturaleza espiritual y filosófica. La historiadora del arte Christa Lichtenstern, experta en Chillida, destaca estas dimensiones en su obra, como se refleja en el último volumen del catálogo razonado que compila su trabajo escultórico.

Durante este año bajo el lema «Eduardo Chillida 100 años», se desplegará un amplio programa que incluirá exposiciones, eventos musicales, iniciativas educativas y reflexiones filosóficas. La celebración internacional será una oportunidad para que públicos de diversas culturas, generaciones y orígenes se acerquen y conecten con la obra de Chillida.

Eduardo Chillida

(San Sebastián, Guipúzcoa, España, 10-I-1924 — 19-VIII-2002). Eduardo Chillida Juantegui. Escultor y grabador español.

Eduardo Chillida
El escultor Eduardo Chillida. La trascendencia de un artista atemporal más allá del siglo XX
Nombre completo	Eduardo Chillida Juantegui
Nacimiento	10 de enero de 1924 San Sebastián Guipúzcoa  España
Fallecimiento	19 de agosto de 2002 San Sebastián Guipúzcoa  España
Área	Escultura
Premios	“Premio Carnegie” ”Premio Rembrandt” ”Premio de la Fundación Wolf de las Artes” ”Premio Príncipe de Asturias de las Artes” ”Praemium Imperiale”

Introducción

Era miembro honorario desde 1994 de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Recibió los premios más prestigiosos del mundo y fue uno de los artistas vascos más importantes de la segunda mitad del siglo XX.

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Eduardo Chillida

(Donostia-San Sebastián, provincia de Guipúzcoa, 10-I-1924 — 19-VIII-2002). Eduardo Chillida Juantegui. Escultor y grabador. Hermano del pintor Gonzalo Chillida Juantegui.

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Influenciado por la espiritualidad oriental y el budismo zen, Tàpies mostró un contraste entre su búsqueda trascendental y su conexión con lo cotidiano. Su obra se caracteriza por rugosidades, rasgaduras, cruces y signos personales. Involucrado en la escena artística desde los años cuarenta, fue cofundador del movimiento Dau al Set, aunque se desvinculó en 1951.

Tàpies se opuso a la dictadura franquista en los años sesenta y setenta, enfrentando incluso la prisión por participar en una asamblea clandestina. Su obra, influida por Picasso, Miró y corrientes como el arte povera y postminimalismo, abordó temas como la condición humana, la ciencia y el dolor.

En 1953, Antoni Tàpies, a los 30 años, entra en una década crucial que abarca hasta 1963. Durante este período, el pintor logra desarrollar su propio lenguaje artístico, obteniendo reconocimiento internacional y liberándose de ser instrumentalizado por el régimen franquista. La exposición «Tàpies a los 30» celebra estos años significativos, conmemorando el 30 aniversario de la fundación dedicada a difundir la extensa obra del artista, fallecido en 2012.

Tàpies experimenta con diversas corrientes, como el surrealismo, durante sus primeros años, pero al llegar a los 30, empieza a esconder formas geométricas abstractas bajo tejidos y cartones. En 1954, desarrolla un lenguaje artístico único que marca su madurez creativa. Sus primeras dudas y búsquedas hasta la consolidación de su estilo. Se destacan obras como «Meditació epicúria,» «Desig,» y «El crit. Groc i violeta» de 1953, donde Tàpies deja huellas de materiales diversos, creando retículas y estrías.

A lo largo de la década, Tàpies experimenta con formas creadas a partir de materiales como arena, tierras de colores y objetos cotidianos. A partir de 1958, sus formatos aumentan en tamaño. Posteriormente, las características cruces, puertas y camas se convierten en protagonistas de su obra.

A partir de 1963, Tàpies experimenta una gran internacionalización de su obra con exposiciones retrospectivas en Alemania, Estados Unidos y Suiza. En este año, también ganó un pleito contra un coleccionista de Barcelona que exhibió sus obras sin permiso en la Tate Gallery de Londres, marcando su distanciamiento del régimen franquista y su compromiso con la protección de su propiedad intelectual.

En los años ochenta, renovó su interés por la tela, y su arte fusionó elementos de occidente y oriente, lo particular y lo universal, ciencia y mística. A pesar de polémicas, como la del calcetín gigante para el MNAC en Barcelona, Tàpies dejó un legado artístico que une lo vulgar y lo sublime en la escena contemporánea. Su fallecimiento el 6 de febrero de 2012, representó la pérdida de un artista polimórfico y completo.

