Instauró la denominada Nueva China tras la victoria militar del Ejército Popular de Liberación frente a los nacionalistas del Kuomintang. Su muerte desató una inmediata pugna por el poder que culminó con el arresto de la Banda de los Cuatro y la posterior consolidación de Deng Xiaoping, artífice del proceso de reforma y apertura en la década de 1980.

A medio siglo de su deceso, su figura suscita un notable interés sociológico en las nuevas generaciones urbanas y académicas chinas. Distanciados temporalmente de las turbulencias de su mandato, diversos sectores juveniles acuden a sus ensayos teóricos para articular respuestas ante la creciente incertidumbre laboral, la desaceleración del crecimiento y las desigualdades estructurales del mercado contemporáneo.

Balance historiográfico del mandato

La valoración histórica del mandato de Mao se encuentra condicionada por la divergencia entre su papel como unificador nacional y los costes humanos de sus principales campañas:

• Fundación y soberanía nacional: Supuso la salida de décadas de guerras civiles e invasión extranjera, estableciendo un Estado centralizado y extendiendo coberturas básicas en alfabetización y sanidad rural.
• El Gran Salto Adelante (1958-1962): Programa masivo de colectivización forzosa e industrialización acelerada que colapsó la producción agrícola y desencadenó una hambruna con estimaciones de entre 30 y 45 millones de víctimas.
• La Revolución Cultural (1966-1976): Campaña de movilización ideológica y purgas políticas internas que dejó cerca de dos millones de fallecidos, decenas de millones de represaliados y una severa destrucción del patrimonio material e inmaterial del país.

Canonización ideológica y continuidad estatal

El tratamiento oficial de su figura quedó consolidado en 1981 mediante la resolución del Comité Central del Partido Comunista de China sobre la historia del partido, la cual dictaminó formalmente que sus méritos históricos superaban ampliamente a sus errores. Este consenso pragmático permitió al Estado transformar su estructura productiva hacia una economía de mercado global sin desmantelar la base jurídica y simbólica del régimen.

En el marco conmemorativo del cincuentenario, la administración de Xi Jinping ha integrado el legado de Mao en una narrativa evolutiva tripartita: la etapa de emancipación y soberanía bajo Mao, la modernización material con Deng Xiaoping y la consolidación como potencia hegemónica multilateral en la era actual.

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Su popularidad conquistó a millones durante generaciones y atravesó algunas de las divisiones culturales y políticas más profundas de las últimas décadas, mientras ella lograba la difícil hazaña de hablar de los temas que le importaban sin dejarse arrastrar por la política partidista en un país cada vez más polarizado.

Dolly Parton construyó, a lo largo de más de seis décadas, una de las trayectorias más completas y duraderas del entretenimiento estadounidense: cantante, compositora, actriz, productora, escritora y empresaria, con más de 100 millones de discos vendidos en todo el mundo.wikipedia

Los inicios y el ascenso musical

Parton publicó su primer álbum en 1967 y, poco después, saltó a la fama gracias a su colaboración con el también cantante de country Porter Wagoner en la televisión y los escenarios durante los años sesenta. Esa exposición televisiva le dio la base para lanzarse en solitario y consolidarse como compositora, un oficio en el que dejó una huella descomunal: escribió más de 3.000 canciones a lo largo de su vida.wikipedia+3

Entre sus composiciones más emblemáticas figuran Coat of Many Colors, Jolene y, sobre todo, I Will Always Love You, tema que ella misma llevó al número uno de las listas country en dos ocasiones distintas —en 1974 y de nuevo en 1982, tras aparecer en la película The Best Little Whorehouse in Texas—, convirtiéndose en la primera artista en lograr el número uno dos veces con la misma canción. Años más tarde, esa misma pieza se transformaría en un fenómeno global gracias a la versión de Whitney Houston, que vendió 40 millones de copias en todo el mundo.wikipedia+1

En 1977, su álbum Here You Come Again marcó su gran cruce hacia el pop mainstream y le valió su primer Grammy. A lo largo de su carrera acumuló 49 álbumes de estudio, 41 discos situados en el Top 10 de las listas country —un récord para cualquier artista— y 25 canciones número uno en las listas country de Billboard, marca que comparte con Reba McEntire como la más alta entre artistas femeninas.wikipedia+2

El salto a Hollywood

Parton debutó en el cine en 1980 con 9 to 5 (Cómo eliminar a su jefe), una comedia satírica sobre las reivindicaciones salariales de un grupo de secretarias que reflejaba su propia filosofía sobre la igualdad laboral. La cinta, protagonizada junto a Jane Fonda y Lily Tomlin, fue un éxito rotundo, y el tema homónimo que compuso para la banda sonora se convirtió en un himno feminista, además de darle su primera nominación al Oscar.elespanol+1

Ese debut abrió la puerta a una carrera cinematográfica constante: coprotagonizó The Best Little Whorehouse in Texas (1982), Rhinestone (1984) junto a Sylvester Stallone, Steel Magnolias (1989) —uno de sus papeles más aclamados, junto a Julia Roberts y Sally Field—, Straight Talk (1992) y Joyful Noise (2012), entre otras. En total, fue nominada dos veces al Oscar y varias más al Globo de Oro.wikipedia+2

Un imperio propio: Dollywood y los negocios

En 1986, Parton cumplió uno de sus sueños más personales al abrir Dollywood, su propio parque temático en Pigeon Forge, Tennessee, situado en la base de las Great Smoky Mountains, muy cerca de donde había crecido. El parque, construido sobre el emplazamiento de una atracción anterior llamada Rebel Railroad, se convirtió con los años en el eje de un pequeño imperio de ocio que incluye hoteles, un parque acuático y otras atracciones, y que hoy sigue siendo uno de los destinos turísticos más visitados de Tennessee.biography+2

Su instinto empresarial no se limitó al entretenimiento: también incursionó en la escritura de libros, la producción musical y televisiva, y diversas iniciativas filantrópicas, entre ellas su célebre programa de alfabetización infantil, que distribuye libros gratuitos a niños de todo el mundo.

Una carrera sin bandera política

Parton, quien deja canciones como Jolene, I Will Always Love You y 9 to 5, y más de 100 millones de discos vendidos, tuvo una carrera de más de seis décadas como una de las figuras más conocidas de la cultura estadounidense, durante las cuales nunca se tiñó de rojo republicano o azul demócrata, pero tampoco se quedó callada. Nació en 1946 en las montañas de Tennessee, en una familia de 12 hermanos que ella misma describió como extremadamente pobre, y llegó hasta los mayores escenarios y Hollywood para construir un imperio alrededor de su nombre.

A lo largo de su carrera, la artista se negó rotundamente a elegir entre republicanos y demócratas o a respaldar candidatos, asegurando que tenía seguidores de todo el espectro político y que ella no era quién para decirles cómo votar o pensar. «Todo el mundo sabe que yo no hago política», dijo en 2017, a raíz de una polémica aparición en los premios Emmy junto a Jane Fonda y Lily Tomlin, sus compañeras de reparto en 9 to 5 (1980). Ambas lanzaron críticas interpretadas como dirigidas a Donald Trump —Fonda habló de un jefe «sexista, egocéntrico, mentiroso e hipócrita» y Tomlin remató que aún se negaban a ser controladas por alguien así—, a las que Parton evitó sumarse.

Dos años más tarde, en una entrevista con The Guardian, explicó su filosofía: «Si tengo algo que decir, lo diré, pero no quiero que me arrastren a ello». Reconoció que tenía opiniones políticas, pero prefería no difundirlas si eso significaba perder la mitad de su público. «Respeto demasiado a mi público», dijo, añadiendo que un artista podía «arruinar una carrera por hablar».

Mantener esa línea no siempre fue sencillo. En 2016, en plena contienda entre Hillary Clinton y Trump, dijo a The New York Times que Clinton estaba «muy calificada» y que la apoyaría si ganaba, comentario que varios medios interpretaron como un respaldo demócrata. Parton emitió después un comunicado aclarando que no había respaldado a ningún candidato y que su frase había sido sacada de contexto.

Esa misma cautela la llevó a rechazar, hasta en tres ocasiones, la Medalla Presidencial de la Libertad: dos veces ofrecida por la primera Administración Trump —declinada por la enfermedad de su marido y luego por la pandemia— y una tercera por la Administración Biden en 2021. «Ahora siento que, si la acepto, estaré haciendo política», explicó en el programa Today. Nunca recibió la medalla. El martes, tras conocerse su muerte, Trump ordenó mantener la bandera a media asta en la Casa Blanca en su honor.

