Su popularidad conquistó a millones durante generaciones y atravesó algunas de las divisiones culturales y políticas más profundas de las últimas décadas, mientras ella lograba la difícil hazaña de hablar de los temas que le importaban sin dejarse arrastrar por la política partidista en un país cada vez más polarizado.

Dolly Parton construyó, a lo largo de más de seis décadas, una de las trayectorias más completas y duraderas del entretenimiento estadounidense: cantante, compositora, actriz, productora, escritora y empresaria, con más de 100 millones de discos vendidos en todo el mundo.wikipedia

Los inicios y el ascenso musical

Parton publicó su primer álbum en 1967 y, poco después, saltó a la fama gracias a su colaboración con el también cantante de country Porter Wagoner en la televisión y los escenarios durante los años sesenta. Esa exposición televisiva le dio la base para lanzarse en solitario y consolidarse como compositora, un oficio en el que dejó una huella descomunal: escribió más de 3.000 canciones a lo largo de su vida.wikipedia+3

Entre sus composiciones más emblemáticas figuran Coat of Many Colors, Jolene y, sobre todo, I Will Always Love You, tema que ella misma llevó al número uno de las listas country en dos ocasiones distintas —en 1974 y de nuevo en 1982, tras aparecer en la película The Best Little Whorehouse in Texas—, convirtiéndose en la primera artista en lograr el número uno dos veces con la misma canción. Años más tarde, esa misma pieza se transformaría en un fenómeno global gracias a la versión de Whitney Houston, que vendió 40 millones de copias en todo el mundo.wikipedia+1

En 1977, su álbum Here You Come Again marcó su gran cruce hacia el pop mainstream y le valió su primer Grammy. A lo largo de su carrera acumuló 49 álbumes de estudio, 41 discos situados en el Top 10 de las listas country —un récord para cualquier artista— y 25 canciones número uno en las listas country de Billboard, marca que comparte con Reba McEntire como la más alta entre artistas femeninas.wikipedia+2

El salto a Hollywood

Parton debutó en el cine en 1980 con 9 to 5 (Cómo eliminar a su jefe), una comedia satírica sobre las reivindicaciones salariales de un grupo de secretarias que reflejaba su propia filosofía sobre la igualdad laboral. La cinta, protagonizada junto a Jane Fonda y Lily Tomlin, fue un éxito rotundo, y el tema homónimo que compuso para la banda sonora se convirtió en un himno feminista, además de darle su primera nominación al Oscar.elespanol+1

Ese debut abrió la puerta a una carrera cinematográfica constante: coprotagonizó The Best Little Whorehouse in Texas (1982), Rhinestone (1984) junto a Sylvester Stallone, Steel Magnolias (1989) —uno de sus papeles más aclamados, junto a Julia Roberts y Sally Field—, Straight Talk (1992) y Joyful Noise (2012), entre otras. En total, fue nominada dos veces al Oscar y varias más al Globo de Oro.wikipedia+2

Un imperio propio: Dollywood y los negocios

En 1986, Parton cumplió uno de sus sueños más personales al abrir Dollywood, su propio parque temático en Pigeon Forge, Tennessee, situado en la base de las Great Smoky Mountains, muy cerca de donde había crecido. El parque, construido sobre el emplazamiento de una atracción anterior llamada Rebel Railroad, se convirtió con los años en el eje de un pequeño imperio de ocio que incluye hoteles, un parque acuático y otras atracciones, y que hoy sigue siendo uno de los destinos turísticos más visitados de Tennessee.biography+2

Su instinto empresarial no se limitó al entretenimiento: también incursionó en la escritura de libros, la producción musical y televisiva, y diversas iniciativas filantrópicas, entre ellas su célebre programa de alfabetización infantil, que distribuye libros gratuitos a niños de todo el mundo.

Una carrera sin bandera política

Parton, quien deja canciones como Jolene, I Will Always Love You y 9 to 5, y más de 100 millones de discos vendidos, tuvo una carrera de más de seis décadas como una de las figuras más conocidas de la cultura estadounidense, durante las cuales nunca se tiñó de rojo republicano o azul demócrata, pero tampoco se quedó callada. Nació en 1946 en las montañas de Tennessee, en una familia de 12 hermanos que ella misma describió como extremadamente pobre, y llegó hasta los mayores escenarios y Hollywood para construir un imperio alrededor de su nombre.

A lo largo de su carrera, la artista se negó rotundamente a elegir entre republicanos y demócratas o a respaldar candidatos, asegurando que tenía seguidores de todo el espectro político y que ella no era quién para decirles cómo votar o pensar. «Todo el mundo sabe que yo no hago política», dijo en 2017, a raíz de una polémica aparición en los premios Emmy junto a Jane Fonda y Lily Tomlin, sus compañeras de reparto en 9 to 5 (1980). Ambas lanzaron críticas interpretadas como dirigidas a Donald Trump —Fonda habló de un jefe «sexista, egocéntrico, mentiroso e hipócrita» y Tomlin remató que aún se negaban a ser controladas por alguien así—, a las que Parton evitó sumarse.

Dos años más tarde, en una entrevista con The Guardian, explicó su filosofía: «Si tengo algo que decir, lo diré, pero no quiero que me arrastren a ello». Reconoció que tenía opiniones políticas, pero prefería no difundirlas si eso significaba perder la mitad de su público. «Respeto demasiado a mi público», dijo, añadiendo que un artista podía «arruinar una carrera por hablar».

Mantener esa línea no siempre fue sencillo. En 2016, en plena contienda entre Hillary Clinton y Trump, dijo a The New York Times que Clinton estaba «muy calificada» y que la apoyaría si ganaba, comentario que varios medios interpretaron como un respaldo demócrata. Parton emitió después un comunicado aclarando que no había respaldado a ningún candidato y que su frase había sido sacada de contexto.

Esa misma cautela la llevó a rechazar, hasta en tres ocasiones, la Medalla Presidencial de la Libertad: dos veces ofrecida por la primera Administración Trump —declinada por la enfermedad de su marido y luego por la pandemia— y una tercera por la Administración Biden en 2021. «Ahora siento que, si la acepto, estaré haciendo política», explicó en el programa Today. Nunca recibió la medalla. El martes, tras conocerse su muerte, Trump ordenó mantener la bandera a media asta en la Casa Blanca en su honor.

