El enigma de su origen: una fecha histórica

Durante décadas, la fecha de nacimiento de Louis Armstrong fue objeto de debate y confusión. Si bien el músico celebró durante toda su vida el 4 de julio, investigaciones históricas posteriores, basadas en documentos de la Iglesia católica de Nueva Orleans, establecieron que su nacimiento ocurrió el 4 de agosto de 1901. Este detalle, aunque técnico, subraya cómo incluso los aspectos más personales de su vida han sido objeto de un escrutinio que busca honrar la veracidad histórica de una figura de tal magnitud. El Louis Armstrong House Museum, por ejemplo, reconoce ambas fechas, manteniendo viva la dualidad entre la tradición que él mismo abrazó y la realidad documental confirmada por los historiadores.

Infancia y formación en Nueva Orleans

Nacido en el seno de una familia sumida en la pobreza extrema en un barrio marginal de Nueva Orleans, la infancia de Armstrong estuvo lejos de los privilegios. A la edad de seis años, ya se encontraba cantando en las calles junto a un grupo de amigos para obtener ingresos, una experiencia que forjó su carácter y su capacidad para conectar con el público desde una edad muy temprana. Su formación musical no provino de conservatorios tradicionales, sino de la vibrante y cruda realidad de las calles de Nueva Orleans, donde la música era una forma de supervivencia y expresión comunitaria. Esta falta de educación formal no fue un impedimento, sino el catalizador de un estilo auténtico, libre de ataduras académicas, que le permitió revolucionar el jazz desde sus cimientos.

La revolución del lenguaje musical

La influencia de Armstrong en el jazz es absoluta. Según expertos y músicos de diversas generaciones, él no solo fue un trompetista virtuoso, sino el arquitecto del lenguaje moderno del género. Su contribución se puede desglosar en varios pilares fundamentales:

El dominio de la trompeta y la improvisación

Ricky Riccardi, una autoridad en la vida y obra del músico, señala que Armstrong creó el lenguaje fundacional del jazz. A través de su trompeta, estableció el modelo definitivo de cómo ejecutar un solo, cómo improvisar con coherencia y, sobre todo, cómo narrar una historia emocional a través de un instrumento. Antes de Armstrong, el jazz era, en gran medida, una música de conjunto; tras su irrupción, el solista pasó a ocupar el centro de la escena, permitiendo una libertad creativa que definió el género para las décadas venideras.

La voz como instrumento

La voz de Armstrong, inconfundible y cargada de una emotividad única, se convirtió en un sello distintivo que trascendió las fronteras del jazz para alcanzar el éxito masivo. Su capacidad para frasear y su sentido del ritmo no solo influyeron en otros vocalistas, sino que cambiaron la forma en que se interpretaban las canciones populares. Canciones como What a Wonderful World, Hello, Dolly! y La Vie en Rose no son solo éxitos comerciales; son piezas que siguen emocionando a nuevas generaciones y que son objeto de estudio en conservatorios de todo el mundo.

Un legado que trasciende el tiempo

Al cumplirse 125 años de su nacimiento, la relevancia de Louis Armstrong se manifiesta en los múltiples homenajes que se realizan a nivel global, destacando especialmente las celebraciones en Nueva York, ciudad donde falleció en 1971. En eventos como los realizados en el Bronx Music Hall, músicos de la talla de Lou Bruno y Ron Wilkins han reafirmado que la convicción sobre la importancia de Armstrong es compartida por diversas generaciones de artistas.

Innovación y versatilidad

Armstrong fue mucho más que un trompetista; fue un innovador, cantante, compositor y actor. Su capacidad para integrar influencias, incluyendo elementos afrocaribeños, y su habilidad para transformar el swing, lo posicionaron como una figura de influencia inigualable. Pocos músicos en la historia han logrado ejercer un impacto tan profundo en tantas facetas del arte musical. Su estilo, que combina una técnica impecable con una calidez humana inigualable, sigue siendo el estándar de oro para cualquier estudiante de música.

La vigencia de Satchmo en el siglo XXI

A 125 años de su llegada al mundo, el nombre de Louis Armstrong sigue siendo sinónimo de jazz. Su capacidad para convertir el jazz en un lenguaje universal es quizás su logro más perdurable. Mientras que otros estilos musicales han surgido y desaparecido, la obra de Armstrong permanece como una constante, siendo redescubierta por jóvenes músicos que encuentran en sus grabaciones la esencia misma de la improvisación y la expresión artística.

La celebración de este 125 aniversario no es solo un acto de nostalgia, sino una reafirmación de que el jazz, tal como lo conocemos, es impensable sin la figura de Armstrong. Su vida, desde las calles de Nueva Orleans hasta los escenarios más prestigiosos del mundo, es un recordatorio de que el genio puede surgir de los lugares más inesperados y cambiar el curso de la historia cultural.

El gigante que hizo eterno al jazz

Louis Armstrong no solo fue un músico excepcional; fue un visionario que entendió el poder de la música para conectar a las personas. Su maestría con la trompeta y su voz inconfundible crearon un puente entre el jazz tradicional y las nuevas formas de expresión que dominarían el siglo XX. Al mirar hacia atrás, a estos 125 años de historia, queda claro que su legado no está escrito en piedra, sino que es una entidad viva que sigue evolucionando a través de cada músico que decide tomar un instrumento y explorar las posibilidades de la improvisación.

La figura de «Pops» sigue siendo, hoy más que nunca, una luz guía. Su influencia se siente en cada nota de jazz que se toca en cualquier parte del mundo, confirmando que, aunque el hombre nos dejó en 1971, el artista y su música son, efectivamente, eternos. La historia de Louis Armstrong es la historia del jazz mismo: una narrativa de superación, innovación constante y una búsqueda incesante de la belleza a través del sonido.