Posiciones firmes en temas sociales

Pese a su aversión a vincularse con un partido, Parton fue clara en causas concretas:

• Matrimonio igualitario: lo apoyó incluso antes de que el Tribunal Supremo lo reconociera. «Simplemente amo a todo el mundo por lo que es. No se supone que debamos intentar cambiar a las personas. Debemos permitirles ser quienes son y amarlas como son», dijo.
• Derechos trans: cuando surgieron leyes sobre qué baños podían usar las personas transgénero, afirmó que todos debían ser tratados con respeto: «No juzgo a las personas. Espero que todo el mundo tenga la oportunidad de ser quien es».
• Racismo: en 2020, tras la muerte de George Floyd, dijo a Billboard que «por supuesto que las vidas negras importan. Todo el mundo importa». Ese mismo año eliminó la palabra «Dixie» del nombre de uno de sus espectáculos por su asociación con los confederados.
• Igualdad de género: se definió feminista en el sentido de apoyar a las mujeres, aunque aclaró que no iba a marchar ni a ponerse «una etiqueta». Defendió el principio de «igual salario por igual trabajo».

Quizás su declaración más contundente llegó en clave musical, con el tema World on Fire (2023), que critica a los «políticos codiciosos, presentes y pasados»: «Yo no soy de hablar mucho ni de alzar la voz, pero eso no significa que no esté al tanto (…) ¿Cómo podemos sanar esta gran división? ¿Nos importa lo suficiente como para intentarlo?». Cuando le preguntaron a qué político se refería, respondió que «a todos», y lamentó que muchos se preocuparan más «por el partido que por la gente». Aun así, insistió en que no era un tema partidista: «No soy política. Odio la política».

Los últimos meses

La salud de Parton se había deteriorado visiblemente en el último año, coincidiendo con la muerte de su esposo, Carl Dean, en marzo de 2025, tras 60 años juntos. En septiembre de 2025 pospuso una serie de conciertos en Las Vegas por problemas de salud no especificados, y en mayo había hablado de «cálculos renales» y problemas en sus sistemas inmunológico y digestivo. Esa misma situación le impidió asistir en persona a los Premios de los Gobernadores de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas, donde recibió un Oscar honorífico que aceptó mediante un mensaje grabado.

Poco más de una semana antes de morir, faltó a una presentación programada en Dollywood, el parque temático que construyó cerca de su ciudad natal, alegando mareos y deshidratación. Días antes de su fallecimiento declaró a People: «Todavía tengo muchas cosas que quiero lograr, así que voy a seguir trabajando todo el tiempo que pueda para verlas hacerse realidad».

Su sobrino Bryan Seaver, hijo de Cassie Parton y jefe de seguridad de la cantante, confirmó la noticia en un vídeo publicado en el Instagram de la artista, cumpliendo su deseo expreso de anunciarlo así: «Dolly vivió en la luz y está en los brazos de Jesús, donde seguramente la recibirán Carl, sus padres y muchísimas otras personas que la cuidaron y anhelaron encontrarse con ella en el cielo»

El enigma de su origen: una fecha histórica

Durante décadas, la fecha de nacimiento de Louis Armstrong fue objeto de debate y confusión. Si bien el músico celebró durante toda su vida el 4 de julio, investigaciones históricas posteriores, basadas en documentos de la Iglesia católica de Nueva Orleans, establecieron que su nacimiento ocurrió el 4 de agosto de 1901. Este detalle, aunque técnico, subraya cómo incluso los aspectos más personales de su vida han sido objeto de un escrutinio que busca honrar la veracidad histórica de una figura de tal magnitud. El Louis Armstrong House Museum, por ejemplo, reconoce ambas fechas, manteniendo viva la dualidad entre la tradición que él mismo abrazó y la realidad documental confirmada por los historiadores.

Infancia y formación en Nueva Orleans

Nacido en el seno de una familia sumida en la pobreza extrema en un barrio marginal de Nueva Orleans, la infancia de Armstrong estuvo lejos de los privilegios. A la edad de seis años, ya se encontraba cantando en las calles junto a un grupo de amigos para obtener ingresos, una experiencia que forjó su carácter y su capacidad para conectar con el público desde una edad muy temprana. Su formación musical no provino de conservatorios tradicionales, sino de la vibrante y cruda realidad de las calles de Nueva Orleans, donde la música era una forma de supervivencia y expresión comunitaria. Esta falta de educación formal no fue un impedimento, sino el catalizador de un estilo auténtico, libre de ataduras académicas, que le permitió revolucionar el jazz desde sus cimientos.

La revolución del lenguaje musical

La influencia de Armstrong en el jazz es absoluta. Según expertos y músicos de diversas generaciones, él no solo fue un trompetista virtuoso, sino el arquitecto del lenguaje moderno del género. Su contribución se puede desglosar en varios pilares fundamentales:

El dominio de la trompeta y la improvisación

Ricky Riccardi, una autoridad en la vida y obra del músico, señala que Armstrong creó el lenguaje fundacional del jazz. A través de su trompeta, estableció el modelo definitivo de cómo ejecutar un solo, cómo improvisar con coherencia y, sobre todo, cómo narrar una historia emocional a través de un instrumento. Antes de Armstrong, el jazz era, en gran medida, una música de conjunto; tras su irrupción, el solista pasó a ocupar el centro de la escena, permitiendo una libertad creativa que definió el género para las décadas venideras.

La voz como instrumento

La voz de Armstrong, inconfundible y cargada de una emotividad única, se convirtió en un sello distintivo que trascendió las fronteras del jazz para alcanzar el éxito masivo. Su capacidad para frasear y su sentido del ritmo no solo influyeron en otros vocalistas, sino que cambiaron la forma en que se interpretaban las canciones populares. Canciones como What a Wonderful World, Hello, Dolly! y La Vie en Rose no son solo éxitos comerciales; son piezas que siguen emocionando a nuevas generaciones y que son objeto de estudio en conservatorios de todo el mundo.

Un legado que trasciende el tiempo

Al cumplirse 125 años de su nacimiento, la relevancia de Louis Armstrong se manifiesta en los múltiples homenajes que se realizan a nivel global, destacando especialmente las celebraciones en Nueva York, ciudad donde falleció en 1971. En eventos como los realizados en el Bronx Music Hall, músicos de la talla de Lou Bruno y Ron Wilkins han reafirmado que la convicción sobre la importancia de Armstrong es compartida por diversas generaciones de artistas.

Innovación y versatilidad

Armstrong fue mucho más que un trompetista; fue un innovador, cantante, compositor y actor. Su capacidad para integrar influencias, incluyendo elementos afrocaribeños, y su habilidad para transformar el swing, lo posicionaron como una figura de influencia inigualable. Pocos músicos en la historia han logrado ejercer un impacto tan profundo en tantas facetas del arte musical. Su estilo, que combina una técnica impecable con una calidez humana inigualable, sigue siendo el estándar de oro para cualquier estudiante de música.

La vigencia de Satchmo en el siglo XXI

A 125 años de su llegada al mundo, el nombre de Louis Armstrong sigue siendo sinónimo de jazz. Su capacidad para convertir el jazz en un lenguaje universal es quizás su logro más perdurable. Mientras que otros estilos musicales han surgido y desaparecido, la obra de Armstrong permanece como una constante, siendo redescubierta por jóvenes músicos que encuentran en sus grabaciones la esencia misma de la improvisación y la expresión artística.

La celebración de este 125 aniversario no es solo un acto de nostalgia, sino una reafirmación de que el jazz, tal como lo conocemos, es impensable sin la figura de Armstrong. Su vida, desde las calles de Nueva Orleans hasta los escenarios más prestigiosos del mundo, es un recordatorio de que el genio puede surgir de los lugares más inesperados y cambiar el curso de la historia cultural.

El gigante que hizo eterno al jazz

Louis Armstrong no solo fue un músico excepcional; fue un visionario que entendió el poder de la música para conectar a las personas. Su maestría con la trompeta y su voz inconfundible crearon un puente entre el jazz tradicional y las nuevas formas de expresión que dominarían el siglo XX. Al mirar hacia atrás, a estos 125 años de historia, queda claro que su legado no está escrito en piedra, sino que es una entidad viva que sigue evolucionando a través de cada músico que decide tomar un instrumento y explorar las posibilidades de la improvisación.