Antoni Tàpies

(Barcelona, España 13-XII-1923 — 6-II-2012). Antoni Tàpies i Puig, marqués de Tàpies. Pintor, escultor y teórico del arte español. Fue uno de los principales exponentes a escala mundial del informalismo y está considerado como uno de los más destacados artistas españoles del siglo XX.

Antoni Tàpìes
Antoni Tàpies i Puig.
Nacimiento	13 de diciembre de 1923 Barcelona  España
Fallecimiento	6 de febrero de 2012 Barcelona  España
Área	Pintor
Movimiento	Informalismo
[http://Antoni Tàpies Página web oficial]

Trayectoria artística y vital

Nació en el seno de una familia de tradición liberal. Estudió en el Colegio de los Escolapios y más tarde cursó la carrera de Derecho, que abandonó para dedicarse al dibujo y a la pintura. Durante la Guerra Civil Española (1936-1939) trabajó algún tiempo en la Generalitat de Catalunya, donde su padre ejercía la abogacía.

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Antoni Tàpies i Puig

(Barcelona, 13-XII-1923 — 6-II-2012). Artista plástico, uno de los grandes maestros de la vanguardia del arte del siglo XX.

Antoni Tàpies i Puig, con poco más de veinte años de edad ya estaba vinculado a los primeros grupos artísticos de posguerra, con una primera inclinación hacia la figuración surrealista y definiendo, posteriormente, un estilo abstracto y matérico por el que se le ha reconocido como uno de los pintores españoles con más fuerza espiritual y proyección internacional.

Introducción

Artista polimórfico y renacentista, nacido en Barcelona en 1923, en el seno de una familia burguesa, culta y catalanista, de gran tradición editorial y bibliófila que él heredará como una parte fundamental de su acervo. Tàpies no ha sido solo un gran pintor y escultor sino un intelectual de primer orden, teórico del arte y coleccionista. En su obra se dan la mano de manera especial occidente y oriente, lo particular y lo universal, ciencia y mística, lo vulgar y lo sublime. El Rey le había otorgado en 2010 el título de marqués.

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Gian Lorenzo Bernini, destacado artista cuya prolífica carrera se extendió a lo largo de sesenta años, dejó un impacto significativo en la escena artística de la Roma de la Contrarreforma. Su legado se manifiesta en numerosas obras emblemáticas, siendo la basílica de San Pedro, con su distintivo baldaquino de bronce, la Scala Regia y la majestuosa perspectiva de la plaza, solo una parte de su extraordinario repertorio.

A pesar de no haber cursado estudios regulares y carecer de conocimientos en latín, Bernini fue elogiado por su genialidad. Su formación autodidacta junto a su padre, un escultor florentino, le proporcionó habilidades excepcionales en dibujo y escultura. El cardenal Scipione Borghese, mecenas de gran fortuna, auspició las primeras esculturas notables de Bernini en los jardines de la villa Borghese.

Bernini fue comparado con un nuevo Miguel Ángel, un «hombre universal» capaz de llevar el arte católico a nuevas alturas de perfección, como se evidencia en obras como «El rapto de Proserpina» y «Apolo y Dafne». Su virtuosismo técnico y expresividad le valieron fama instantánea, elogios que se reflejaron en las palabras de Chantelou, destacando «un talento completamente particular para expresar las cosas con la palabra, el rostro y la gesticulación».

En 1623, el acceso al trono papal de Urbano VIII propulsó a Bernini al centro del escenario artístico. Encargado por el pontífice, embelleció la basílica de San Pedro con el baldaquino y la tumba monumental. A pesar de conflictos y humillaciones durante el papado de Inocencio X, Bernini continuó creando obras maestras, como la capilla Cornaro con la extraordinaria escultura «El éxtasis de Santa Teresa».

Su ingeniosa estratagema para ganarse el favor de Inocencio X le llevó a diseñar la famosa fuente de los Cuatro Ríos, inaugurada en 1651. Bajo el patrocinio de Alejandro VII, Bernini remodeló la plaza de San Pedro, aunque sus proyectos costosos generaron críticas. Su breve visita a la corte de Luis XIV en París estuvo marcada por desacuerdos con arquitectos locales y proyectos rechazados para la remodelación del Louvre.

En sus últimos años, Bernini enfrentó escándalos personales, pero su dedicación artística no menguó. A los 80 años, completó la tumba del papa Alejandro VII y falleció al año siguiente. Sus funerales, celebrados en Santa Maria Maggiore, reflejaron el reconocimiento a un hombre que logró que «la gloria de Roma ilumine el siglo».

Gian Lorenzo Bernini

(Nápoles, Italia, 7-XII-1598 — Roma, Italia, 28-XI-1680). Arquitecto, escultor y pintor italiano.