Posiciones firmes en temas sociales

Pese a su aversión a vincularse con un partido, Parton fue clara en causas concretas:

• Matrimonio igualitario: lo apoyó incluso antes de que el Tribunal Supremo lo reconociera. «Simplemente amo a todo el mundo por lo que es. No se supone que debamos intentar cambiar a las personas. Debemos permitirles ser quienes son y amarlas como son», dijo.
• Derechos trans: cuando surgieron leyes sobre qué baños podían usar las personas transgénero, afirmó que todos debían ser tratados con respeto: «No juzgo a las personas. Espero que todo el mundo tenga la oportunidad de ser quien es».
• Racismo: en 2020, tras la muerte de George Floyd, dijo a Billboard que «por supuesto que las vidas negras importan. Todo el mundo importa». Ese mismo año eliminó la palabra «Dixie» del nombre de uno de sus espectáculos por su asociación con los confederados.
• Igualdad de género: se definió feminista en el sentido de apoyar a las mujeres, aunque aclaró que no iba a marchar ni a ponerse «una etiqueta». Defendió el principio de «igual salario por igual trabajo».

Quizás su declaración más contundente llegó en clave musical, con el tema World on Fire (2023), que critica a los «políticos codiciosos, presentes y pasados»: «Yo no soy de hablar mucho ni de alzar la voz, pero eso no significa que no esté al tanto (…) ¿Cómo podemos sanar esta gran división? ¿Nos importa lo suficiente como para intentarlo?». Cuando le preguntaron a qué político se refería, respondió que «a todos», y lamentó que muchos se preocuparan más «por el partido que por la gente». Aun así, insistió en que no era un tema partidista: «No soy política. Odio la política».

Los últimos meses

La salud de Parton se había deteriorado visiblemente en el último año, coincidiendo con la muerte de su esposo, Carl Dean, en marzo de 2025, tras 60 años juntos. En septiembre de 2025 pospuso una serie de conciertos en Las Vegas por problemas de salud no especificados, y en mayo había hablado de «cálculos renales» y problemas en sus sistemas inmunológico y digestivo. Esa misma situación le impidió asistir en persona a los Premios de los Gobernadores de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas, donde recibió un Oscar honorífico que aceptó mediante un mensaje grabado.

Poco más de una semana antes de morir, faltó a una presentación programada en Dollywood, el parque temático que construyó cerca de su ciudad natal, alegando mareos y deshidratación. Días antes de su fallecimiento declaró a People: «Todavía tengo muchas cosas que quiero lograr, así que voy a seguir trabajando todo el tiempo que pueda para verlas hacerse realidad».

Su sobrino Bryan Seaver, hijo de Cassie Parton y jefe de seguridad de la cantante, confirmó la noticia en un vídeo publicado en el Instagram de la artista, cumpliendo su deseo expreso de anunciarlo así: «Dolly vivió en la luz y está en los brazos de Jesús, donde seguramente la recibirán Carl, sus padres y muchísimas otras personas que la cuidaron y anhelaron encontrarse con ella en el cielo»

El enigma de su origen: una fecha histórica

Durante décadas, la fecha de nacimiento de Louis Armstrong fue objeto de debate y confusión. Si bien el músico celebró durante toda su vida el 4 de julio, investigaciones históricas posteriores, basadas en documentos de la Iglesia católica de Nueva Orleans, establecieron que su nacimiento ocurrió el 4 de agosto de 1901. Este detalle, aunque técnico, subraya cómo incluso los aspectos más personales de su vida han sido objeto de un escrutinio que busca honrar la veracidad histórica de una figura de tal magnitud. El Louis Armstrong House Museum, por ejemplo, reconoce ambas fechas, manteniendo viva la dualidad entre la tradición que él mismo abrazó y la realidad documental confirmada por los historiadores.

Infancia y formación en Nueva Orleans

Nacido en el seno de una familia sumida en la pobreza extrema en un barrio marginal de Nueva Orleans, la infancia de Armstrong estuvo lejos de los privilegios. A la edad de seis años, ya se encontraba cantando en las calles junto a un grupo de amigos para obtener ingresos, una experiencia que forjó su carácter y su capacidad para conectar con el público desde una edad muy temprana. Su formación musical no provino de conservatorios tradicionales, sino de la vibrante y cruda realidad de las calles de Nueva Orleans, donde la música era una forma de supervivencia y expresión comunitaria. Esta falta de educación formal no fue un impedimento, sino el catalizador de un estilo auténtico, libre de ataduras académicas, que le permitió revolucionar el jazz desde sus cimientos.

La revolución del lenguaje musical

La influencia de Armstrong en el jazz es absoluta. Según expertos y músicos de diversas generaciones, él no solo fue un trompetista virtuoso, sino el arquitecto del lenguaje moderno del género. Su contribución se puede desglosar en varios pilares fundamentales:

El dominio de la trompeta y la improvisación

Ricky Riccardi, una autoridad en la vida y obra del músico, señala que Armstrong creó el lenguaje fundacional del jazz. A través de su trompeta, estableció el modelo definitivo de cómo ejecutar un solo, cómo improvisar con coherencia y, sobre todo, cómo narrar una historia emocional a través de un instrumento. Antes de Armstrong, el jazz era, en gran medida, una música de conjunto; tras su irrupción, el solista pasó a ocupar el centro de la escena, permitiendo una libertad creativa que definió el género para las décadas venideras.

La voz como instrumento

La voz de Armstrong, inconfundible y cargada de una emotividad única, se convirtió en un sello distintivo que trascendió las fronteras del jazz para alcanzar el éxito masivo. Su capacidad para frasear y su sentido del ritmo no solo influyeron en otros vocalistas, sino que cambiaron la forma en que se interpretaban las canciones populares. Canciones como What a Wonderful World, Hello, Dolly! y La Vie en Rose no son solo éxitos comerciales; son piezas que siguen emocionando a nuevas generaciones y que son objeto de estudio en conservatorios de todo el mundo.

Un legado que trasciende el tiempo

Al cumplirse 125 años de su nacimiento, la relevancia de Louis Armstrong se manifiesta en los múltiples homenajes que se realizan a nivel global, destacando especialmente las celebraciones en Nueva York, ciudad donde falleció en 1971. En eventos como los realizados en el Bronx Music Hall, músicos de la talla de Lou Bruno y Ron Wilkins han reafirmado que la convicción sobre la importancia de Armstrong es compartida por diversas generaciones de artistas.