La figura de «Pops» sigue siendo, hoy más que nunca, una luz guía. Su influencia se siente en cada nota de jazz que se toca en cualquier parte del mundo, confirmando que, aunque el hombre nos dejó en 1971, el artista y su música son, efectivamente, eternos. La historia de Louis Armstrong es la historia del jazz mismo: una narrativa de superación, innovación constante y una búsqueda incesante de la belleza a través del sonido.

Antoni Gaudí, maestro de la arquitectura from JA enciclo on MZE Zoomin

La Trágica Muerte de un Genio (1926)

Antoni Gaudí falleció el 10 de junio de 1926 a los 73 años de edad. Su muerte fue el desenlace de un trágico accidente ocurrido tres días antes, el 7 de junio. Mientras el arquitecto se dirigía a su misa diaria en la iglesia de San Felipe Neri, fue atropellado por un tranvía en la Gran Via de les Corts Catalanes, entre las calles Bailèn y Girona.

Debido a su apariencia humilde y descuidada, Gaudí no fue reconocido inicialmente y fue confundido con un mendigo, lo que retrasó la atención médica adecuada. Tras su traslado al Hospital de la Santa Cruz, el arquitecto recibió los últimos sacramentos y falleció acompañado de sus colaboradores, entre ellos el padre Gil Parés y el arquitecto Domènec Sugranyes, quienes finalmente consiguieron identificarlo. Su entierro, celebrado el 12 de junio de 1926, fue una manifestación masiva de duelo ciudadano, siendo sepultado en la cripta de la Sagrada Familia, la obra a la que dedicó los últimos años de su vida con absoluta entrega.

El Centenario: 2026 como Año de Conmemoración

El año 2026 se ha consolidado como un periodo de intensa actividad cultural, religiosa y arquitectónica en Barcelona. La conmemoración del centenario ha sido organizada a través de una amplia programación que busca honrar el legado de Gaudí, involucrando a instituciones, museos y a la propia ciudadanía.

La Sagrada Familia en el Centro de los Actos

La Basílica de la Sagrada Familia es el epicentro de las celebraciones. Los actos conmemorativos, que comenzaron a articularse desde finales de 2025, incluyen una serie de eventos que subrayan la vigencia de la visión arquitectónica y espiritual de Gaudí. Entre las actividades más destacadas se encuentran:

Misa Solemne del Centenario: El 10 de junio de 2026, fecha exacta del centenario, se celebra una misa solemne en la Basílica, un acto que cuenta con una relevancia internacional sin precedentes.

Visita Papal: La conmemoración adquiere un carácter histórico con la presencia del papa León XIV, quien preside la misa solemne y realiza la bendición de la Torre de Jesucristo.

Programación Cultural: Se han organizado más de 70 actividades, incluyendo conferencias, conciertos del Orfeó Català y exposiciones multimedia que exploran la genialidad de Gaudí, su fe y su capacidad para integrar la naturaleza y las matemáticas en la arquitectura.

La Culminación de la Torre de Jesucristo

Uno de los aspectos más significativos de este centenario es el avance en la construcción de la Sagrada Familia, que se acerca a su fase final tras 144 años de trabajo. La culminación de la Torre de Jesucristo es el símbolo principal de este aniversario.

Hito Arquitectónico: Con una altura de 172,5 metros, la torre central convierte a la Sagrada Familia en la iglesia más alta del mundo, superando a la catedral de Ulm.

Simbolismo: Gaudí diseñó la torre con una altura ligeramente inferior a la montaña de Montjuïc, bajo la premisa de que ninguna obra humana debía superar la obra divina. La finalización de esta estructura representa el cumplimiento de una parte fundamental del proyecto original del arquitecto.

Estado de las Obras: Para junio de 2026, se ha previsto la retirada de los andamios de la torre central, permitiendo que la silueta del templo se muestre en su esplendor conmemorativo.

El Legado de Gaudí un Siglo Después

A cien años de su muerte, la figura de Antoni Gaudí no solo permanece intacta, sino que su influencia se ha globalizado. Las biografías publicadas recientemente y el interés académico creciente demuestran que la curiosidad por entender al «genio o loco» que ideó la Sagrada Familia sigue vigente.

El centenario funciona como un puente entre el pasado y el futuro. Mientras Barcelona rinde homenaje a su arquitecto más universal, la Sagrada Familia continúa su proceso de construcción, manteniendo viva la esencia de un hombre que, según sus contemporáneos, luchó por sus ideales hasta el final. La conmemoración de 2026 no es solo un cierre de ciclo, sino una reafirmación de que la obra de Gaudí sigue siendo una «piedra angular» del arte y la arquitectura mundial, capaz de fascinar a nuevas generaciones un siglo después de su partida.

En conclusión, el centenario de la muerte de Antoni Gaudí es una oportunidad para que Barcelona y el mundo reconozcan la magnitud del legado de un hombre que transformó la arquitectura mediante la observación de la naturaleza y una fe inquebrantable, dejando en la Sagrada Familia un testimonio eterno que, a pesar de los años, sigue creciendo y evolucionando.

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Nacido en 1942 en una familia burguesa lisboeta, vivió bajo la sombra de un padre médico, autoritario y culto, cuya figura dejó una huella indeleble en su obra. Aquellos conflictos domésticos, sumados a la experiencia traumática de la guerra de Angola —a donde fue enviado como alférez entre 1971 y 1973—, marcaron para siempre su visión del mundo. “Allí aprendí que no era el centro del mundo y que existían los otros”, recordaría años después.

De aquel infierno surgirían sus primeros libros mayores, Os Cus de Judas y Memoria de elefante, publicados tras la caída del régimen salazarista. En ellos están ya todos sus temas: la culpa, la descomposición moral, la imposibilidad de olvidar. También el tono torrencial y confesional de una prosa que convierte el monólogo interior en una sinfonía del desengaño.

A lo largo de su obra —que abarca novelas, crónicas y ensayos—, Lobo Antunes retrató como nadie el Portugal poscolonial, sus fantasmas y sus contradicciones. En títulos como Fado alejandrino (1983), monumental fresco sobre el desarraigo de los veteranos de guerra, alcanzó una densidad comparable a la de sus grandes maestros europeos. Su literatura, exigente y lúcida, se alimentó de la memoria personal y colectiva, y de una lucidez tan clínica como poética.

Su último libro, O tamanho do mundo (2022), cerraba una vida entregada a la escritura con la misma intensidad con la que vivió. En España, Random House publicó La última puerta antes de la noche, un thriller psicológico basado en un crimen real, que revelaba una vez más su capacidad para explorar los abismos de la mente humana.

Pese a ser considerado “eterno candidato”, la Academia Sueca nunca le otorgó el Nobel de Literatura—un agravio que agranda la lista de olvidos hacia la lengua portuguesa, apenas reconocida con el premio concedido a José Saramago en 1998. La rivalidad entre ambos escritores, tan célebre como irreconciliable, dividió durante años a los lectores lusos como si de hinchas de fútbol se tratara.

Lobo Antunes sobrevivió a tres cánceres y nunca perdió el pulso del descreído. Decía que solo valía la pena el amor y la amistad, “porque el resto es una mierda”. Con su muerte se apaga una de las conciencias más feroces y compasivas de la literatura europea. Le faltó el Nobel, sí, pero le sobran razones para la inmortalidad.

Citas más célebres

Estas frases destacan por su intensidad emocional y han sido recopiladas en diversas obras como Os Cus de Judas o Memória de Elefante.

• «No es coraje, es elegancia. Quizá la elegancia es la forma suprema del coraje o el coraje es la forma suprema de elegancia.»
• «Detesto la intimidad de la tristeza, detesto lo que en el miedo existe de untuoso, lo que en la desesperación existe de obsceno.»
• «Vivir es como escribir sin corregir.»
• «El ruido se inicia en el instante en el que las personas se callan y oímos los pensamientos moverse dentro de ellas como las piezas, que intentan ajustarse, de un motor averiado.»​
• «Comeré besos como quien come sopa, y palitaré las encías al final para extraer de los molares restos incómodos de ternura.»

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Junto a estos nacimientos, 1926 también marcó la desaparición de personalidades de gran relevancia histórica, como Harry Houdini, el escapista más célebre de todos los tiempos, o Gertrude Bell, exploradora y figura determinante en la configuración política del Oriente Próximo moderno. A nivel colectivo, el año estuvo atravesado por acontecimientos decisivos como la Huelga General británica, que movilizó a millones de trabajadores, el surgimiento de Mercedes-Benz como referente industrial o la aprobación del Código de Trabajo español, hitos que hoy siguen siendo objeto de estudio en los ámbitos de la historia social, económica y tecnológica.