Gian Lorenzo Bernini
Gian Lorenzo Bernini, destacado escultor, arquitecto y pintor italiano, dejó una huella imborrable en la escena artística de su época. Reconocido como el principal escultor de su generación, se distinguió por ser el creador del estilo escultórico barroco. Su prolífica carrera se desarrolló principalmente en Roma, donde sus obras perduran como testamento de su genialidad.
Nombre	Gian Lorenzo Bernini
Nacimiento	7 de diciembre de 1598 Nápoles  Italia
Fallecimiento	28 de noviembre de 1680 Roma  Italia
Ocupación	Escultor, pintor y arquitecto
Padres	Angelica Galante y Pietro Bernini

Introducción

Es el artista más representativo, junto con Francesco Borromini, del barroco italiano del s. XVII, y verdadero constructor de la Roma barroca.

«hombre excepcional, artífice sublime, nacido por disposición divina y para que la gloria de Roma ilumine el siglo.»

papa Urbano VIII

Vida y obra

Se formó en el taller de escultura de su padre, Pietro Bernini (Sesto, Italia, 6-V-1562 – Roma, 29-VIII-1629). Bajo la protección de siete pontífices tuvo ocasión de realizar su polifacética actividad. En su carrera influyó decisivamente, en concreto, la protección que le dispensaron Urbano VIII (1623-1624) y Alejandro VII (1655-1657).

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Henri de Toulouse-Lautrec, nacido el 24 de noviembre de 1864 en el Hôtel du Bosc en Albi, Francia, fue un artista cuya vida y obra están profundamente entrelazadas con la Belle Époque parisina. Proveniente de una familia aristocrática, su destino tomó un giro significativo a los 14 años cuando sufrió una caída de caballo que resultó en la fractura de ambos fémures. Esta lesión, agravada por la consanguinidad en la familia, le causó una deformidad en las piernas y una estatura baja debido a que las fracturas no se fusionaron correctamente.

A pesar de sus desafíos físicos, Toulouse-Lautrec mostró un interés temprano en el arte, plasmando bocetos en sus cuadernos escolares y recibiendo clases particulares del pintor René Princeteau. Tras la separación de sus padres en 1881, se trasladó a París, donde se sumergió en la escena artística de Montmartre, frecuentando cabarets y entablando amistad con artistas notables como Vincent van Gogh y Edgar Degas.

Su obra se distingue por su enfoque en ambientes cerrados y su fascinación por la vida nocturna parisina. A lo largo de su carrera, retrató la sociedad bohemia, burdeles, circos y cabarets, siendo conocido como el «pintor de las prostitutas.» Su colaboración con el Moulin Rouge, para el cual creó el icónico cartel para la inauguración en 1889, lo consolidó como un destacado ilustrador y cartelista.

La vida personal de Toulouse-Lautrec estuvo marcada por relaciones tumultuosas, especialmente con Marie Valadon, una modelo conocida como su «terrible Marie.» Su salud se vio afectada por el alcoholismo, y contrajo sífilis en 1897, lo que desencadenó episodios de locura. A pesar de sus problemas de salud, continuó pintando y fue ingresado en un sanatorio en 1899, donde creó numerosos retratos inspirados en el circo.

El 9 de septiembre de 1901, a los 36 años, Toulouse-Lautrec falleció a causa de una hemorragia y un derrame cerebral. Su legado artístico sigue siendo una ventana única a la vida y cultura de la Belle Époque, capturando la esencia de la sociedad parisina de la época y estableciéndolo como uno de los artistas más destacados de su generación.

Henri de Toulouse-Lautrec

(Hôtel du Bosc, Albi, departamento de Tarn, región de Occitanie, Francia, 24-XI-1864 — Malromé, Saint-André-du-Bois, cantón de Saint-Macaire, departamento de la Gironda, región de Nouvelle-Aquitanie, Francia, 9-IX-1901). Pintor, litógrafo, dibujante y cartelista francés.