Innovación y versatilidad

Armstrong fue mucho más que un trompetista; fue un innovador, cantante, compositor y actor. Su capacidad para integrar influencias, incluyendo elementos afrocaribeños, y su habilidad para transformar el swing, lo posicionaron como una figura de influencia inigualable. Pocos músicos en la historia han logrado ejercer un impacto tan profundo en tantas facetas del arte musical. Su estilo, que combina una técnica impecable con una calidez humana inigualable, sigue siendo el estándar de oro para cualquier estudiante de música.

La vigencia de Satchmo en el siglo XXI

A 125 años de su llegada al mundo, el nombre de Louis Armstrong sigue siendo sinónimo de jazz. Su capacidad para convertir el jazz en un lenguaje universal es quizás su logro más perdurable. Mientras que otros estilos musicales han surgido y desaparecido, la obra de Armstrong permanece como una constante, siendo redescubierta por jóvenes músicos que encuentran en sus grabaciones la esencia misma de la improvisación y la expresión artística.

La celebración de este 125 aniversario no es solo un acto de nostalgia, sino una reafirmación de que el jazz, tal como lo conocemos, es impensable sin la figura de Armstrong. Su vida, desde las calles de Nueva Orleans hasta los escenarios más prestigiosos del mundo, es un recordatorio de que el genio puede surgir de los lugares más inesperados y cambiar el curso de la historia cultural.

El gigante que hizo eterno al jazz

Louis Armstrong no solo fue un músico excepcional; fue un visionario que entendió el poder de la música para conectar a las personas. Su maestría con la trompeta y su voz inconfundible crearon un puente entre el jazz tradicional y las nuevas formas de expresión que dominarían el siglo XX. Al mirar hacia atrás, a estos 125 años de historia, queda claro que su legado no está escrito en piedra, sino que es una entidad viva que sigue evolucionando a través de cada músico que decide tomar un instrumento y explorar las posibilidades de la improvisación.

La figura de «Pops» sigue siendo, hoy más que nunca, una luz guía. Su influencia se siente en cada nota de jazz que se toca en cualquier parte del mundo, confirmando que, aunque el hombre nos dejó en 1971, el artista y su música son, efectivamente, eternos. La historia de Louis Armstrong es la historia del jazz mismo: una narrativa de superación, innovación constante y una búsqueda incesante de la belleza a través del sonido.

Antonio Vivaldi, el sacerdote violinista

Antonio Vivaldi nació el 4 de marzo de 1678 en Venecia. Fue bautizado provisionalmente en su propia casa “per pericolo di morte” (por peligro de muerte), como consta en una breve nota que describe las dificultades de su nacimiento. Su bautismo oficial se realizó en la iglesia de San Giovanni in Bragora, que todavía se mantiene en pie en la ciudad de los canales. Durante toda su vida, Vivaldi padeció asma, una dolencia que él mismo llamaba “strettezza di petto” (estrechez de pecho).

Pese a esa limitación física, fue ordenado sacerdote y destacó como virtuoso del violín. Su talento y creatividad le llevaron a convertirse en el principal referente musical del Ospedale della Pietà, un orfanato para niñas huérfanas o abandonadas, donde escribió buena parte de sus obras.

Entre sus composiciones más famosas se encuentra Las cuatro estaciones, un conjunto de cuatro conciertos para violín y orquesta que retratan de manera vívida las sensaciones de cada estación del año. En El verano, por ejemplo, describe la furia de una tormenta estival.

Vivaldi murió en Viena, durante la noche del 27 al 28 de julio de 1741, a los 63 años, víctima de una inflamación interna. Falleció en un periodo convulso, en plena Guerra de Sucesión Austríaca, y en la pobreza.

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Johann Sebastian Bach, el genio alemán

Johann Sebastian Bach nació en Eisenach, Alemania, a finales de marzo de 1685, en el seno de una prolífica familia de músicos. Su padre, Johann Ambrosius Bach, era trompetista de la corte y director de los músicos locales; también varios de sus tíos fueron músicos profesionales. Bach nació en una casa que ya no existe, situada junto a la actual Bachhaus Eisenach, hoy convertida en museo y visitada por miles de personas cada año.

Huérfano desde los nueve años, Bach se formó como cantor, violinista y organista. Desde 1700, cuando se trasladó a Luneburgo, desarrolló una intensa carrera que lo llevó a ciudades como Arnstadt, Mühlhausen, Weimar, Köthen —donde compuso obras maestras como los Conciertos de Brandeburgo— y finalmente Leipzig, ciudad en la que residió durante 27 años. Allí trabajó como cantor en la Thomasschule, edificio que sería destruido en los bombardeos de 1944.

Bach falleció el 28 de julio de 1750, a los 65 años. Pasó sus últimos días afectado por una progresiva ceguera, agravada por operaciones de cataratas fallidas que derivaron en una infección mortal.

Así, el mismo día del calendario, pero en años distintos, el mundo perdió a dos de sus más grandes compositores. Sin embargo, su música sigue viva, recordándonos que el verdadero genio trasciende incluso a la muerte.

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Conectando ideas, construyendo futuro

En 1757, William, aún un músico joven, emigró a Inglaterra. Su talento le permitió destacar en la escena musical de Bath, pero en 1773 dio un giro radical y comenzó a construir telescopios, con los cuales realizó importantes descubrimientos. En 1781, Herschel identificó un cuerpo celeste más allá de Saturno que se confirmaría como el planeta Urano, siendo el primer planeta descubierto desde la Antigüedad. Su descubrimiento le valió un lugar en la Royal Society y el título de Astrónomo del Rey.

A lo largo de su carrera, Herschel descubrió más de 800 estrellas dobles y múltiples, así como cuatro lunas adicionales (dos de Saturno y dos de Urano). También realizó estudios sobre la estructura de la Vía Láctea y propuso que esta era un disco plano de estrellas, una visión revolucionaria para la época. Entre sus descubrimientos más notables se encuentra también la detección de la radiación infrarroja, mientras experimentaba con prismas y la descomposición de la luz solar.