Estas efemérides convierten a 2026 en un año especialmente propicio para la actualización de obras de referencia, materiales educativos y publicaciones académicas, así como para la contextualización histórica de creaciones literarias como La casa de Bernarda Alba, inspirada en la España rural de los años veinte.

Toda esta información, ampliada, documentada y contextualizada, puede consultarse en nuestro amplio repositorio de Mienciclo Plus, un espacio de referencia para el estudio, la divulgación y la preservación del conocimiento cultural e histórico.

Desde Grupo Enciclo apostamos por la reflexión colectiva, la innovación y la creación de estrategias que fortalezcan la formación y el futuro del sector. Las propuestas compartidas en Sevilla dan continuidad a las líneas de trabajo ya abiertas, que estamos seguros se traducirán en resultados sólidos y sostenibles.

Queremos, además, que todas las asociaciones conozcan mejor qué podemos aportar desde el Clúster. Grupo Enciclo es un consorcio de empresas de la industria cultural especializado en contenidos editoriales y culturales digitales en lengua española, con proyectos relevantes también en otras lenguas. Actuamos como un hub editorial y tecnológico que conecta contenidos de referencia con instituciones educativas, culturales y de memoria.

Desarrollamos y gestionamos bases de datos, portales y recursos electrónicos de referencia que reúnen obras de consulta, libros digitales, imágenes, vídeos y otros contenidos destinados a apoyar la educación, la investigación y la documentación. Desarrollamos soluciones digitales especializadas para el sector GLAM (Galerías, Bibliotecas, Archivos y Museos) y sistemas de consulta en línea, basadas en arquitecturas SaaS (Software as a Service). Nuestras plataformas proporcionan acceso confiable, seguro y sostenido en el tiempo a colecciones digitales de carácter editorial y cultural, apoyándose en infraestructuras escalables, protocolos de seguridad de la información y buenas prácticas internacionales para la gestión, preservación y difusión del patrimonio digital.

Impulsamos asimismo proyectos de inteligencia artificial aplicados al sector editorial y a los contenidos culturales, utilizando arquitecturas de tipo RAG (Retrieval-Augmented Generation) y modelos de lenguaje (LLM). Gracias a estos desarrollos hemos creado asistentes y sistemas de consulta semántica que aprovechan nuestros fondos editoriales y documentales de forma segura, trazable y contextualizada, cumpliendo con la Ley de IA de la UE.

Como hub de empresas editoriales y tecnológicas, podemos aportar:

Innovación tecnológica e inteligencia artificial

Buscamos colaborar en la implementación de soluciones de IA generativa (sistemas RAG y LLM) aplicadas a fondos documentales.
Objetivo: desarrollar asistentes inteligentes y buscadores semánticos que permitan interrogar catálogos y archivos de las instituciones asociadas, con respuestas basadas en fuentes fiables y trazables, evitando las “alucinaciones” propias de muchos modelos abiertos. Véase caso de éxito:

Enlace: https://biblioteca.ebiblio.cat/info/authoritas-00748611 y /authoritas/

Transformación digital del patrimonio

Ponemos a disposición nuestra experiencia en digitalización y gestión del conocimiento para proyectos de valorización del patrimonio cultural.
Objetivo: generar sinergias para transformar archivos físicos o fondos digitales estáticos en entornos de conocimiento dinámicos y accesibles, proyectando el valor de la profesión archivística y bibliotecaria en el ecosistema digital actual.

Véase caso de éxito:

Enlace: https://www.flandesenhispania.org/zoomin/home.action

Formación profesional y certificación

Proponemos desarrollar conjuntamente cursos de capacitación y certificaciones sobre el uso y aprovechamiento de las plataformas Mienciclo, avaladas por bibliotecarios y documentalistas. Véase caso de éxito:

Enlace: https://guiasbib.upo.es/mienciclo

Con esta visión compartida, desde Grupo Enciclo reafirmamos nuestro compromiso con el futuro del sector y con el papel clave de las asociaciones y colegios profesionales como motores de innovación, formación y servicio público.

Para ampliar esta información y analizar posibles líneas de colaboración, le invitamos a concertar una reunión a través del siguiente enlace: Formulario Authoritas. Será un gusto atenderle y profundizar en cómo nuestras soluciones pueden adaptarse a sus necesidades institucionales.

Postcat: propuesta del Grupo Enciclo para los miembros de FESABID:

De los sermones infantiles al arte de narrar

Hijo único de una familia presbiteriana escocesa, Stevenson creció escuchando los sermones del púlpito y las historias sombrías de su niñera Alison Cunningham, puritana severa que llenó sus noches de visiones del infierno. Encerrado con frecuencia por culpa de una enfermedad pulmonar que lo acompañaría toda su vida, el pequeño Robert encontró en la imaginación un territorio de libertad. Su madre, minuciosa cronista de su infancia, dejó constancia de aquel niño que jugaba a ser predicador y que convertía las sillas del salón en un improvisado altar.

Aquella temprana mezcla de palabra sagrada y relato fantástico moldeó su vocación. De su delicada salud nació también su necesidad de viajar —al principio por prescripción médica, después por convicción estética— en busca de aire, de luz, de historias.

Un joven díscolo en la niebla de Edimburgo

El estudiante de ingeniería que deseaba su padre se transformó pronto en bohemio incorregible, lector de Daniel Defoe y seguidor de la vida nocturna de los burdeles y tabernas. Stevenson abandonó los planos de faros por las páginas literarias, escandalizó a su familia con su agnosticismo y rompió definitivamente con el destino heredado cuando conoció en Francia a Fanny Van de Grift Osbourne, una mujer americana, independiente, divorciada y diez años mayor que él. Fue su amor y su brújula.

Casados en California en 1880, emprendieron juntos una vida de rutas inciertas. De esa época surgieron libros como The Silverado Squatters y An Inland Voyage, donde el viaje se convierte en metáfora de la existencia.

El mapa del tesoro y el espejo del alma

En un lluvioso invierno escocés, mientras jugaba con su hijastro Lloyd, Stevenson dibujó un mapa que cambiaría para siempre el concepto de la aventura. De aquel dibujo nació La isla del tesoro (1883), epopeya de corsarios, cofres y lealtades ambiguas. Con ella consagró la imagen moderna del pirata: pata de palo, loro al hombro y bandera negra con calavera. Pero, más allá del mito infantil, el libro encierra una meditación sobre la codicia y la pérdida de la inocencia.

Tres años después, en un registro opuesto, vio la luz El extraño caso del Dr. Jekyll y Mr. Hyde (1886). La novela, inspirada en una pesadilla, anticipó intuiciones que Freud formalizaría años más tarde: el desdoblamiento de la personalidad, la lucha entre el impulso reprimido y la moral social. Stevenson, con su prosa precisa y visionaria, descubrió que el verdadero territorio inexplorado no eran los mares, sino la mente humana.

El exilio luminoso de los mares del Sur

A partir de 1888 navegó junto a su familia por las islas del Pacífico a bordo del Casco. Tahití, las Gilbert y finalmente Samoa fueron su horizonte final. En la isla de Upolu levantó su casa, Vailima, y se convirtió en consejero y defensor de los samoanos frente a la codicia colonial europea. Ellos lo llamaron Tuisatala, “narrador de cuentos”.

El 3 de diciembre de 1894, mientras intentaba abrir una botella de vino, sufrió una hemorragia cerebral. Murió a los cuarenta y cuatro años. Los habitantes de Samoa lo llevaron a hombros hasta la cima del monte Vaea, donde reposa con vista al océano que tanto amó. En su tumba se lee el epitafio que él mismo escribió: “Aquí yace donde quiso yacer; de vuelta del mar está el marinero, de vuelta del monte está el cazador”.

Legado de un errante

Robert Louis Stevenson dejó más que relatos de aventuras: dejó una poética de la vida como travesía. En La isla del tesoro enseñó a generaciones enteras a soñar con mapas y horizontes; en Dr. Jekyll y Mr. Hyde reveló el monstruo silencioso que habita en cada ser humano. Entre la tempestad exterior y la tormenta interior, Stevenson fue, en el sentido más profundo, un navegante de las dos almas.

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https://enciclo.enciclo.es/articulo/Robert_Louis_Stevenson

https://ebooks.enciclo.es/articulo/la-isla-del-tesoro

Una obra monumental

El GEM ocupa una superficie total de 500.000 metros cuadrados, el doble del Museo del Louvre y dos veces y media más que el Museo Británico. De ellos, 167.000 metros están edificados, en un espacio situado a tan solo dos kilómetros de las pirámides de Guiza, en la orilla occidental del Nilo. El museo se levanta en plena zona desértica, lo que le concede una sensación de amplitud y majestuosidad difícil de igualar.