Henri de Toulouse-Lautrec
Toulouse-Lautrec fue un destacado pintor y cartelista francés asociado al movimiento postimpresionista. Su obra se distinguió por la vívida representación de la vida nocturna parisina a finales del siglo XIX, capturando la esencia de la Belle Époque con un estilo distintivo y una perspectiva única en el panorama artístico de la época.
Nombre completo	Henri Marie Raymond de Toulouse-Lautrec-Montfa, conde de Toulouse-Lautrec-Montfa
Nacimiento	24 de noviembre de 1864 Hôtel du Bosc Albi departamento de Tarn  Francia
Fallecimiento	9 de septiembre de 1901 Malromé Saint-André-du-Bois departamento de la Gironda  Francia
Período	Siglo XIX
Área	pintura, litografía, cartelismo, dibujo
Movimiento	posimpresionismo; precursor del fauvismo, cubismo y expresionismo
Educación	estudios de Léon Bonnat y Fernand Cormon
Influencias	estampa japonesa Edgar Degas
Obras notables	El Moulin Rouge (1892), En el Moulin de la Galette (1889), La Goulue en el Moulin Rouge (1891), Jane Avril en el Jardin de Paris (1893) y Aristide Bruant en su cabaret (1895)

Introducción

El grafismo espontáneo y los vivos colores con que Henri de Toulouse-Lautrec reflejó los personajes y ambientes de la bohemia parisiense anunciaron la libertad creativa del arte contemporáneo.

Vida y obra

Perteneciente a una familia aristocrática (era hijo de Alphonse de Toulouse-Lautrec, descendiente de los condes de Albi y Tolosa, y de Adèle Tapié de Céleyran), fue educado en el Liceo Fontares de Pau, donde pronto acreditó pronto su afición al dibujo.

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En la exposición celebrada en 1874 en el estudio parisiense del fotógrafo Gaspard-Félix Tournachon, Nadar, el cuadro de Claude Monet Impresión, amanecer fue la causa de que las obras allí exhibidas fueran despectivamente calificadas de «impresionistas» por el crítico Louis Leroy.

Tal epíteto se debió al intento revolucionario que traslucían de traducir en la pintura el sentir subjetivo del artista en lugar de limitarse a representar un paisaje. El término haría fortuna y pasaría a definir uno de los más importantes movimientos de la historia de la pintura.

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El «poeta de la naturaleza», el pintor impresionista más renombrado, dedicó gran parte de su carrera artística a capturar los innumerables matices de una flor, un nenúfar o la vibrante composición de un campo lleno de amapolas. Los jardines desempeñaron un papel central en la mayoría de sus obras, desde los de su residencia en Sèvres en 1860, pasando por los de los pequeños pueblos a orillas del Sena, como Argenteuil y Vétheuil en 1870, hasta llegar a los de su paraíso encontrado en Giverny en la década de 1890.

Giverny, ubicado en Normandía a orillas del río Epte, se convirtió en el lugar mágico donde Monet pasó la segunda mitad de su vida, aproximadamente 43 años de intensa producción artística. La casa, rodeada de un jardín meticulosamente diseñado, se erige como un testimonio de su conexión única con la naturaleza. Monet, apasionado por su entorno, transformó la finca de 9,600 metros cuadrados en un paraíso floral. La casa, pintada en tonos llamativos como azul, malva, verde lima y amarillo, reflejaba la luz de manera espectacular, y las ventanas, siempre abiertas a la naturaleza, se consideraban su «segundo salón».

El pintor francés, conocido por sus series de nenúfares y otros paisajes acuáticos, también exploró la luz de manera obsesiva. A lo largo de los años, su estilo evolucionó desde la representación detallada de jardines y paisajes hasta la disolución radical de los objetos en sus series de nenúfares, un preludio de la pintura abstracta. Monet, pionero en el uso del color, exploró las armonías cromáticas en su jardín, creando composiciones que reflejaban la variedad de colores según la estación y la floración.

A lo largo de su vida, Monet mantuvo una estrecha relación con el río Sena, siendo vital en su obra. Pintó las orillas del río en diferentes condiciones de luz y desarrolló la práctica de utilizar barcas como talleres flotantes para capturar la belleza de la naturaleza en el agua. Su visión innovadora del color y la luz se convirtió en la esencia del movimiento impresionista.

Giverny, convertido en un lugar de peregrinación para los amantes del arte, ha conservado la casa y el jardín tal como los conoció Monet. El pueblo, el pequeño cementerio cercano donde descansan los restos del artista y su familia, y la Fundación Monet, que abre la casa al público de abril a octubre, mantienen viva la memoria de este pintor visionario.

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Monet: Biografía
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Selección de obras de Claude Monet:

En sus primeros años, la influencia del pintor italiano Caravaggio marcó fuertemente su obra, caracterizada por contrastes vívidos entre luces y sombras y un realismo cautivador. Aunque algunos lo denominaron «el Caravaggio español», Zurbarán, de manera romántica, nunca aceptó esta comparación.

Poco se sabe sobre sus primeros años, pero tras su aprendizaje en el taller de Pedro Díaz de Villanueva en Sevilla, Zurbarán regresó a su Extremadura natal. En 1626, fue convocado nuevamente a Sevilla para realizar un importante encargo de la orden de los Dominicos. A pesar de su juventud e inexperiencia, la competencia en el mercado artístico sevillano lo llevó a ofrecer sus servicios a un precio más accesible, permitiéndole ingresar al selecto círculo artístico de la época.