Primeros planos: Túnez, 1938-1957

Nació en Túnez, en 1938, en el seno de una familia siciliana. Su primer recuerdo, solía contar, fue la llegada de los soldados americanos durante la Segunda Guerra Mundial. Fue en las calles tunecinas, cuando un joven cineasta francés, René Vautier, la descubrió casi por casualidad a la salida de la escuela. La invitó a rodar un cortometraje, Les Anneaux d’or, premiado en Berlín, y poco después ganó un concurso de belleza sin haberse presentado conscientemente. El premio era un viaje a la Mostra de Venecia, en 1957. Allí, entre fotógrafos y la proyección de Le notti bianche de Visconti, nació la idea de que quizá estaba destinada al cine, aunque todavía lo negara.

Escena inicial: Roma y el salto a la pantalla, 1958-1962

Con apenas 20 años rodó su primera película, Rufufú (1958), la comedia coral de Monicelli que revolucionó la comedia italiana. Apenas aparecía unos minutos, pero su magnetismo era inmediato. Ella misma confesaba que apenas entendía el italiano del rodaje, pues aún lo hablaba con dificultad, pero su presencia opacaba cualquier duda. Aquel año dio a luz a su primer hijo en secreto, en una historia personal tan dura como silenciada durante décadas. Siguieron títulos que marcaron la nueva ola italiana: Un maldito embrollo (1959), de Germi; El bello Antonio (1960), junto a Mastroianni; Rocco y sus hermanos (1960), con un solemne Alain Delon bajo la dirección de Visconti; y La chica con la maleta (1961), de Zurlini, obra definitiva del melodrama intimista.

El año irrepetible: 1963

Hay años en que una actriz se funde con la historia del cine, y en el caso de Claudia Cardinale fue 1963. Ese año estrenó tres películas que bastarían por sí solas para consagrar una carrera:

• En Ocho y medio, Fellini la hizo casi interpretar a sí misma, luminosa, fresca, deseada por la mirada de Mastroianni.
• En El gatopardo, con Visconti, fue la joven que bailaba el vals final con Lancaster, símbolo elegíaco del fin de una era, a la vez que vivía un romance imposible con Delon.
• Y en La pantera rosa, de Blake Edwards, sedujo al público internacional en clave cómica y abrió para sí misma las puertas de Hollywood.
  Nunca una actriz había filmado al mismo tiempo con dos polos tan opuestos como Fellini y Visconti, rubia en Roma, morena en Sicilia, y a la vez conquistado la comedia americana. Era el triple salto mortal del cine, y ella lo ejecutó con naturalidad.

Entre Europa y Hollywood: finales de los 60 y 70

Cardinale nunca se dejó atrapar del todo por Estados Unidos. Aunque rodó allí producciones notables —Los profesionales (1966), de Richard Brooks; Hasta que llegó su hora (1968), el wéstern definitivo de Sergio Leone— siempre regresaba a Europa, donde encontraba la libertad artística que le interesaba. Fue compañera de reparto de mitos como John Wayne, Connery, Quinn, Holden u Orson Welles. Jamás se sometió al estrellato masculino de Hollywood, manteniendo intacta su independencia.
En España rodó una de las películas más vistas en televisión durante años, Las petroleras (1971), junto a Brigitte Bardot y José Luis López Vázquez, en ese duelo simbólico de BB contra CC que inmortalizó la prensa popular.

Madurez de mito: 80 hasta los 2000

En los años 80 trabajó con Werner Herzog en Fitzcarraldo (1982), donde compartía plano con Klaus Kinski en el delirio amazónico del director alemán. El tiempo la convirtió en referente, siempre renaciendo en distintas cinematografías, incluso en el cine español, con El artista y la modelo (2012), de Fernando Trueba.

Fuera de cámara: vida privada y resistencia

Su vida personal estuvo marcada por relaciones con cineastas —se casó con el productor Franco Cristaldi y más tarde compartió vida con Pasquale Squitieri—, pero permaneció siempre fiel a su independencia. A lo largo de su carrera rechazó a pretendientes legendarios, de Mastroianni a Delon, de Brando a los rumores risueños sobre Chirac. “La palabra indomable me está bien”, dijo cuando su hija tituló su biografía Claudia Cardinale, la indomable.
Porque lo fue: indomable frente a Hollywood, frente a las etiquetas, frente al destino que un concurso de belleza quiso imponerle. Ella lo convirtió en cine.

Plano final

Claudia Cardinale muere en 2025, a los 87 años, dejando detrás más de 130 películas. Fue la actriz que atravesó medio siglo de cine italiano y europeo, del neorrealismo heredado de Visconti al barroquismo de Fellini, de la épica de Leone al romanticismo de Trueba. Con su partida se apaga una luz irrepetible de la gran pantalla, y solo queda en pie Sophia Loren como última representante de aquella generación dorada.
Pero las imágenes permanecen: el vals en el salón de El gatopardo, la sonrisa en Ocho y medio, el duelo en Hasta que llegó su hora. Claudia Cardinale no se va; vuelve a aparecer cada vez que se apagan las luces y se enciende el proyector.

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Uno de los grandes de la etapa de oro de la cinematografía italiana que no consiguió adaptarse a los cambios operados en el teatro y en el cine en los últimos 20 años. Desde 1980 luchó contra la depresión.

Gassman, conocido cariñosamente en Italia como Il Mattatore, título de un programa de televisión que interpretó en los cincuenta. No era un tipo sencillo de carácter exuberante, él mismo se describió como una persona «extraordinariamente frágil» pese a las apariencias, y presumiblemente inestable.

Se casó cuatro veces, la primera con Nora Ricci, compañera de estudios en la Academia de Arte Dramático de Roma, unión de la que nació Paola, actriz de profesión. Más tarde se casó con la actriz norteamericana Shelley Winters, de la que tuvo a Vittoria; con Juliette Maynel, su tercera esposa, tuvo a Alessandro, actor, y finalmente, del matrimonio con su última compañera, Diletta D’Andrea, nacería Jacopo.