Un sueño hecho realidad

El primer ministro egipcio, Mustafa Madbuli, ha descrito la inauguración como “un evento único en todos sus sentidos” y “un sueño que se ha logrado hacer realidad”. Según el mandatario, el GEM representa el mensaje que Egipto desea proyectar al mundo: el orgullo por su herencia milenaria y su capacidad para reinventarse como destino cultural de primer nivel.

La idea del proyecto se remonta a principios de los años noventa, cuando El Cairo destinó más de 47 hectáreas de terreno junto a las pirámides para construir un museo digno de la civilización faraónica.

De la pandemia a la apertura

Aunque la construcción se completó en 2020, en plena crisis del Covid-19, Egipto decidió posponer la inauguración hasta encontrar el momento ideal. Tras años de espera y preparativos, el museo —con un coste estimado de 1.000 millones de dólares— alberga hoy más de 100.000 piezas que abarcan miles de años de historia.

Durante el periodo en que el proyecto permaneció en el limbo, el GEM abrió parcialmente algunas salas, atrayendo la atención del público y de expertos internacionales.

Tutankamón, el protagonista absoluto

La joya de la corona del Gran Museo Egipcio son las galerías dedicadas a Tutankamón, el faraón más famoso del Antiguo Egipto. En más de 7.000 metros cuadrados, se exhibe por primera vez la colección completa del joven rey, con centenares de piezas restauradas y presentadas con tecnología de última generación.

El imponente vestíbulo de Ramsés II

Otro de los grandes atractivos del museo es su Gran Vestíbulo, una amplia recepción a la que se accede por una entrada que evoca la base de una pirámide. El espacio está presidido por una estatua monumental de Ramsés II, de nueve metros de altura y más de 80 toneladas, rescatada de la antigua necrópolis de Menfis.

Un nuevo símbolo del Egipto moderno

La inauguración del GEM marca el cierre de una etapa y el inicio de otra para Egipto. Más que un museo, este espacio monumental representa la culminación del plan maestro de las autoridades egipcias para redefinir el turismo cultural del país y consolidar a Guiza como un epicentro mundial de la historia antigua.

Con su apertura, Egipto no solo abre las puertas de un edificio colosal, sino también las de un futuro en el que su pasado vuelve a brillar con más fuerza que nunca.

En su interior domina el espacio una imponente estatua de Ramsés II, de nueve metros de altura y más de ochenta toneladas de peso.

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¿Es demasiado pronto para medir la dimensión de Mario Vargas Llosa?
La pregunta, lanzada casi al final del homenaje al Nobel peruano, sobrevoló el auditorio del Teatro Municipal de Arequipa este miércoles, durante el Congreso Internacional de la Lengua Española (CILE) celebrado en su ciudad natal. En primera fila, el rey Felipe VI escuchaba junto a escritores, amigos y autoridades las evocaciones de una vida marcada por la precocidad, la ambición intelectual y política, el espíritu aventurero y la constante disposición al debate.

La interrogante la formuló el escritor español Javier Cercas, quien pidió tiempo para valorar la magnitud de una trayectoria tan vasta. Confesó, incluso, que todavía no se atreve a llamarse “amigo” de Vargas Llosa, pese a que el Nobel lo consideraba así. Recordó una columna generosa que el autor de Conversación en La Catedral escribió sobre uno de sus primeros libros en los años noventa: “Esa reseña cambió mi destino: yo tenía poco más de treinta años y me leían mi familia y mis amigos. A esa edad, él ya había publicado al menos tres obras maestras. Su generosidad fue algo que nunca pude corresponder. ¿Amigo? Era más bien como las pirámides, siempre estaba ahí”.

La celebración del CILE en Arequipa cumplió uno de los deseos del propio Vargas Llosa, quien impulsó que la llamada ciudad blanca, donde apenas vivió un año, fuese sede del congreso. El ministro español de Cultura, Ernest Urtasun, destacó que España “le debía un homenaje”, y que hacerlo “en su Arequipa natal es inmejorable”. Recordó además que el escritor vivió en Madrid y Barcelona, donde escribió parte de su obra esencial, y que llegó a obtener la nacionalidad española y a ser miembro de la Real Academia Española.

“Pocos escritores alcanzan semejante reconocimiento en vida”, dijo Ernest Urtasun, Ministro de Cultura de España, quien confesó haber leído sus libros “con pasión, sorpresa y no siempre afinidad, pero nunca con indiferencia”.

La faceta de Vargas Llosa como intelectual público —“quizá el último de su especie”— fue también objeto de reflexión. Se repasó su paso por la política, que lo llevó a postular a la presidencia de Perú, derrotado por Alberto Fujimori, quien acabaría derivando en dictador. Antes había transitado del marxismo juvenil a la socialdemocracia, y de allí hacia un liberalismo cada vez más radical. De admirar a Fidel Castro pasó a simpatizar con Margaret Thatcher.

Su apoyo a figuras controvertidas, como Jair Bolsonaro en Brasil, Javier Milei en Argentina o Keiko Fujimori en Perú, lo mantuvo siempre en el centro del debate público. “Pudo equivocarse, como todos, pero nunca se equivocó a su favor, sino en su contra”, sostuvo Cercas, quien añadió que “si no se hubiera metido en tantos berenjenales, en lugar de ganar el Nobel a los 70 años, lo habría ganado a los 50”.

Luis García Montero, director del Instituto Cervantes, discrepó con la idea de que la militancia política haya ensombrecido su obra. “Nunca convirtió sus novelas en instrumentos ideológicos”, afirmó. Recordó una conversación sobre La llamada de la tribu (2018), ensayo en el que Vargas Llosa reflexiona sobre el pensamiento liberal que lo marcó: “Le dije que parecía más cerca de mis ideas que de las suyas, y me respondió que cuando escribía de literatura, mandaba la literatura”.

Santiago Muñoz Machado, director de la RAE, centró su intervención en el cruce entre política y literatura. Recordó el discurso que el autor pronunció en 1972 al ingresar en la Academia Peruana de la Lengua, dedicado a José María Arguedas, donde ya se intuía su preocupación por los límites entre la realidad y la ficción. Citó también La verdad de las mentiras (1990), donde Vargas Llosa sostiene que solo mintiendo la literatura puede alcanzar la verdad. Y cerró aplicando al propio homenajeado una frase suya sobre García Márquez: “El escritor es un disidente. Escribir novelas es un acto de rebeldía contra la realidad”.

Primeros planos: Túnez, 1938-1957

Nació en Túnez, en 1938, en el seno de una familia siciliana. Su primer recuerdo, solía contar, fue la llegada de los soldados americanos durante la Segunda Guerra Mundial. Fue en las calles tunecinas, cuando un joven cineasta francés, René Vautier, la descubrió casi por casualidad a la salida de la escuela. La invitó a rodar un cortometraje, Les Anneaux d’or, premiado en Berlín, y poco después ganó un concurso de belleza sin haberse presentado conscientemente. El premio era un viaje a la Mostra de Venecia, en 1957. Allí, entre fotógrafos y la proyección de Le notti bianche de Visconti, nació la idea de que quizá estaba destinada al cine, aunque todavía lo negara.

Escena inicial: Roma y el salto a la pantalla, 1958-1962

Con apenas 20 años rodó su primera película, Rufufú (1958), la comedia coral de Monicelli que revolucionó la comedia italiana. Apenas aparecía unos minutos, pero su magnetismo era inmediato. Ella misma confesaba que apenas entendía el italiano del rodaje, pues aún lo hablaba con dificultad, pero su presencia opacaba cualquier duda. Aquel año dio a luz a su primer hijo en secreto, en una historia personal tan dura como silenciada durante décadas. Siguieron títulos que marcaron la nueva ola italiana: Un maldito embrollo (1959), de Germi; El bello Antonio (1960), junto a Mastroianni; Rocco y sus hermanos (1960), con un solemne Alain Delon bajo la dirección de Visconti; y La chica con la maleta (1961), de Zurlini, obra definitiva del melodrama intimista.