En 1628, Zurbarán firmó un contrato para crear veintidós lienzos para el convento de la Merced Calzada, comprometiéndose a seguir las indicaciones del padre comendador, limitando así su creatividad. Su obra «San Serapio», basada en la historia de un mártir mercedario, ilustra esta etapa.

Durante su estancia en Madrid en 1634, Zurbarán colaboró con Diego Velázquez en la decoración del palacio del Buen Retiro, pintando los «Trabajos de Hércules». De vuelta en Sevilla, con el título de «pintor del rey», realizó obras para iglesias como muestra de devoción a la Virgen María. Comenzó a producir pinturas religiosas destinadas al mercado americano, como la serie «Las tribus de Israel».

Tras la muerte de su segunda esposa en 1649, Zurbarán continuó su labor artística con normalidad. A partir de 1636, intensificó la exportación artística a América del Sur, recibiendo encargos desde Perú y Buenos Aires. A pesar de enfrentar dificultades económicas y una disminución de encargos debido a la crisis artística en Andalucía, mantuvo su actividad y prestigio.

Zurbarán falleció en Madrid el 27 de agosto de 1664 a los 65 años, dejando un legado artístico que, aunque inicialmente eclipsado por otros contemporáneos como Murillo, ha sido reivindicado con el tiempo. Su influencia trasciende fronteras, consolidándolo como uno de los pintores más reconocidos a nivel mundial.

«Exceptuando al El Greco, y quizá también a Velázquez, que es igual, sino superior, Zurbarán superó a todos los demás pintores españoles. Además su obra tiene mucha relación con las tendencias actuales de la pintura. Sin embargo su obra no es conocida ni apreciada en su justa medida, (…). La característica de la obra de Zurbarán es la de mostrar todo aquello que la pintura puede ofrecer respecto a la realidad humana, (…). Zurbarán presenta a sus santos y a sus monjes en la vida psíquica más concisa, pero a la vez más atormentada por las graves inquietudes espirituales provocadas por el deseo de aproximarse a Dios. No expresa, en sus cuadros, ningún sentimiento terrible. La muerte no tiene, para él, nada de espantoso.»

Christian Zervos, fundador de Cahiers d’art, Catálogo de la exposición de 1988, p. 53.

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Francisco de Zurbarán

(Fuente de Cantos, provincia de Badajoz, h. 7-XI-1598 — Madrid, 27-VIII-1664). Pintor. Destacado representante del barroco español, supo resaltar el misticismo de sus personajes a través del uso magistral de la luz, otorgándoles una notable fuerza visual y una intensa carga expresiva.

Vida y obra

Hijo de Luis de Zurbarán, acaudalado tendero de origen vasco, y de la extremeña Isabel Márquez, fue bautizado en la iglesia parroquial de Fuente de Cantos el 7-XI-1598. En adelante, Francisco no utilizó nunca el apellido materno y, sin embargo, a partir de 1619 firmó varios documentos como “Francisco de Zurbarán Salazar”, presumiendo así de hidalguía con algún otro antepasado vasco.

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Francisco de Zurbarán

Francisco de Zurbarán
Nombre completo	Francisco de Zurbarán
Nacimiento	7 de noviembre de 1598 Fuente de Cantos provincia de Badajoz Comunidad Autónoma de Extremadura  España
Fallecimiento	27 de agosto de 1664 Madrid  España
Área	Pintura
Movimiento	Barroco

(Fuente de Cantos, provincia de Badajoz, Comunidad Autónoma de Extremadura, España, 7-XI-1598 — Madrid, España, 27-VIII-1664). Pintor español. Se trata de uno de los más importantes valores de la pintura española barroca del siglo XVII.

Vida y obra

Nacido en Fuente de Cantos (provincia de Badajoz), pasó muy joven al taller de un pintor de imágenes piadosas en Sevilla (1614). Dos años más tarde pintó su Inmaculada Niña (1616; colección Valdés, Bilbao). En 1617 terminó su período de formación en el taller y se trasladó a Llerena (1617-1626), donde pasaría la mayor parte de su vida.

Pintó para las órdenes religiosas, para la nobleza y la burguesía, y dejó numerosos retratos y cuadros de temas históricos y religiosos. Su obra principal es la realizada para las cartujas de Jerez de la Frontera (1637), Zafra (1643-1644), la cartuja de las Cuevas y el monasterio de Guadalupe (1639).

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