Su físico de atleta, sus rasgos finos y una capacidad histriónica, seguramente heredada de la madre, fueron su mejor tarjeta de visita. En poco tiempo, el actor interpretó a los clásicos y trabajó bajo la dirección de artistas de primera fila como Luchino Visconti. En 1947 tenía compañía propia, con la que paseó por toda Italia los grandes títulos de la dramaturgia mundial, desde Esquilo a Shakespeare, pasando por Ibsen y Pirandello.

Su primera aparición de cierto relieve en el cine data de 1948, cuando se estrena una película que se haría famosa no precisamente por la interpretación de Gassman; se trata de Arroz amargo, de Giuseppe De Santis, en la que destacaría la belleza de Silvana Mangano. Pero serán los filmes dirigidos por Dino Risi, Mario Monicelli y Ettore Scola los que le conviertan en uno de los grandes mitos de la pantalla italiana, junto a nombres como Alberto Sordi, Mónica Vitti y el desaparecido Marcello Mastroianni.

El momento que esperaba Gassman, el punto de inflexión en su carrera de actor cinematográfico, llega de la mano de la joven comedia a la italiana, cuando Mario Monicelli le confía el papel del púgil sonado y ladrón balbuciente (Peppe) en I soliti ignoti (Rufufú), de 1958. Con Monicelli interpreta después papeles inolvidables como en La gran guerra (1959), junto a Alberto Sordi.

En 1962 se subiría al descapotable con Jean-Louis Trintignant en la icónica «Il sorpasso» de Risi, una de las películas italianas más adoradas, alegoría del «milagro económico» y de la burguesía de aquellos años.

Más tarde llegaría el superéxito de La armada Brancaleone, y, sobre todo, el reconocimiento internacional a su trabajo de actor gracias a su papel en el filme de Dino Risi La escapada. Con Ettore Scola interviene, entre otras, en La familia, y la última La cena.

La estrella profesional de Gassman comenzó a declinar casi a la vez que el gran cine italiano, a principios de los años ochenta. El actor, Premio Príncipe de Asturias de las Artes.

El actor se aventuró de nuevo (como había hecho ya a los inicios de su carrera) en la literatura y publicó varias obras. Una autobiografía, Un grande avvenire dietro le spalle (Un gran porvenir a la espalda), en 1981, que le valió algunos premios. «Al escribir este libro me he esforzado en ser lo más sincero posible. Atravesaba un periodo de preocupante depresión», añadió, confesando que había llegado a perder 18 kilos de peso.

El neurólogo en cuestión al que se refería era Giovanbattista Cassano, director del servicio de Psiquiatría del hospital de Santa Clara de Pisa, donde Gassman fue hospitalizado en varias ocasiones, la última en 1996. Ese mismo año recibió el León de Oro a la carrera otorgado por la Mostra de Venecia. Al recoger el premio, el actor anunció su retirada de los escenarios, una promesa que no llegó a cumplir.

«Vivía añorando el pasado, los años de gloria de su juventud, el mundo del teatro y del cine de los sesenta», declaró el que fuera su médico en la última etapa, Giovanbattista Cassano.

Su fino humor, su enorme ego de actor mimado, la inestabilidad afectiva que en la última fase de su vida se tornó melancólica.

En su espectáculo-despedida del teatro y de la interpretación, Il Mattatore, Gassman dio rienda suelta a su ira, a sus quejas contra el mundo moderno, y manifestó sin tapujos su profunda antipatía por el teatro de vanguardia. El mundo no era el mismo que él había conocido en su juventud. Fallecía en la madrugada de un 29 de junio de 2000, la vida le había traicionado.

Vittorio Gassman

Vittorio Gassman
Uno de los últimos mitos de la escena y del cine italiano.
Nombre real	Vittorio Gassman
Nacimiento	1 de septiembre de 1922 Génova región de Liguria  Italia
Defunción	29 de junio de 2000 Roma  Italia
Ficha en Imdb

(Génova, Liguria, Italia, 1-IX-1922 — Roma, Italia, 29-VI-2000). Actor, autor teatral, guionista y director de cine italiano.

Orígenes y formación

Nació en Génova el 1 de septiembre de 1922 y falleció de un infarto el 29 de junio de 2000 en su domicilio de Roma. Era hijo de la actriz Luisa Ambrón, retirada muy pronto de los escenarios, y de un rico ingeniero de origen alemán, cuya muerte causó el traslado familiar a Roma cuando Vittorio era niño.

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Manuel Rodríguez Sánchez, ‘Manolete’

Manuel Laureano Rodríguez Sánchez, (Córdoba, 5-VII-1917 – Linares, Jaén, 29-VIII-1947).  Manolete. Matador de toros.

La plasticidad del toreo vertical de Manolete, unida a su honestidad y su entrega, le convirtieron en un fenómeno de atracción nacional e internacional.

Alternativa: Sevilla, 2-VII-1939. Padrino: Rafael Jiménez Chicuelo. Testigo: Rafael Vega de los Reyes Gitanillo de Triana. Toro: “Mirador”. Ganadería: Clemente Tassara. Confirmación: Madrid, 12-X-1939. Confirmante: Marcial Lalanda. Testigo: Juan Belmonte Campoy. Ganadería: Antonio Pérez.

Hijo del también matador de toros Manuel Rodríguez Manolete, se formó en la escuela taurina de Montilla (Córdoba).