El año irrepetible: 1963

Hay años en que una actriz se funde con la historia del cine, y en el caso de Claudia Cardinale fue 1963. Ese año estrenó tres películas que bastarían por sí solas para consagrar una carrera:

• En Ocho y medio, Fellini la hizo casi interpretar a sí misma, luminosa, fresca, deseada por la mirada de Mastroianni.
• En El gatopardo, con Visconti, fue la joven que bailaba el vals final con Lancaster, símbolo elegíaco del fin de una era, a la vez que vivía un romance imposible con Delon.
• Y en La pantera rosa, de Blake Edwards, sedujo al público internacional en clave cómica y abrió para sí misma las puertas de Hollywood.
  Nunca una actriz había filmado al mismo tiempo con dos polos tan opuestos como Fellini y Visconti, rubia en Roma, morena en Sicilia, y a la vez conquistado la comedia americana. Era el triple salto mortal del cine, y ella lo ejecutó con naturalidad.

Entre Europa y Hollywood: finales de los 60 y 70

Cardinale nunca se dejó atrapar del todo por Estados Unidos. Aunque rodó allí producciones notables —Los profesionales (1966), de Richard Brooks; Hasta que llegó su hora (1968), el wéstern definitivo de Sergio Leone— siempre regresaba a Europa, donde encontraba la libertad artística que le interesaba. Fue compañera de reparto de mitos como John Wayne, Connery, Quinn, Holden u Orson Welles. Jamás se sometió al estrellato masculino de Hollywood, manteniendo intacta su independencia.
En España rodó una de las películas más vistas en televisión durante años, Las petroleras (1971), junto a Brigitte Bardot y José Luis López Vázquez, en ese duelo simbólico de BB contra CC que inmortalizó la prensa popular.

Madurez de mito: 80 hasta los 2000

En los años 80 trabajó con Werner Herzog en Fitzcarraldo (1982), donde compartía plano con Klaus Kinski en el delirio amazónico del director alemán. El tiempo la convirtió en referente, siempre renaciendo en distintas cinematografías, incluso en el cine español, con El artista y la modelo (2012), de Fernando Trueba.

Fuera de cámara: vida privada y resistencia

Su vida personal estuvo marcada por relaciones con cineastas —se casó con el productor Franco Cristaldi y más tarde compartió vida con Pasquale Squitieri—, pero permaneció siempre fiel a su independencia. A lo largo de su carrera rechazó a pretendientes legendarios, de Mastroianni a Delon, de Brando a los rumores risueños sobre Chirac. “La palabra indomable me está bien”, dijo cuando su hija tituló su biografía Claudia Cardinale, la indomable.
Porque lo fue: indomable frente a Hollywood, frente a las etiquetas, frente al destino que un concurso de belleza quiso imponerle. Ella lo convirtió en cine.

Plano final

Claudia Cardinale muere en 2025, a los 87 años, dejando detrás más de 130 películas. Fue la actriz que atravesó medio siglo de cine italiano y europeo, del neorrealismo heredado de Visconti al barroquismo de Fellini, de la épica de Leone al romanticismo de Trueba. Con su partida se apaga una luz irrepetible de la gran pantalla, y solo queda en pie Sophia Loren como última representante de aquella generación dorada.
Pero las imágenes permanecen: el vals en el salón de El gatopardo, la sonrisa en Ocho y medio, el duelo en Hasta que llegó su hora. Claudia Cardinale no se va; vuelve a aparecer cada vez que se apagan las luces y se enciende el proyector.

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Redford fue muchas vidas en una: el forajido Sundance Kid de Dos hombres y un destino, el timador carismático de El golpe, el periodista que desnudaba el poder en Todos los hombres del presidente, el solitario navegante de Cuando todo está perdido. Fue también el cineasta que debutó con Gente corriente —ganando el Oscar a la mejor dirección— y que entregó obras como Quiz Show, una de las películas políticas más afiladas de los noventa. Y más allá de las pantallas, fue el hombre que levantó un refugio para el cine independiente en las montañas de Utah: el Instituto y el Festival de Sundance, bautizado en honor a aquel bandido que lo lanzó al estrellato.

Nacido en Santa Mónica en 1936, criado en el valle de San Fernando, Redford soñaba al inicio con ser pintor. Viajó a Europa en busca de bohemia, estudió arte en París y en Italia, y regresó sin sospechar que lo esperaba un destino mayor. Broadway le abrió la puerta con Descalzos en el parque y el cine lo reclamó pronto. No tardó en convertirse en la encarnación del ideal norteamericano, aunque él mismo renegaba de ese físico impecable que lo convirtió en símbolo. “Para mí lo más importante es la historia”, insistía siempre, consciente de que la fama podía convertir a cualquiera en un objeto.

Amigo inseparable de Paul Newman, compañero de Jane Fonda en sus inicios y en sus últimos días de pantalla, Redford se consolidó en los setenta como un pilar de un cine adulto, político y sofisticado: El candidato, Jeremiah Johnson, Tal como éramos, Los tres días del Cóndor. Brilló incluso cuando la Academia lo ignoró como actor: solo una candidatura al Oscar por El golpe.

Paralelamente, construyó una segunda vida como activista: luchó contra autopistas, centrales de carbón y la destrucción del oeste estadounidense. “¿Qué nos va a quedar si seguimos a este ritmo?”, se preguntaba. El medioambiente y la política fueron tan centrales en su biografía como el cine. En 2017, alarmado por los ataques de Trump a la prensa, escribió que la verdad estaba otra vez en peligro, recordando que Todos los hombres del presidente había sido “una película violenta sin disparos, donde las palabras eran las armas”.

Su filmografía posterior alternó tropiezos y destellos, pero siempre quedó la sensación de que Redford sabía envejecer frente a la cámara. En Memorias de África fue pura química romántica; en Una proposición indecente o Spy Game, un astro consciente de su madurez; en The Old Man & The Gun (2018), su despedida anunciada, un forajido con la sonrisa intacta.

Le sobreviven sus hijas Shauna y Amy, y su legado se multiplica: actor icónico, director oscarizado, activista, mecenas de los indies y símbolo cultural de Estados Unidos. Como en la última imagen de Dos hombres y un destino, Robert Redford no se ha rendido a la muerte: ha saltado de lleno hacia la inmortalidad cinematográfica.

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Antonio Vivaldi, el sacerdote violinista

Antonio Vivaldi nació el 4 de marzo de 1678 en Venecia. Fue bautizado provisionalmente en su propia casa “per pericolo di morte” (por peligro de muerte), como consta en una breve nota que describe las dificultades de su nacimiento. Su bautismo oficial se realizó en la iglesia de San Giovanni in Bragora, que todavía se mantiene en pie en la ciudad de los canales. Durante toda su vida, Vivaldi padeció asma, una dolencia que él mismo llamaba “strettezza di petto” (estrechez de pecho).

Pese a esa limitación física, fue ordenado sacerdote y destacó como virtuoso del violín. Su talento y creatividad le llevaron a convertirse en el principal referente musical del Ospedale della Pietà, un orfanato para niñas huérfanas o abandonadas, donde escribió buena parte de sus obras.

Entre sus composiciones más famosas se encuentra Las cuatro estaciones, un conjunto de cuatro conciertos para violín y orquesta que retratan de manera vívida las sensaciones de cada estación del año. En El verano, por ejemplo, describe la furia de una tormenta estival.

Vivaldi murió en Viena, durante la noche del 27 al 28 de julio de 1741, a los 63 años, víctima de una inflamación interna. Falleció en un periodo convulso, en plena Guerra de Sucesión Austríaca, y en la pobreza.

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Johann Sebastian Bach, el genio alemán

Johann Sebastian Bach nació en Eisenach, Alemania, a finales de marzo de 1685, en el seno de una prolífica familia de músicos. Su padre, Johann Ambrosius Bach, era trompetista de la corte y director de los músicos locales; también varios de sus tíos fueron músicos profesionales. Bach nació en una casa que ya no existe, situada junto a la actual Bachhaus Eisenach, hoy convertida en museo y visitada por miles de personas cada año.

Huérfano desde los nueve años, Bach se formó como cantor, violinista y organista. Desde 1700, cuando se trasladó a Luneburgo, desarrolló una intensa carrera que lo llevó a ciudades como Arnstadt, Mühlhausen, Weimar, Köthen —donde compuso obras maestras como los Conciertos de Brandeburgo— y finalmente Leipzig, ciudad en la que residió durante 27 años. Allí trabajó como cantor en la Thomasschule, edificio que sería destruido en los bombardeos de 1944.

Bach falleció el 28 de julio de 1750, a los 65 años. Pasó sus últimos días afectado por una progresiva ceguera, agravada por operaciones de cataratas fallidas que derivaron en una infección mortal.