Mientras tanto, su hermana Caroline se unió a su trabajo, dedicándose a la catalogación de sus observaciones y, con el tiempo, desarrollando sus propias investigaciones astronómicas. A lo largo de su carrera, Caroline descubrió ocho cometas y se convirtió en la primera mujer astrónoma en recibir un salario gubernamental, un logro significativo en una época donde el campo estaba dominado por hombres.

La influencia de William y Caroline perduró a través de John Herschel, el hijo de William, quien continuó explorando el cosmos y mejorando los telescopios. John descubrió once lunas en el sistema solar y fue uno de los fundadores de la Royal Astronomical Society. La tercera generación de Herschel se destacó en la figura de Alexander, quien fue pionero en espectroscopia, utilizando esta técnica para estudiar meteoros y ampliar los métodos de observación astronómica.

Frederick William Herschel murió el 25 de agosto de 1822 en Slough, Inglaterra. Su legado científico se extendió a través de su hijo John Herschel, quien continuó su trabajo astronómico. William Herschel es recordado como uno de los astrónomos más importantes de su época, cuyas contribuciones ayudaron a establecer una base sólida para la astronomía moderna.

(Hannóver, electorado de Hannover, Sacro Imperio Romano Germánico [actual land de Baja Sajonia, Alemania], 15-VI-1738 — Slough, Berkshire, Inglaterra, Reino Unido, 25-VIII-1822). Friedrich Wilhelm Herschel. Astrónomo, músico, compositor e inventor británico de origen alemán. Padre del también astrónomo John Herschel.

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© 2024 MiEnciclo

En noviembre de 1954, Marilyn Monroe comenzó una duradera amistad con Ella Fitzgerald tras asistir a su concierto en Los Ángeles, motivada por mejorar sus habilidades vocales. A pesar de sus diferencias artísticas, ambas compartían similitudes en sus desafíos personales y profesionales. Fitzgerald enfrentaba dificultades para actuar en locales prestigiosos como el Mocambo debido a prejuicios de imagen y segregación racial. Monroe, decidida a ayudar, usó su influencia para asegurar una actuación para Fitzgerald en el Mocambo en marzo de 1955, prometiendo asistencia diaria con celebridades, lo que resultó en un éxito rotundo para Fitzgerald. Aunque su amistad se vio afectada por las luchas personales de Monroe, Fitzgerald siempre valoró profundamente el apoyo de Monroe, reconociendo su impacto crucial en su carrera. Este evento resalta la solidaridad entre ambas y cómo sus esfuerzos individuales pudieron superar barreras sociales significativas.

Ella Fitzgerald

(Newport News, Virginia, Estados Unidos de América, 25-IV-1918 — Beverly Hills, Los Ángeles, California, Estados Unidos de América, 15-VI-1996). Cantante de jazz estadounidense. Apodada Lady Ella, la reina del jazz y la Primera Dama de la Canción, fue una destacada cantante estadounidense de jazz conocida por su voz cristalina y su habilidad para la improvisación vocal.

Trayectoria artística

Nacida en el seno de una familia humilde. Se crió con su madre y su padre adoptivo —nunca conoció a su padre biológico—. Desde temprano se sintió atraída por el mundo de la música y poseyendo una gran voz, comenzó a cantar en modestos orfeones de Nueva York, donde sus padres se había trasladado desde su Virginia natal.

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© MiEnciclo, 2024

Antes de cumplir los dieciocho años, gracias a una recomendación de Albéniz, tuvo la oportunidad de actuar como prodigio ante la reina regente María Cristina, quien le otorgó una beca para ampliar su formación en Madrid (con Monasterio y Bretón), y posteriormente en Bruselas y París. Casals siempre recordaría con respeto y agradecimiento la ayuda de la reina, que le impulsó a seguir una carrera fulgurante que lo colocaría entre los principales intérpretes internacionales de la época.

A pesar de que el violonchelo no gozaba de gran popularidad como instrumento solista en aquel momento, Casals logró destacarse, en parte, por la falta de grandes concertistas en su especialidad. Descubrió las seis sonatas de Johann Sebastian Bach para violonchelo solo mientras aún era un músico de café, y estas obras se convirtieron en su evangelio. Fundó su propio estilo interpretativo, dando origen a la escuela Casals, renovando la técnica violoncelística y destacando por su penetrante musicalidad.

En el ámbito clásico-romántico, Casals fue incomparable, tocando con rigor, vehemencia y una dicción personal única. Su presencia en la música de cámara y como solista con las mejores orquestas y directores de la época le consolidó como uno de los grandes de la música europea.

A partir de 1899, su carrera de éxitos y su labor de promoción artística se expandieron considerablemente. Celebró conciertos privados para la reina Victoria de Inglaterra y se presentó como solista en París. Casals residiría en la capital francesa hasta los años de la Primera Guerra Mundial, durante los cuales realizó giras por Estados Unidos, Rusia, Londres y toda Europa. En 1920, estableció su residencia en Barcelona y logró su sueño de crear una orquesta sinfónica estable, la Orquesta Pau Casals, que revitalizó la vida musical catalana durante diecisiete años.

Durante la Guerra Civil, celebró algunos conciertos en Barcelona y en el extranjero, refugiándose finalmente en Prades, en la vertiente francesa de los Pirineos. Después de la guerra, Casals, defensor apasionado de la paz y la libertad, se dedicó a manifestar su protesta contra las injusticias, destacando la creación del Festival de Música de Prades en 1950.

En sus últimos años, flexibilizó su postura crítica, realizando viajes a Norteamérica, casándose con su discípula Marta Montáñez y organizando el Festival Casals en San Juan de Puerto Rico. A sus 95 años, dirigió el Himno a las Naciones Unidas y tocó «El cant dels ocells» por última vez como homenaje a su amada Cataluña. Falleció en Puerto Rico el 22 de octubre de 1973, y con él se apagó la existencia de una de las conciencias más destacadas de su época, como lo expresó el ministro francés Georges Vidault al condecorarle con la Legión de Honor.