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Manuel Rodríguez, Manolete

Manolete
Manolete fue «un torero para olvidar una guerra», y algo de eso había en la admiración incondicional que provocaba entre la sufrida población su valor entregado ante los toros y su elegancia en la calle, donde también marcó modas a la hora de vestir.
Nombre	Manuel Laureano Rodríguez Sánchez
Nacimiento	4 de julio de 1917 Córdoba  España
Fallecimiento	29 de agosto de 1947 Linares provincia de Jaén  España
Otros nombres	«Manolete»
Ocupación	Torero
Cónyuge	Antonia Bronchalo Lopesino (Lupe Sino)
Padres	Manuel Rodríguez Sánchez, Angustias Sánchez Martínez

(Córdoba, España, 4-VII-1917 – Linares, provincia de Jaén, España, 29-VIII-1947). Manuel Laureano Rodríguez Sánchez, llamado Manolete. Torero español.

Trayectoria

Hijo —del mismo nombre, apellidos y apodo—, nieto y sobrino de toreros, novillero a partir de 1931, vistió el traje de luces en su ciudad natal en 1934.

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Creció en el seno hogar presbiteriano. Su padre, un hombre recto y severo que lucho contra los españoles en Cuba y contra los alemanes en la Primera Guerra Mundial, le inculcó unos valores morales decimonónicos y el culto al trabajo. Chapado a la antigua, republicano hasta la médula. Buen patriota, intachable esposo y padre de familia. Amigo de Richard Nixon y de Ronald Reagan, fue además un hombre de negocios multimillonarios, con inversiones diversas, desde pozos de petróleo hasta una compañía de vuelos chárter

James Stewart

(Indiana, Pennsylvania, Estados Unidos de América, 20-V-1908 — Beverly Hills, California, Estados Unidos de América, 2-VII-1997). James Maitland Stewart. Actor estadounidense.

Trayectoria artística

Hijo de un acaudalado comerciante de cerámica, estudió Arquitectura en la Universidad de Princeton. Tocaba muy bien la armónica e interpretó algunos papeles en el grupo de teatro formado por los estudiantes de esta universidad, antes de actuar en los escenarios neoyorquinos, de 1928 a 1935.

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Por ello, os anunciamos que hemos incrementado el número de licencias de los siguientes recursos electrónicos: Aula Digital, Historia Universal, Mienciclo Universal y Patrimonio de la Humanidad, para ayudar a las comunidades que han suspendido las clases y facilitar el aprendizaje y entretenimiento en el hogar.

Con la nueva plataforma de los recursos electrónicos y bases de datos Mienciclo, lanzada a inicios del 2020, vamos a reforzar la excelencia de nuestros contenidos educativos y obras de referencia a través de la nueva versión de Mienciclo Plus.

En nombre de todo el colectivo del Consorcio Grupo Enciclo, deseamos transmitir a todas las personas afectadas por el COVID-19 nuestro deseo de una pronta recuperación.

Fue el primer español que consiguió un Disco de Platino, en 1978, y durante un tiempo en EEUU se le denominó ‘Sinatra español’. El estado donde se levanta la ciudad de los casinos, Nevada (EEUU), declaró el 28 de mayo Día de Camilo Sesto.

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Su primer éxito llegó en 1970 cuando publicó el álbum Algo de mí, que se convirtió inmediatamente en número 1 y desde entonces, no paró. Su gran capacidad creativa se reflejó durante las décadas de los setenta y los ochenta, en las que llegó a publicar un disco al año. Esa intensidad creativa estuvo acompañada por sus innumerables giras de conciertos centradas en la totalidad de los países iberoamericanos, pero también en Estados Unidos (Nueva York, California y Florida) y Japón.

El 7 de septiembre de 2019, ingresó a la clínica Quirón en Pozuelo de Alarcón por problemas renales que padecía y la madrugada siguiente, sufrió una parada cardiorrespiratoria que terminaría con su vida.

Los Lumière fueron una familia de apellido premonitorio. La luz en todas sus formas estuvo detrás de sus inventos. Sin embargo, su historia arrancó en una Francia ensombrecida por la invasión prusiana de 1870. A la humillación de la derrota se sumó además la sangrienta revolución de la Comuna de París. Para huir de estos peligros, el matrimonio formado por Antoine Lumière y Jeanne-Joséphine Costille decidió cambiar de hogar. La pareja abandonó la fronteriza Besançon y se asentó en la ciudad interior de Lyon. Aquí empezaría una dinastía de burgueses emprendedores, el arquetipo social de una élite, cuya alegría de vivir culminará en la Belle Époque.

El cinematógrafo fue patentado el 13 de febrero de 1895 –fue un tiempo en que los inventos corrían peligro: todavía se discute si el teléfono fue un invento de Edison o del florentino Antonio Meucci… con ventaja para este– . Y presentado antes del ritual en el Boulevard des Capucines: sucedió el 22 de marzo de 1895, tres días después del rodaje de La salida de los obreros…, en la Société d´Encouragement à l´Industrie Nacional, París.

Los Lumière y el nacimiento del cine

… y director del Robert Houdin, inició el asunto ofreciendo 10.000 s por el proyector Lumière, cantidad que fue superada con amplitud por Thomas, director del Museo Grevin de figuras de …

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Hermanos Lumière

… un ingenioso sistema de arrastre del filme mediante dos perforaciones por imagen. Así, el «cinematógrafo Lumière» (1894) fue la primera que permite a la vez la toma de vistas, la proyección …

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Manuel Vicent dijó que era el responsable de que millones de personas hayan nacido. Según él, sus «hijos espirituales son una legión». Se refiere a las miles de personas concebidas cuando sonaba, interpretada por el cantante, Strangers in the night en algún tocadiscos o emisora.

Diego Alfredo Manrique escribió de Sinatra: «Una grandeza superlativa que se apoyaba en su habilidad para recurrir a una variedad de espléndidos arreglistas y músicos. Luego estaba su imperial dominio del tesoro de la canción estándar estadounidense y, muy importante, la capacidad para aportar la intensidad de su experiencia vivida a ese sublime cancionero.»