Así, el mismo día del calendario, pero en años distintos, el mundo perdió a dos de sus más grandes compositores. Sin embargo, su música sigue viva, recordándonos que el verdadero genio trasciende incluso a la muerte.

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El 30 de octubre de 1938, Orson Welles, aún un joven principiante, protagonizó uno de los momentos más memorables de la historia de la radio. A las ocho de la tarde, interrumpió la programación habitual para anunciar una impactante noticia:

“Señoras y señores, interrumpimos nuestro programa de baile para comunicarles una noticia de última hora procedente de la agencia Intercontinental Radio. El profesor Farrel del Observatorio de Mount Jennings de Chicago reporta que se han observado en el planeta Marte algunas explosiones que se dirigen a la Tierra con enorme rapidez… Continuaremos informando.”

Con este falso boletín, Welles adaptó magistralmente la célebre novela de H. G. Wells, La guerra de los mundos, en un formato radiofónico que sonaba tan real que provocó pánico en miles de oyentes. Lo hizo junto a su compañía, Mercury Theatre, desde los estudios de la cadena CBS, demostrando su extraordinaria capacidad para combinar arte, técnica y emoción.

¿Sabías que Orson Welles tuvo una relación muy especial con España?

Visitó en múltiples ocasiones a lo largo de su vida y por el que sintió una profunda admiración, especialmente por su cultura, su gente y, en particular, por la tauromaquia.

Lugares y momentos clave de Orson Welles en España:

Fue tan fuerte su vínculo que sus cenizas fueron enterradas allí, en un pozo de la finca del torero Antonio Ordóñez, en la finca Recreo de San Cayetano.

Primeros viajes (décadas de 1930-1950):

Welles visitó España por primera vez en los años 30 o 40, y quedó fascinado con la tradición taurina. Estableció amistades con toreros como Antonio Ordóñez y Luis Miguel Dominguín.

Rodajes en España: Welles rodó varias películas o partes de ellas en territorio español:

1.- Mr. Arkadin (1955): rodada parcialmente en Madrid y otras localizaciones españolas.

2.- Campanadas a medianoche (Chimes at Midnight, 1965): rodada en Ávila, Segovia, Cardona y Colmenar Viejo.

3.- Don Quijote (proyecto inconcluso): filmado en varias localizaciones españolas durante los años 50 y 60.

Durante estos rodajes vivió largas temporadas en el país, especialmente en Madrid y Andalucía.

Amor por Ronda (Málaga): Orson Welles amaba Ronda, ciudad andaluza famosa por su plaza de toros y su paisaje dramático. La consideraba uno de sus lugares favoritos en el mundo.

Origen y evolución del Día del Libro

La iniciativa de dedicar un día al año a la celebración del libro nació gracias al escritor valenciano Vicente Clavel. En 1923, presentó su propuesta a la Cámara Oficial del Libro de Barcelona, con el objetivo de establecer una festividad en honor a la lectura. Dos años más tarde, Clavel volvió a impulsar la idea en Cataluña e inició gestiones similares en Madrid.

El esfuerzo dio fruto el 6 de febrero de 1926, cuando el rey Alfonso XIII firmó un Real Decreto que establecía el 7 de octubre como la fecha oficial para celebrar el nacimiento de Miguel de Cervantes, consagrando así una fiesta dedicada al libro español.

Durante casi cinco años, la festividad se mantuvo en esa fecha. Sin embargo, pronto surgieron críticas sobre la elección del día. Por un lado, no se conoce con certeza la fecha exacta del nacimiento de Cervantes. Por otro, al tratarse de una celebración con actividades al aire libre, el clima otoñal no era el más adecuado. La primavera, con mejor tiempo, se percibía como una opción más favorable.

El cambio de fecha: del 7 de octubre al 23 de abril

Finalmente, en 1930, se decidió trasladar la celebración al 23 de abril, fecha que desde entonces se mantiene. A partir de ese momento, comenzaron a consolidarse tradiciones como la publicación de novedades editoriales y la firma de libros por parte de los autores, costumbres que siguen vivas hoy en día.

Décadas después, en 1995, el gobierno español presentó ante la UNESCO una propuesta respaldada por la Unión Internacional de Editores para que el 23 de abril fuese reconocido como el Día Mundial del Libro. La iniciativa fue aprobada ese mismo año.

Posteriormente, la UNESCO lanzó una nueva propuesta vinculada al mundo literario: la designación anual de una ciudad como Capital Mundial del Libro. Esta elección la realizan conjuntamente la Unión Internacional de Editores, la Federación Internacional de Libreros y la Federación Internacional de Asociaciones de Bibliotecarios y Bibliotecas. La primera ciudad en recibir este reconocimiento fue Madrid, en 2001. En 2023, la capital elegida fue Accra, en Ghana.

La Diada de Sant Jordi: tradición y cultura en Cataluña

Coincidiendo con el Día Mundial del Libro, en Cataluña se celebra cada 23 de abril una de sus festividades más emblemáticas: la Diada de Sant Jordi. Esta jornada une literatura, amor y cultura en una tradición profundamente arraigada que convierte las calles en un auténtico escaparate de libros y rosas.

Inspirada en la leyenda de Sant Jordi —el caballero que venció al dragón para salvar a la princesa—, la costumbre dicta que los hombres regalen una rosa a las mujeres, y que ellas correspondan con un libro. Sin embargo, en la actualidad, este intercambio se ha convertido en un gesto mutuo, donde todos regalan y reciben tanto libros como flores, sin distinción de género.

La Diada es mucho más que una fiesta literaria: es una celebración del civismo, del amor por la lectura y de la identidad catalana. Librerías, editoriales y autores llenan las plazas con firmas, lecturas públicas y actividades culturales, mientras que las floristerías tiñen de rojo y verde cada rincón con miles de rosas.

La coincidencia con el Día Mundial del Libro refuerza el simbolismo de la fecha, que en Cataluña se vive con especial intensidad, convirtiendo a la Diada de Sant Jordi en una de las manifestaciones culturales más bellas y singulares del calendario europeo.

Lima, Madrid, París, Londres y Barcelona forman la cartografía vital de un hombre al que le iba como un guante la etiqueta de escritor universal. Mario Vargas Llosa, nacido en Arequipa en 1936, fue uno de los grandes narradores de la lengua española, figura clave del llamado “Boom latinoamericano”, junto a Gabriel García Márquez, Julio Cortázar y Carlos Fuentes. Su obra se tradujo a más de 30 idiomas y su legado trasciende fronteras, géneros y generaciones.

Bebió de todas las fuentes y participó en todos los debates. Si su maestro literario fue Flaubert —del que aprendió que adonde no llega el talento, llega el esfuerzo—, su primer referente ideológico fue Jean-Paul Sartre. Con el tiempo bromearía con su apodo de juventud —el sartrecillo valiente—, pero durante años creyó ciegamente en el compromiso del escritor a la manera teorizada por el filósofo francés. La muerte ha truncado su último proyecto literario: un ensayo sobre su propia obra.

Vargas Llosa debutó en la narrativa con La ciudad y los perros (1963), una novela que revolucionó la literatura hispanoamericana por su estilo innovador y su crítica feroz al autoritarismo. La obra, basada en su experiencia en el Colegio Militar Leoncio Prado, fue censurada y quemada públicamente en Perú, lo que solo aumentó su notoriedad. Le siguieron títulos fundamentales como La casa verde, Pantaleón y las visitadoras o La guerra del fin del mundo, en los que combinó ambición formal y profundidad social.

En 1971, a raíz del caso Padilla, rompió con la revolución cubana —otro de sus fervores juveniles— y con el comunismo. A partir de entonces, sus influencias soplaron desde la orilla opuesta: un liberalismo político forjado por pensadores como Karl Popper, Isaiah Berlin o Raymond Aron, que en lo económico se tradujo en el neoliberalismo de Margaret Thatcher, cabeza visible de la revolución conservadora que triunfó en los años ochenta del siglo XX y tuvo su momento icónico en la caída del Muro de Berlín. Esta evolución ideológica le granjeó admiración y rechazo a partes iguales, y nunca rehuyó el conflicto.

En 1990, decidió llevar su pensamiento político a la práctica: fue candidato a la presidencia del Perú por el Frente Democrático (FREDEMO). Su propuesta liberal fue derrotada en segunda vuelta por Alberto Fujimori, cuya posterior deriva autoritaria Vargas Llosa denunciaría con firmeza. Tras la derrota, se instaló definitivamente en Europa, primero en Londres y luego en Madrid, donde obtuvo la nacionalidad española en 1993.