 Pau Casals i Delfilló

( , , 29-XII-1876 — San Juan, , , 22-X-1973). Violoncelista, compositor y director de . , concierto en New York, 15/04/1970. right 270px Introducción Pau Casals fue, sin lugar a dudas, no só …

(5.351 palabras)

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 Pau Casals

(El Vendrell, Tarragona, España, 29-XII-1876 – San Juan de Puerto Rico, Puerto Rico, 22-X-1973). Violoncelista, director y compositor español, considerado universalmente como el primero de los …

(5.082 palabras)

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 Pau Casals

… a lo largo de toda su vida. Pau Casals murió en de el 22 de octubre de 1973. Pau Casals, la música por la paz

(2839 palabras)

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© MiEnciclo, 2023

Friedrich Nietzsche destaca como uno de los filósofos más influyentes en la historia. Su legado incluye obras revolucionarias como «Más allá del bien y del mal» o «Así habló Zaratustra«. Nietzsche desmanteló antiguas ilusiones, como la dicotomía platónica de dos mundos, el verdadero e ideal frente a su copia, el nuestro. Proclamó la «muerte de Dios» y la vulnerabilidad del ser humano ante el abismo de la existencia. A su vez, generó nuevas ilusiones, anticipando el advenimiento del superhombre, libre de prejuicios y capaz de forjar valores distintos a los de la «moral del rebaño».

Tras Nietzsche, la filosofía y las artes experimentaron una transformación significativa, inyectando vitalidad en estas disciplinas.

A lo largo de su trayectoria, Nietzsche desarrolló gran parte de sus reflexiones en jardines, parques y bosques. Le confesó a su amigo Paul Deussen: «Necesito un cielo azul sobre la cabeza para ver si soy capaz de ordenar mis pensamientos». Esta peculiaridad se reflejaba también en sus elecciones de hogar, buscando la combinación perfecta de clima y paisaje. En Niza, a principios de 1887, examinó cuarenta casas antes de tomar una decisión, pero una vez instalado, rara vez permanecía mucho tiempo. Su itinerario anual se convertía en una búsqueda constante e infructuosa de la climatología ideal.

La meticulosidad de Nietzsche respecto a su lugar de residencia se relacionaba en parte con su enfermedad. Diagnosticado con ceguera en 1876, antes de su viaje a Italia, Nietzsche recibió una receta de gotas de belladona para los ojos. Afligido, limitó sus lecturas a aproximadamente una hora diaria, una miseria para un académico como él. Esta fue una de las razones por las cuales buscaba la sombra del limonero en Sorrento, evitando el cansancio visual y los dolores de cabeza provocados por el sol italiano.

Otro factor era la naturaleza solitaria de Nietzsche, quien se veía afectado fácilmente por los elogios y las críticas. Después de la publicación de «Humano, demasiado humano» en 1879, experimentó náuseas y vómitos, manifestaciones psicosomáticas ante la idea de que la gente estaba leyendo su libro. Sus relaciones con las mujeres, marcadas por desastrosos ménages con Paul Rée y Lou Salomé, contribuyeron a su enfermedad, llegando al punto de considerar el suicidio. Nietzsche, a pesar de su ingenio y carisma, no estaba hecho para relaciones duraderas, y por ello anhelaba la soledad.

En los paisajes, Nietzsche buscaba encontrarse a sí mismo, un «Nietzsche elevado» que se revelaba mejor en bosques y montañas que en iglesias o salones de seminarios. Su crítica a la arquitectura religiosa se mezclaba con su filosofía radical de la naturaleza y sus críticas al pensamiento decimonónico. Mientras la ciencia y la filosofía de la época idealizaban la naturaleza, Nietzsche veía su tiempo como una era de autoengaño, atribuyendo características humanas a la naturaleza y preferencia por la sentimentalidad en lugar de una honestidad brutal, hablar abiertamente, independientemente de lo que otra persona pueda sentir.

Friedrich Nietzsche

Friedrich Nietzsche
Friedrich Nietzsche en 1869.
Nombre completo	Friedrich Wilhelm Nietzsche
Nacimiento	15 de octubre de 1844 Röcken  Reino de Prusia (actual land de Sajonia-Anhalt )
Defunción	25 de agosto de 1900 Weimar  Imperio alemán (actual land de Turingia )
Ocupación	Filósofo poeta músico filólogo
Lengua de producción literaria	Alemán
Obras notables	Así hablaba Zarathustra, La genealogía de la moral, La Gaya ciencia, El origen de la tragedia, Más allá del bien y del mal, El crepúsculo de los ídolos, El Anticristo

(Röcken, Sajonia-Anhalt, Alemania [entonces, reino de Prusia], 15-X-1844 — Weimar, Turingia, Alemania, 25-VIII-1900). Friedrich Wilhelm Nietzsche. Filósofo, filólogo, músico y poeta alemán.

Introducción

Su obra supuso un ataque frontal contra el edificio filosófico de la razón y contra el sistema de valores encarnado por el cristianismo; propugnó una «vuelta atrás» que rechazara toda la tradición cultural de Occidente.

Su pensamiento, a menudo malinterpretado debido a que el nazismo lo deformó en provecho propio —Nietzsche había atacado tanto el nacionalismo como el concepto mismo de estado—, ejerció una singular influencia sobre el existencialismo alemán y sobre todos los movimientos irracionalistas del siglo XX, y supuso uno de los puntos de partida para el replanteamiento de los valores sobre los que descansa la sociedad contemporánea.

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© MiEnciclo, 2023

Nacido en Arezzo, Italia, en 1623, Pietro Cesti demostró desde una edad temprana su prodigioso talento musical. Aprendió a tocar varios instrumentos y, más adelante, se aventuró en el mundo de la ópera, convirtiéndose en uno de los compositores más destacados de su época. Su obra más famosa, «Il pomo d’oro,» es un testimonio de su genio creativo y su habilidad para combinar música y drama con una maestría sin igual.

El estilo distintivo de Cesti se caracteriza por melodías emotivas, armonías cautivadoras y una exquisita sensibilidad artística. Sus óperas a menudo retratan historias de amor y pasión, llenas de intriga y giros dramáticos, que conectan con las emociones más profundas del público. La influencia de Cesti se extendió por toda Europa, con presentaciones de sus óperas en prestigiosos teatros de Viena, Roma y París.

Sin embargo, a pesar de su indiscutible genialidad, la fama de Pietro Cesti no fue inmune a los desafíos de su tiempo. La Guerra de los Treinta Años y otros conflictos políticos y militares afectaron la estabilidad de Europa y, por consiguiente, las artes sufrieron un impacto significativo. A pesar de estos obstáculos, Cesti perseveró y continuó creando música excepcional que perduró en el tiempo.