Frank Sinatra
Frank Sinatra durante una de sus actuaciones en directo.
Nombre real	Francis Albert Sinatra
Nacimiento	12 de diciembre de 1915 Hoboken Nueva Jersey  Estados Unidos
Defunción	14 de mayo de 1998 Los Ángeles California  Estados Unidos
Pareja	Nancy Barbato (1939-1951) Ava Gardner (1951-1953) Mia Farrow (1966-1968) Barbara Marx (1976-1998).
Hijo/s	Nancy Sinatra, Frank Sinatra Jr, Tina Sinatra
Sitio web	FrankSinatra.com
Ficha en Imdb
Premios ganados Premios Óscar Mejor actor de reparto 1953 De aquí a la eternidad (From Here to Eternity) Premio Humanitario Jean Hersholt 1970 A sus Causas Humanitarias Globos de Oro Globo de Oro al mejor actor de reparto 1954 De aquí a la eternidad (From Here to Eternity) Globo de Oro al mejor actor – Comedia o musical 1958 Pal Joey Premio Cecil B. DeMille 1971 Premio a la Trayectoria Profesional

 

Contenido Orígenes Formación Trayectoria artística Premios y reconocimientos Familia Últimos años Fallecimiento Datos biográficos Premios Óscar Notas

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Audrey Hepburn, sigue brillando en el firmamento cinematográfico pese a su temprana muerte a los 63 años. Dueña de una belleza angelical, más etérea que sexy, supo transmitir en la gran pantalla ese aura de heroína romántica y frágil que ponía en evidencia sus carencias afectivas en la vida real. Conquistó a Humphrey Bogart en Sabrina, a George Peppard en Desayuno con diamantes o a Cary Grant en Charada, pero sufrió mucho con el fracaso de sus dos matrimonios, primero con el actor Mel Ferrer, con el que tuvo a su hijo Sean y más tarde con el médico italiano Andrea Dotti, una unión que dio como fruto a Luca.

Audrey Hepburn
Nombre real	Audrey Kathleen Ruston
Nacimiento	4 de mayo de 1929 Bruselas, Bélgica
Defunción	20 de enero de 1993 (63 años) Tolochenaz, Suiza
Otros nombres	Edda van Heemstra
Ocupación	Actriz
Pareja	Mel Ferrer (1954–1968) Andrea Dotti (1969–1982)
Sitio web	[1]
Ficha en Imdb
Premios ganados Premios Óscar Óscar a la mejor actriz 1953 Vacaciones en Roma Premio Humanitario Jean Hersholt 1992 A sus Causas Humanitarias Globos de Oro Globo de Oro a la mejor actriz – Drama 1954 Vacaciones en Roma Premio Cecil B. DeMille 1990 Premio a la Trayectoria Profesional Premios BAFTA BAFTA a la mejor actriz 1953 Vacaciones en Roma 1959 Historia de una monja 1964 Charada

(Bruselas, Bélgica, 4-V-1929 – Lausana, Suiza, 20-I-1993). Actriz de cine y teatro británica. Estudió arte dramático en Amsterdam y Londres antes de debutar en el cine en 1950, consagrándose rápidamente como actriz de comedias, aunque sus posteriores actuaciones en Broadway, a partir de 1955, demostraron su versatilidad. Obtuvo varias veces el galardón de la British Film Academy y el Oscar a la interpretación en 1953 por Vacaciones en Roma (Roman Holiday). En 1993, la Academia de Hollywood, le otorgó, póstumamente, el Oscar humanitario Jean Hersholt por su labor como embajadora de la UNICEF.

Contenido Infancia y juventud La Segunda Guerra Mundial marcó su vida Formación como bailarina Primeros años de actriz Estrella de Hollywood Matrimonios y familia Últimos papeles UNICEF Premios y reconocimientos Filmografía

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En su breve carrera cinematográfica -Rainiero le advirtió de que si se convertía en princesa de Mónaco debía dejar el cine, y lo hizo tras rodar Alta sociedad con Bing Crosby- Grace Kelly fue una de las actrices favoritas de Hitchcock (Crimen perfecto, con Ray Milland, La ventana indiscreta, con James Stewart, y Atrapa a un ladrón, con Cary Grant). Fue él quien se refirió a la actriz, nacida en Filadelfia en 1929, como una mujer de mundo, una verdadera dama que se puede transformar en una prostituta en el dormitorio.

Grace Patricia Kelly, (Filadelfia, Pennyslvania, Estados Unidos de América, 12-XI-1929 — Montecarlo, Mónaco, 14-IX-1982). Actriz estadounidense y princesa consorte de Mónaco por su matrimonio con Raniero III de Mónaco.

Grace Kelly
Grace Kelly en una imagen publicitaria posterior al “Premio Óscar” que se le concedió en 1954 por la película The Country Girl (La angustia de vivir), de George Seaton.
Nombre real	Grace Patricia Kelly
Nacimiento	12 de noviembre de 1929 Filadelfia Pennsylvania  Estados Unidos
Defunción	14 de septiembre de 1982 Montecarlo  Mónaco
Ocupación	actriz, princesa
Año debut	1948
Año retiro	1956
Pareja	Raniero III de Mónaco
Hijo/s	Alberto II de Mónaco, Carolina de Mónaco, Estefanía de Mónaco
Premios ganados Premios Óscar 1955 (por The Country Girl) Globos de Oro 1954 (por Mogambo) y 1955 (por The Country Girl)

Contenido Introducción Orígenes y formación Trayectoria artística Su vida como princesa Filmografía completa Bibliografía

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En 1977, el año de su muerte, el entonces presidente de los Estados Unidos, Jimmy Carter, afirmó que “su trabajo fusionó los estilos del country blanco y el rhythm and blues negro y cambió permanentemente el rostro de la cultura popular estadounidense”.

Presley asentó al Rock and Roll en podio de la música mundial y facilitó la aceptación del género por parte de la comunidad afroamericana. Elvis con sus veinte años presumido y siempre sonriente, puso a todo el país a bailar.

Su música y su voz persisten, la canción «A Little Less Conversation», escrita por Mac Davis y Billy Strange para la película «Love a Little» (1968), fue remezclada en 2001 por el dj y productor norteamericano, Junkie XL y alcanzó el número uno en más de 20 países.

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Elvis Presley

… también a cantar . La mezcla entre ambos estilos es lo que habría de convertir a Elvis en un fenómeno único, definitorio de una forma de entender el .Después de haber participado …

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Un, dos, tres, ¡rock!

… mundo se había enterado del nacimiento del nuevo ritmo, gracias a la intuición de Haley, Elvis firmó un contrato de representación con un curioso personaje de nombre militar y antecedentes circenses …

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Rock and roll

… .Image:Roll cinco.jpg . Guitarrista de rock and roll estadounidense. Concierto en ( , 2007.Image:Elvis cuatro.jpg durante una actuación en ( ).Image:Stones.jpg . Concierto en (4 de junio de …

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Se cumplen 40 años de la muerte de Elvis Presley

Ángel Ángel se le comenzó conociendo como El Niño, porque era tan joven que tenía que falsificar la firma de su padre para sacarse la licencia, y él decidió pintarse un chupete en el casco.

Ángel Nieto puso las bases para que esa historia cambiara, e incluso cuando Televisión Española comenzó a retransmitir carreras del Mundial de forma aleatoria, Nieto se negó a concederles entrevistas hasta que no emitieran con continuidad las carreras.

Nieto se adjudicó su primer mundial en 1969, con la escudería Derbi, en la categoría de 50cc. Su último título lo consiguió en 1984, en 125cc. Es decir, estuvo 15 años en la élite.

Su figura creó afición y escuela en el motociclismo español.

Ángel Nieto (Zamora, Comunidad Autónoma de Castilla y León, España, 25-I-1947 — Ibiza, islas Baleares, España, 3-VIII-2017). Motociclista español. Ha sido 13 veces campeón del mundo.
Momento en que Ángel Nieto se proclama por segunda vez campeón del mundo de motociclismo, en el circuito de Montjuïc, Barcelona (1972).
Datos personales
Nombre	Ángel Nieto Roldán
Apodo	El Niño
Nacimiento	25 de enero de 1947 Zamora  España
Fallecimiento	3 de agosto de 2017 Ibiza islas Baleares  España
Retiro	1986
Carrera deportiva
Palmarés general
Equipos	Derbi (1969–1972) Kreidler (1975) Bultaco (1976–1977) Minarelli (1979–1981) Garelli (1982–1984)
Títulos de campeonato
1969, 1.º en 50cc 1970, 1.º en 50cc 1971, 1.º en 125cc 1972, 1.º n 50cc 1972, 1.º en 125 cc 1975, 1.º en 50cc 1976, 1.º en 50cc 1977, 1.º en 50 cc 1979, 1.º en 125cc 1981, 1.º en 125cc 1982, 1.º en 125cc 1983, 1.º en 125cc 1984, 1.º en 125cc

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Ángel Nieto Roldán

… italiano de Mugello (GP de ), con resultado de fractura de y . Es curioso resaltar que Ángel Nieto fue suspendido en dos ocasiones en la obtención del carnet de conducir de primera clase …

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Ángel Nieto

… , 1984). En 1986 abandonó la competición y tres años más tarde inauguró en el Museo Ángel Nieto (1989), donde se muestran las motocicletas con las que ganó los campeonatos del mundo, además …

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Muere Ángel Nieto a los 70 años

Nacido en 1970 en Ronda (Málaga), Diego David Domínguez González ha sido uno de los diseñadores españoles más revolucionarios con su personalísimo estilo.

Desde el principio de su carrera, este artista se caracterizó por diseñar unas prendas muy limpias y ‘minimal’, rozando el surrealismo, que tenían un toque masculino. Sus piezas más clásicas eran las camisas blancas con cuellos abrochados hasta el cuello, camisetas deseables y sudaderas icono. Su interés por la moda le llevó a crear en 2001 la marca David Delfín junto a los hermanos Postigo – Deborah, Diego y Gorka– y su gran amiga y compañera de batallas, Bimba Bosé.

Su objetivo a la hora de diseñar era el de generar emociones, más allá de las tendencias de cada momento. En la pasarela madrileña se consagró como diseñador. En su segundo año recibió el premio a la mejor colección por ‘In loving memory’.

“Llegué a la moda a través de la pintura. En 1999, tras varias exposiciones individuales y colectivas, y después de haber trabajado sobre papel, lienzo, madera o cartón, decidí utilizar prendas militares de segunda mano como nuevo soporte. En ellas encontraba una memoria, una huella. Los nombres de las personas que las habitaron, manchas de grasa, zurcidos…
todo giraba en torno al pensamiento, la vida y la obra (¿no es lo mismo?) del artista alemán Joseph Beuys, y en la que incluía textos escritos con la mano izquierda.

Las editoras de moda y algunas pasarelas emergentes se interesaron por mi trabajo, y aunque no era ese su fin, descubrí un medio fascinante donde plasmar mis inquietudes. Sentí que había encontrado mi lugar como si de un saber no sabido se tratara.”  David Delfin

En 2016 rerecibió el “Premio Nacional de Diseño de Moda” por parte del Ministerio de Cultura “por la audacia, valentía y compromiso social de su obra, con una señalada identidad española”.