El legado de Pietro Cesti no solo se limita a su música. Su enfoque innovador en la ópera, con su énfasis en la narrativa y la caracterización, influyó en generaciones posteriores de compositores y dramaturgos. Figuras ilustres como Händel y Mozart, reconocieron su talento y se inspiraron en su obra, lo que destaca su relevancia perdurable y su papel fundamental en la evolución de la música occidental.

Hoy en día, mientras celebramos el legado de Pietro Cesti, su música sigue siendo interpretada por orquestas y compañías de ópera en todo el mundo. Las nuevas generaciones de artistas continúan descubriendo y apreciando la riqueza de su catálogo musical, lo que demuestra que su influencia trasciende las barreras del tiempo.

En conclusión, Pietro Cesti se eleva como un faro de la música barroca, un virtuoso cuyo legado perdura hasta nuestros días. Su capacidad para conjugar la emotividad con la maestría musical lo consagra como un verdadero maestro de la ópera, cuya música sigue siendo un regalo para nuestros oídos y un testimonio vivo de la grandeza artística de su tiempo.

Así, mientras el mundo sigue siendo testigo de nuevos movimientos musicales y estilos, es fundamental rendir homenaje a los pilares que cimentaron el camino hacia la expresión artística. Pietro Cesti merece un lugar de honor en el firmamento musical, recordado no solo como un compositor del barroco, sino como un genio atemporal cuya música nos sigue inspirando en la actualidad.

Pietro Cesti

(Arezzo, Italia [entonces, Gran Ducado de Toscana], 5-VIII-1623 — Florencia, Italia [entonces, Gran Ducado de Toscana], 1-X-1669). Antonio o Marc’Antonio Cesti. Compositor, tenor, organista y religioso italiano.

Vida y obra

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Larrocha, desde su infancia, estuvo rodeada por la música. Su madre y su tía, así como su primer profesor, fueron alumnos y amigos perso­nales del compositor Enrique Granados. Aprendió con su venerado maestro Frank Marshall los secretos del estilo y el genio de Enrique Granados, Isaac Albéniz y Manuel de Falla; en 1941, a sus 17 años, tocó por primera vez en el Gran Teatro del Liceo Noches en los jardines de España, dirigida por José Cubiles, y durante toda su vida fue la máxima referencia en esta obra. Por no hablar de sus magistrales Iberia y Goyescas.

Alicia de Larrocha from Tais Marcato on MZE Zoomin

En algunos circuitos, tardaron más de la cuenta en aceptar el triunfo de una mujer pianista en determinados repertorios. Una cosa era hablar de sus manos, pequeñas —por lo que su técnica era tan especial y sorprendente en cuestiones de digitación y potencia sonora— y otra poner en duda su capacidad de brillar en todo tipo de repertorios por su condición de mujer pianista, pero acabó derribando las barreras y los prejuicios gracias a su enorme carisma. En 1972 fue capaz de poner de pie al público del mítico Carnegie Hall de Nueva York tocando de manera fulgurante —hay una memorable grabación en directo, dirigida por André Previn— el Concierto para piano núm. 3 de Sergei Rahmáninov, etiquetado como una obra de hombres por algunos agentes, con más estupidez que argumentos musicales.

Tuvo que aprender las reglas del juego, entre ellas pagar del propio bolsillo su recital de presentación en Nueva York en 1955, en el Town Hall, práctica habitual de la todopoderosa Columbia Artits, que invertía sus recursos en publicitar el evento. Sin embargo, el ascenso fue lento desde el convencimiento de que sin un éxito continuado en Estados Unidos no se podía tener una verdadera carrera internacional, y construyó una gran carrera, sin concesiones, con la representación artística de Herbert Breslin en Estados Unidos, mientras la inolvidable Felicitas Keller le hacía de agente en el resto del mundo.

Ya nadie se atrevió a discutir su genialidad como intérprete, como gran dama del piano y como pianista, sin más etiquetas. Y es que tocaba Rahmáninov como las grandes leyendas del piano de todos los tiempos. Tocaba igual de bien cualquier repertorio, y lo hacía con una sensibilidad musical, un total respeto a la partitura y una expresividad desbordante.

Naturalmente, en un mundo tan propenso a las etiquetas como el de la música clásica, su fama como intérprete de referencia de la música española le acompañó durante toda la vida, pero su repertorio, del barroco a la música de su tiempo, no conocía límites. Sus interpretaciones de las obras de Falla, Albéniz, Granados, Turina y otros grandes compositores que fueron sus grandes amigos -Frederic Mompou, Xavier Montsalvatge, Carlos Suriñach-, permanecen como un tesoro musical imbatible. Pero no es menos trascendente su afinidad y maestría en Bach, Mozart, Haydn, Beethoven, Chopin, Schumann, Ravel, Scriabin y un largo etcétera.

Aunque nunca le gustaron ni los discos ni la frialdad del estudio de grabación, su legado discográfico oficial, en los sellos Hispavox, Decca y BMG, es fabuloso; pero hay muchos tesoros por descubrir, cientos de grabaciones privadas de conciertos, en directo, conservadas en el archivo familiar que su hija, Alicia Torra de Larrocha.

Alicia de Larrocha

(Barcelona, 23-V-1923 — 25-IX-2009). Alicia de Larrocha y de la Calle. Pianista.

Alicia de Larrocha a principios de los años 40 cuando se trasladó a París para continuar su formación musical y comenzó a dar conciertos en Europa y América del Norte. De Larrocha era conocida por su técnica impecable y su interpretación ajustada y precisa de la música clásica, especialmente de compositores españoles como Isaac Albéniz y Enrique Granados. También fue muy admirada por su interpretación de la música de Chopin y Mozart. Durante su carrera, de Larrocha grabó más de cien álbumes y realizó giras y conciertos por todo el mundo.

Trayectoria artística

Inició los estudios de piano —su madre y su tía habían seguido ese camino como discípulas de Enrique Granados— en su ciudad natal con Frank Marshall King, discípulo a la sazón y continuador de la obra pianística de Enrique Granados, con sólo tres años de edad. De hecho, ya en 1929, con seis años, celebró sus tres primeros recitales, el tercero de ellos durante los actos de la Exposición Universal de Barcelona.

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Sergéi Rajmáninov padeció en su faceta creativa los efectos de la acelerada evolución de la crítica musical del siglo XX: sin apenas modificar las líneas maestras de su estilo, inscrito en el romanticismo tardío ruso, sus primeras obras fueron atacadas por su progresismo y las últimas se estrenaron bajo la indiferencia general por su carácter reaccionario. A menudo se le considera el “más ruso” de todos los compositores y uno de los mayores intérpretes de la tradición musical clásica.

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Fue un maestro del contrapunto, un respetuoso tradicionalista en el que, por debajo de los sonidos propios del romanticismo tardío, subyacen las formas y las técnicas del barroco y del clasicismo. Con respecto a esto, Reger no ha sido valorado suficientemente como uno de los antecedentes más significativos del neoclasicismo, un movimiento que haría eclosión apenas unos años después de su muerte, sucedida en 1917. Más allá de los gustos y de las valoraciones estéticas, siempre subjetivas, no hay dudas de que la música de Reger es sumamente original. En ella se pueden encontrar fantasía melódica, un manejo virtuosístico de la técnica de las variaciones, colores intensamente brahmsianos, principalmente en sus obras de cámara, un uso intensísimo de la modulación armónica para desestabilizar cualquier sensación de inmovilidad tonal, un contacto profundo con la música luterana para órgano, fundamentalmente la de Bach, y miniaturas refinadas, como sus canciones o las piezas para piano.

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Marilyn Monroe

(Los Ángeles, California, Estados Unidos, 1-VI-1926 – 5-VIII-1962). Norma Jean Mortenson. Actriz de cine, cantante y modelo estadounidense.

Marilyn Monroe
«Jamás perdió en la pantalla el amor de la cámara, la luminosidad, el imán que poseen las verdaderas estrellas»
Nombre real	Norma Jeane Mortenson
Nacimiento	1 de junio de 1926  Los Ángeles, California
Defunción	5 de agosto de 1962 (36 años)  Los Ángeles, California
Ocupación	Actriz, cantante y modelo
Pareja	James Dougherty (1942-1946) Joe DiMaggio (1954) Arthur Miller (1956-1961)
Ficha en Imdb
Premios ganadosGlobos de OroGlobo de Oro a la mejor actriz – Comedia o musical 1960 Some Like It Hot

Con el paso del tiempo, ha logrado ser una de las actrices más famosas de Hollywood y uno de los símbolos sexuales de todos los tiempos.

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El último sueño de Marilyn

Marilyn Monroe es mucho más popular que John Ford, aunque nadie duda de quién es más importante para la historia del cine. Es la actriz que cualquiera mencionaría en primer lugar, a pesar de la distancia insalvable que separa sus recursos de los de Barbara Stanwick.

Es el mayor mito erótico nacido en la oscuridad de las salas de proyección, a despecho de bellezas clásicas mucho más perfectas, como Ava Gardner o Hedy Lamarr. Es todo esto y algo más: es un misterio inaprensible por la lógica, una extraña presencia a la que sólo se puede querer o despreciar, un espejo donde muchos se vieron reflejados. Su muerte por sobredosis de Nembutal añadió a una vida llena de dificultades un final tan dramático como confirmador: si James Dean demostró a los adolescentes que le admiraban que su desprecio por la vida era algo más que una pose, Marilyn evidenció que su soledad era real, y que incluso podía morir por ella. Algo más la une a Dean: los dos murieron jóvenes, y joven permanece, por tanto, su recuerdo.

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Con el tema Love to Love You Baby —a través de la casa comercial Casablanca Records—, Summer adornó la canción con sugestivos jadeos y suspiros de obvia connotación erótica. El tema tuvo cierto éxito en Europa, pero no logró pasar la censura de algunos países que lo consideraron demasiado explícito. En cambio una copia llegó a manos de Neil Bogart que no lo dudó: llamó a Summer y a Moroder y les pidió una versión extendida, para ser pasada en las discotecas.

Así nació la versión de 17 minutos que no paró de sonar en los principales locales nocturnos de los Estados Unidos y que marcaría un hito dentro de la música de entonces, tanto en cuestiones puramente musicales como técnicas: por ejemplo, la invención del maxi-single, disco de vinilo de media duración (entre el single y el long play), que será profusamente utilizado por numerosos artistas en los años venideros

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«Mi infancia y mi juventud están marcadas por la sucesión de los hechos más trágicos de nuestro siglo: las guerras. La guerra civil española. la segunda guerra europea, la postguerra o guerra fría, fueron acontecimientos que pudieron influir en mi joven vida dejando en ella una visión pesimista de la existencia y del mundo: odio, rivalidad, destrucción y muerte. Pero hubo siempre junto a mí una noble figura que cuidó de entregarme otra visión del mundo: optimista, bella, esperanzadora. Fue mi padre. De su mano y en sus brazos pasé innumerables horas en la contemplación de las obras del Museo del Prado, en mi Madrid natal. Madrid, que mis ojos de niña ven todavía envuelto en una aura de hermosura y grandeza, guardaba para mí -junto a aquella figura venerable- el germen de mi vocación artística» Párrafo inicial de su libro «Flor de soledad y silencio».

Asociada frecuentemente con personajes de óperas de Rossini, Mozart y Bizet, admirada por su técnica, musicalidad y presencia en escena. Su debut oficial se produjo en el Ateneo de Madrid, el 16 de febrero de 1957, con el primero de una serie de recitales en los que interpretó el ciclo de Schumann ‘Amor y vida de mujer’. Poco después interpretó el papel de Trujamán de ‘El retablo de maese Pedro’, de Falla, en el Auditorio de la RAI.

Teresa Berganza

(Madrid, 16-III-1933 — San Lorenzo de El Escorial, Comunidad de Madrid, 13-V-2022). Teresa Vargas. Mezzosoprano.La mezzosoprano Teresa Berganza.

Trayectoria artística

Su carrera se ha desarrollado fundamentalmente a través de la ópera y los recitales, habiendo intervenido también en zarzuelas y operetas. De vocación temprana, espoleada por su padre, tras comenzar estudios musicales en su colegio de educación primaria y secundaria, la Fundación Vázquez de Mella, los amplió en el Conservatorio de Madrid, donde estudió las especialidades de piano, órgano, composición y armonía, música de cámara, historia de la música y dirección orquestal.