En enero de 2016 le detectaron tres tumores cerebrales que le obligaron a centrarse en su salud y a apartarse de manera definitiva de la industria de la moda. David Delfín falleció en Madrid el pasado 3 de junio de 2017, tras luchar durante más de un año contra el cáncer.

John Ford esculpió un héroe de cine e historia en John Wayne y éste le proporcionó el icono perfecto para transmitir su mundo, entre salvaje, legendario y noble.

En su epitafio se pueden leer tres palabras en castellano: “Feo, fuerte y formal”. Tres adjetivos que definen tan solo una pequeña parte de quien, con sus modales rudos pero nobles y su peculiar forma de andar, se convirtió en el perfecto arquetipo del cowboy cinematográfico.

En sus más de 170 películas lo podemos encontrar interpretando diversos papeles desde el papel que le dio la fama de cowboy; combatiente en la Segunda Guerra Mundial y en Vietnam; cazador en África, boxeador en busca de sus raíces irlandesas o incluso director de un circo.

John Wayne siempre fue consciente de que sus limitaciones como intérprete que eran compensadas por su sola presencia ante las cámaras. “A lo largo de todos estos años algo he debido de aprender”, dijo en una entrevista. Y era verdad. Cuando se le ve en Centauros del desierto o El hombre tranquilo hay que reconocer que es, sin duda alguna, uno de los grandes del cine.

John Wayne
John Wayne en Hatari! (1962), película dirigida por Howard Hawks.
Nombre real	Marion Robert Morrison
Nacimiento	26 de mayo de 1907 Winterset Iowa  Estados Unidos
Defunción	11 de junio de 1979 Los Ángeles California  Estados Unidos
Ocupación	Actor y director
Año debut	1926
Año retiro	1976
Pareja	Josephine Alicia Sáenz (1933-1945) Esperanza Baur (1946-1953) Pilar Pallete (1954-1979)
Sitio web	Wayne Enterprises
Ficha en Imdb
Premios ganados Premios Óscar Mejor actor 1969 Valor de ley Globos de Oro Premio Cecil B. DeMille 1966 Premio a la Trayectoria Profesional Mejor actor – Drama 1969 Valor de ley

(Winterset, Iowa, Estados Unidos de América, 26-V-1907 — Los Ángeles, California, Estados Unidos de América, 1-VI-1907). Marion Mitchell Morrison. Actor estadounidense.

Contenido Orígenes y formación Trayectoria artística Fallecimiento Miscelánea Vida personal Datos biográficos

John Wayne

… simbolismo como quien mejor encarnó los valores tradicionales americanos.Clásicos de La 1 – John Wayne y Dean Martin en Los 4 hijos de Katie ElderVer vídeoEl gran McLintock …

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John Ford

… propias de un temperamento lírico que se remonta con frecuencia a lo épico. Hay en John Ford una plasticidad vigorosa con la que ha sabido presentar eficazmente una serie de momentos …

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‘Los 4 hijos de Katie Elder’

Cuando tenía nueve años, él y su hermano mayor, Roy (que luego se convertiría en su socio de por vida), se levantaban a las tres y media de la madrugada para ayudar a distribuir con su padre el Kansas City Star, el periódico local, por las calles de la ciudad. Se apuntó a la escuela de arte y, tras estallar la Primera Guerra Mundial, engañó al servicio de reclutamiento y se fue a conducir ambulancias al frente.

En 1923, Walt Disney era un joven y prometedor dibujante de Chicago obsesionado con los cuentos de hadas. Decidió instalarse en Los Ángeles en busca de promotores para su primer corto de acción real y animación, Alice’s Wonderland. Su éxito precedió a otras comedias sobre la pequeña Alicia que arrasaron entre el público infantil. Pero fue un ratón de enormes y perfectas orejas, bulboso hocico y aire travieso llamado Mortimer quien situó a Disney en el camino a la fama en Hollywood. El 15 de mayo de 1928, Mortimer se convierte en Mickey Mouse y es el protagonista de su primer filme, Plane Crazy, donde interpreta a un granujilla que intenta imitar al aviador Charles Lindbergh y de paso aprovecharse de su novia Minnie. Al año siguiente nacía el volcánico pato Donald.

Disney estableció definitivamente su reputación en 1937, con Blancanieves y los siete enanitos, el primer largometraje animado en color, un versión muy edulcorada del cuento original, como luego serían todas las historias de la factoría Disney.

Diego Rivera profetizó que el ratón de Disney sería considerado por los historiadores en el futuro como “uno de los héroes genuinos del arte americano de la primera mitad del siglo XX” y el expresionista George Grosz consideraba que sus viñetas eran “arte en todos los sentidos”.

En una visita a Disneylandia, el reverendo Billy Graham felicitó a Disney por haber construido tal mundo de fantasía, el creador de Mickey se limitó a contestar. ‘Billy, éste es el mundo real, la fantasía es lo que está fuera‘.

Walt Disney
Retrato de Walt Disney con dos de sus creaciones más célebres: Mickey Mouse y el pato Donald.
Nombre	Walter Elias Disney
Nacimiento	5 de diciembre de 1901 Chicago Illinois Estados Unidos
Fallecimiento	15 de diciembre de 1966 Burbank California Estados Unidos
Causa de muerte	Cáncer de pulmón
Residencia	Burbank California
Nacionalidad	Estadounidense
Ocupación	Cofundador de The Walt Disney Company
Años activo	1920-1966
Partido político	Republicano
Cónyuge	Lillian Bounds
Hijos	Diane Marie Disney Sharon Mae Disney
Padres	Elias y Flora Call Disney
Premios	7 “Premios Emmy” 22 Premios Óscar ”Premio Cecil B. DeMille”

(Chicago, Illinois, Estados Unidos de América, 5-XII-1901 — Burbank, California, Estados Unidos de América, 15-XII-1966). Productor y realizador estadounidense de dibujos animados para cine y televisión.