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Narciso Yepes

(Lorca, Comunidad Autónoma de la Región de Murcia, 14-XI-1927 — Murcia, 3-V-1997). Guitarrista.El guitarrista Narciso Yepes.

Nació en el campo de Lorca en un hogar de campesinos y agricultores, desde muy temprana edad mostró interés por la música y se inició en la guitarra y el solfeo a los seis años con Jesús Guevara en Lorca. Acabada la Guerra Civil, su familia se trasladó a Valencia donde Yepes realizó el bachiller simultaneado con los estudios de Música en el Conservatorio de la ciudad.

Trayectoria artística

Se inició en la música en su etapa escolar. En 1940 pasó a Valencia, donde realizó estudios musicales superiores. Algunos de sus principales referentes fueron Estanislao Marco, Joaquín García de la Rosa, Rafael Balaguer, el compositor y teórico Juan Lamote de Grignon

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Johannes Brahms

Compositor alemán. La historia de Johannes Brahms es, en primer lugar, la de su padre, Johan Jakob Brahms, nacido en la Baja-Sajonia en 1806, y que recibió su formación de contrabajista (y, accesoriamente, de flauta y de violín) en una Stadtpfeiferei (orquesta municipal), institución típica alemana cuyo origen se remonta a la Edad Media: los miembros de esta cofradía tocaban sobre todo instrumentos de viento y estaban a disposición de cualquiera que tuviera necesidad de músicos para un baile, una ceremonia o una fiesta pública o privada.

Johannes Brahms
Retrato de Johannes Brahms.
Nacimiento	7 de mayo de 1833 Hamburgo  Alemania
Fallecimiento	3 de abril de 1897 Viena  Imperio austrohúngaro
Ocupación	Pianista, compositor

En cuanto tuvo su diploma en el bolsillo, siguiendo la costumbre de los jóvenes artistas de antaño, se hizo a los caminos. La primera etapa de este viaje a través de Alemania fue también la última. Encontrando fácilmente empleo en Hamburgo, se quedó allí para siempre.

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Johannes Brahms

Johannes Brahms
Retrato de Johannes Brahms. Grabado.
Nacimiento	7 de mayo de 1833 Hamburgo
Fallecimiento	3 de abril de 1897 Viena  Imperio austrohúngaro
Ocupación	Pianista, compositor

(Hamburgo, Alemania, 7-V-1833 – Viena, Imperio austrohúngaro, 3-IV-1897). Compositor alemán.

Introducción

Si la enorme fuerza que brota de su música sincera y cálida, fruto de una rica vida interior, otorga a Johannes Brahms el calificativo de romántico, el respeto a las formas tradicionales y la perfecta ordenación de sus ideas hacen de él un clásico. Síntesis, pues de dos tendencias creadoras, la obra de Brahms constituye en sí misma una culminación.

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Tercero y último de los grandes músicos clásicos vieneses, tras Joseph Haydn y Mozart, nació en una casa que ostentaba en su fachada el estandarte del Cangrejo Rojo, en la Himmelpfortgrund -la «Puerta del cielo»-, hoy día, Nussdorferstrasse 54, en el distrito noveno, que en su época era un suburbio. Su padre, Franz-Theodor (1763- 1830), hacia 1780 dejó Neudorf, su ciudad natal, en Moravia, para reunirse con su hermano y ejercer como él de maestro de escuela en Viena. Su madre, Elisabeth Vietz, era originaria de Silesia, región natural de Polonia.

Por tanto, Schubert representa al tipo de vienés procedente de las provincias no alemanas del Imperio. Esta diversidad de orígenes desempeñará un papel esencial en la riqueza y versatilidad de su arte.

Schubert fue un músico genial, totalmente menospreciado por sus contemporáneos, para los que su obra fue en gran parte desconocida. Su personalidad ha sido falseada por muchos biógrafos, que nos lo han presentado como un pequeño maestro de escuela. En realidad estuvo dotado de una notable personalidad y tenía plena conciencia de su talento musical. Su carácter débil le perjudicó, al igual que su origen modesto y su falta de fortuna. Se trata de un autor prodigiosamente fecundo que poseyó, ante todo, un extraordinario sentido melódico y un gran aliento lírico. Puede ser considerado como un clásico, ya que su sentido armónico y formal no es innovador, pero su empleo de los recursos sonoros le acerca a los románticos. Al final de su vida su obra cobra una audacia y personalidad sorprendentes.

Murió el 19 de noviembre de 1828, tras una jornada de delirio en que tuvo un pensamiento para Ludwig van Beethoven y se preguntó si todavía quedaba para él un lugar en este mundo… Inhumado primeramente en el cementerio de Wáhring, en 1888 sus restos mortales y los de Beethoven su ilustre antecesor, fueron trasladados al «Panteón de los artistas» del cementerio central de Viena.

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Freddie Mercury

Freddie Mercury
Queen en 1984. Frankfurt, Alemania.
Información personal
Nombre real	Farrokh Bomi Bulsara
Nacimiento	5 de septiembre de 1946  Stone Town, Zanzíbar (actual  Tanzania)
Muerte	24 de noviembre de 1991 (45 años)  Londres, Inglaterra, Reino Unido
Ocupación	Cantante, compositor, productor, pianista, guitarrista y arreglista
Información artística
Tipo de voz	Barítono, tenor ligero
Alias	Freddie Mercury
Género(s)	Rock, hard rock, glam rock
Instrumento(s)	Voz, piano, guitarra
Período de actividad	1969–1991
Discográfica(s)	Columbia Records, Polydor Records, EMI y Hollywood Records
Artistas relacionados	Queen
Web
Ficha	Freddie Mercury en IMDb

Freddie Mercury (Stone Town, Zanzíbar, 5 de septiembre de 1946 – Londres, Inglaterra, 24 de noviembre de 1991) fue un cantante, compositor y músico británico de origen parsi e indio, fue la voz de «Queen«, una de las míticas bandas de la historia del rock.

Primeros años

Farrokh Bulsara, verdadero nombre de Freddie Mercury, nació en Zanzíbar (Tanzania), el 5 de septiembre de 1946, cuando la isla era colonia británica. Hijo de un diplomático del Foreign Office pasó su infancia en Bombay donde fue educado entre la riqueza artística de aquella cultura oriental.

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