Contenido Introducción Trayectoria artística y empresarial El monopolio de largometrajes de dibujos Fallecimiento Personalidad Los Oscar de Walt Disney Premios Oscar al mejor cortometraje de animación Oscar al mejor cortometraje de imagen real Oscar al mejor cortometraje documental Oscar al mejor largometraje documental Oscar honoríficos Bibliografía

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Walt Disney, el mago de Burbank

… cuatro millones de dólares.Con la experiencia de Disneyland presente, era casi inevitable que a Walt Disney se le ocurriera mejorarla y agrandarla. Tras mucho cálculo, elige una zona situada al otro …

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(Duluth, Minnesota, Estados Unidos de América, 24-V-1941). Robert Allen Zimmerman. Músico, compositor, cantautor y poeta estadounidense, ha sido también actor y pintor. Fue galardonado con el “Premio Nobel de Literatura” de 2016.

Bob Dylan
Bob Dylan en el Azkena Rock Festival, en Vitoria-Gasteiz (España), en 2010.
Información personal
Nombre real	Robert Allen Zimmerman
Nacimiento	Duluth Minnesota  Estados Unidos, 4 de mayo de 1941
Ocupación	Cantautor, músico, compositor, poeta, actor, guionista, DJ, pintor
Información artística
Género(s)	Folk, folk rock, rock, blues, country
Instrumento(s)	Voz, guitarra, bajo, armónica, teclado, piano
Período de actividad	1959 – presente
Discográfica(s)	Columbia Records, Asylum Records
Artistas relacionados	Paul Butterfield Blues Band Al Kooper, The Band, Mark Knopfler, Traveling Wilburys Tom Petty and the Heartbreakers, Van Morrison, Grateful Dead Joan Baez, Johnny Cash.
Web
Sitio web	www.bobdylan.com

Bob Dylan representa la encarnación musical del movimiento antibelicista de los sesenta y del espíritu hippie, autor de las canciones inmortales como: “Blowin’in the wind”, “The Times are a-changin” o “Like a Rolling Stone”. Cuenta entre sus galardones con un Óscar, el Príncipe de Asturias de las Artes 2007 y el premio Pulitzer en 2008, entre otros.

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El intérprete estadounidense reclama poner freno al cambio climático en un emotivo discurso.

Leonardo DiCaprio
Leonardo DiCaprio atiende a la prense durante la presentación de Gangs of New York en el Festival de Cannes, el 20 de mayo de 2002.
Nacimiento	11 de noviembre de 1974 Los Ángeles California  Estados Unidos
Ocupación	Actor y productor de cine
Ficha en Imdb
Premios ganados Premios Óscar Mejor Actor 2016 The Revenant Globos de Oro Mejor Actor – Drama 2016 The Revenant 2005 The Aviator Mejor Actor – Comedia o Musical 2014 The Wolf of Wall Street Premios BAFTA Mejor actor 2016 The Revenant Premios SAG Mejor Actor 2016 The Revenant Otros premios Premio de la Crítica Cinematográfica al Mejor Actor 2016 The Revenant Premio de la Crítica Cinematográfica al Mejor Actor de Comedia 2014The Wolf of Wall Street

(Los Ángeles, California, Estados Unidos de América, 11-XI-1974). Leonardo Wilhelm DiCaprio. Actor y productor cinematográfico estadounidense.

Contenido Formación Trayectoria artística DiCaprio, productor Filmografía

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David Bowie popularizó el “glam rock” en los años 70 y 80. Saltó a la fama en 1972 con su rompedor ’The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars’, y se hizo famoso no solo por sus letras misteriosas y electrizantes, sino también por su innovadora imagen tan espectacular como ambigua. Sus grandes éxitos, convertidos en clásicos de la música y referencias de culto, incluyen también ’Let’s Dance’, ’Heroes’, ’Under Pressure’, ’Rebel, Rebe’, ’Life on Mars’ y ‘Suffragette City’.

David Bowie
David Bowie con un diseño del japonés Kansai Yamamoto.
Información personal
Nombre real	David Robert Jones
Nacimiento	8 de enero de 1947
Origen	Brixton Londres  Reino Unido
Muerte	Nueva York Estado de Nueva York  Estados Unidos 10 de enero de 2016
Cónyuge	Angela Barnett (1969-1980) Iman (1992-2016)
Hijos	Duncan Jones Alexandria Zahra Jones
Ocupación	Músico, productor, compositor, arreglista
Información artística
Alias	Ziggy Stardust, The Thin White Duke, The Halloween Jack , Aladdin Sane
Género(s)	Rock, proto-punk, Glam rock, Hard rock, Rock experimental, Art rock, Album rock, Dance rock, Blue eyed soul
Período de actividad	1964 – 2016
Discográfica(s)	Deram, RCA, Rykodisc, Virgin, EMI, ISO, Columbia, BMG, Parlophone, Pye, Hanso
Web
Sitio web	www.davidbowie.com

(Brixton, Londres, Inglaterra, Reino Unido, 8-I-1947 — Nueva York, Estado de Nueva York, Estados Unidos de América, 10-I-2016). David Robert Jones. Cantante, músico, saxofonista, compositor, productor, arreglista y actor británico.

Contenido Trayectoria artística Vida familiar Bibliografía Datos biográficos Discografía

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Su temprana muerte con sólo 24 años, al volante de su Porsche que conducía a 160 kilómetros por hora, le convirtió mito. ‘Vive joven, muere joven y serás un hermoso cadáver’, había manifestado James Dean en más de una ocasión. Dean, convertido en ídolo juvenil de calibre, había protagonizado sólo tres películas: Al este del Edén, Rebelde sin causa y Gigante. Esta última, que aún no se había estrenado en el momento del accidente, redondea su trayectoria profesional, poniendo el broche final a un recorrido interpretativo sin parangón