En posesión de todos los galardones posibles —del Cervantes al Nobel, pasando por el Príncipe de Asturias, el Rómulo Gallegos y hasta el Planeta—, Mario Vargas Llosa fue miembro de la Real Academia Española (sillón L), corporación en la que ingresó en 1996 con un discurso sobre Azorín al que respondió Camilo José Cela. En noviembre de 2021 se convirtió también en uno de los “inmortales” de la Académie Française, pese a no haber escrito una sola línea en la lengua de Molière. “Yo aspiraba secretamente a ser un escritor francés”, dijo en febrero de 2023 al comenzar su discurso de ingreso, en una ceremonia a la que acudió el rey Juan Carlos.

En su vida personal, mantuvo relaciones de alto perfil mediático. Su matrimonio con Patricia Llosa, prima hermana y madre de sus tres hijos, fue una unión larga que terminó con su sonada relación con Isabel Preysler, figura pública española con la que compartió más de siete años. Esta etapa de exposición marcó un contraste con la discreción que había mantenido durante décadas. No obstante, jamás dejó de escribir, incluso cuando el foco mediático apuntaba más a su vida sentimental que a su obra.

Acostumbrado desde joven a acumular distinciones, siempre dijo que su gran objetivo era no convertirse en estatua. En 2019, cuando parecía que ya no escribiría nada a la altura de sus grandes novelas, publicó la soberbia Tiempos recios, basada en la intervención de la CIA para derrocar —en 1954 y con falsas acusaciones de comunismo radical— al Gobierno tibiamente socialdemócrata de Jacobo Árbenz en Guatemala. La obra se cierra con un párrafo en el que Vargas Llosa, anticastrista acérrimo, demostraba que antes que enemigo de Fidel Castro era amigo de la verdad. La lección guatemalteca, reconocía, llevó a la Cuba revolucionaria a aliarse con la Unión Soviética para “blindarse contra las presiones, boicots y posibles agresiones de los Estados Unidos”. En su opinión, “otra hubiera podido ser la historia de Cuba” si EE. UU. hubiera aceptado antes la “modernización y democratización” de la Guatemala ensayada por Árbenz.

Ese reconocimiento fue una de las últimas lecciones intelectuales de un escritor indiscutible al que le encantaba discutir. Y que siempre afrontó el debate ideológico sin rastro de cinismo. Para él, escritura y política siempre fueron dos caras de la misma moneda: la de la libertad individual. A costa incluso de la justicia social. Por eso remató su discurso del Nobel recordando que “las mentiras de la literatura se vuelven verdades a través de nosotros, los lectores transformados, contaminados de anhelos y, por culpa de la ficción, en permanente entredicho con la mediocre realidad”. La lectura, añadió, inocula la rebeldía en el espíritu humano: “Por eso tenemos que seguir soñando, leyendo y escribiendo, la más eficaz manera que hayamos encontrado de aliviar nuestra condición perecedera, de derrotar a la carcoma del tiempo y de convertir en posible lo imposible”. Y en su caso, algo más: ser inmortal para sus lectores.

En su Arequipa natal, donde nació en 1936, también quedó una huella perdurable de su legado. En 2011 se inauguró la Biblioteca Mario Vargas Llosa, un espacio cultural que alberga parte de su archivo personal y donde colaboró el Grupo Enciclo. Esta biblioteca se ha convertido en un punto de referencia para estudiosos de su obra y lectores apasionados, reafirmando la conexión del Nobel con su ciudad de origen.

Mario Vargas Llosa fue mucho más que un novelista magistral: fue un intelectual total, un polemista brillante y un incansable defensor de la democracia liberal y la libertad individual. El escritor que discutió con el mundo participó activamente en todos los debates sociales y políticos de su tiempo, y lo hizo con una voz propia que combinaba un progresismo moral con un firme neoliberalismo económico, una postura que desconcertó —e incluso irritó— a muchos de sus admiradores literarios. Su legado trasciende la ficción: abarca ensayos, artículos periodísticos, obras de teatro y conferencias que lo consagraron como una de las voces más influyentes de la cultura contemporánea.

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Federico Mayor Zaragoza, nacido en Barcelona en 1934, deja una huella indeleble como científico, político y activista. Su vida simbolizó un esfuerzo constante por tender puentes y luchar por la justicia y la igualdad, marcando una época en la historia de España y del mundo.

Doctor en Farmacia, catedrático de Bioquímica y rector de la Universidad de Granada entre 1968 y 1972, Mayor Zaragoza combinó una brillante carrera académica con una vocación de servicio público y compromiso con la paz.

En el ámbito político, desempeñó roles clave durante la Transición española. Fue subsecretario de Educación y Ciencia en el gobierno de Carlos Arias Navarro, diputado por la UCD y más tarde por el CDS, y ministro de Educación y Ciencia entre 1981 y 1982 bajo la presidencia de Leopoldo Calvo-Sotelo. Durante su gestión, se impulsó la creación de universidades y la cooperación científica con Iberoamérica.

Su contribución al ámbito científico fue igualmente notable. Como catedrático, lideró el desarrollo del cribado neonatal y promovió el diagnóstico temprano de trastornos mentales, estableciendo el Plan Nacional de Prevención de la Subnormalidad. También fundó un destacado Centro de Investigación Bioquímica en la Universidad Autónoma de Madrid.

Mayor Zaragoza alcanzó proyección internacional al ser elegido director general de la UNESCO, cargo que ocupó entre 1987 y 1999. Durante este periodo, defendió la libertad de expresión y la autonomía de los medios de comunicación, enfrentándose a tensiones con grandes potencias. Dejó un legado en esta organización como defensor incansable del diálogo intercultural y la cooperación internacional.

En los últimos años, dedicó su energía a promover la paz y los derechos humanos, presidiendo la Fundación para una Cultura de Paz y diversas iniciativas internacionales, como la Comisión Internacional contra la Pena de Muerte. También fue un prolífico escritor, con obras de poesía y ensayo que reflejan su compromiso con los valores universales.

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Nuevas incorporaciones al vocabulario:

Entre las adiciones destacadas se encuentran términos como:

• Espóiler: «Revelación de detalles importantes de la trama o desenlace de una obra de ficción, que reduce o anula el interés de quien aún no los conoce.»
• Dana: Acrónimo de «depresión aislada en niveles altos», que describe un fenómeno atmosférico asociado a intensas precipitaciones.
• Sérum: «Líquido más o menos denso, de efecto reparador, revitalizador, hidratante, usado como cosmético.»
• Teletrabajar: «Trabajar en régimen de teletrabajo.»

Asimismo, se han añadido expresiones como unidad móvil, zona de confort y voto de castigo, todas ellas ya consolidadas en el uso cotidiano.

Ampliación de significados

Algunas palabras existentes han visto enriquecido su significado. Por ejemplo:

• Chorreo: Además de «flujo abundante de un líquido», incluye el sentido de «bronca, reprimenda o rapapolvo.»
• Temporada: Ahora también se refiere al «conjunto de episodios de una serie o programa.»

Nuevas palabras de origen técnico y tecnológico

El progreso tecnológico aporta términos como:

• Aerotermia: Tecnología que aprovecha la energía atmosférica para calefacción.
• Escalabilidad: Propiedad de un sistema para crecer y desarrollarse.
• Desarrollador: Persona que concibe o implementa programas informáticos.

En el campo de la salud, se han actualizado definiciones como la de odontología, que ahora incluye la noción de «salud bucal.»

Incorporaciones en gastronomía, música y deportes

La gastronomía incluye términos como:

• Barista: Experto en preparar café.
• Tabulé: Plato de Oriente Próximo elaborado con sémola de trigo y verduras.
• Wasabi: Raíz comestible de origen japonés, conocida por su sabor picante.

En música, se añaden voces como:

• Blusero: Relativo al blues, quien lo compone o interpreta.
• Rapear: Cantar o interpretar a ritmo de rap.
• Indie: Relativo a producciones independientes en música o cine.

En deportes, aparecen palabras como:

• Bicicross: Modalidad deportiva de ciclismo extremo.
• Capoeira: Arte marcial de origen brasileño.

Aportaciones americanas

El carácter panhispánico del DLE queda reflejado en palabras aportadas por academias americanas. Por ejemplo:

• Parrillar (Chile): «Asar en una parrilla.»
• Azotehuela (México): «Patio interior de una vivienda.»

Mejoras en la versión digital

La página web del DLE ha sido renovada para mejorar su funcionalidad y atractivo visual. Se han incrementado el tamaño de la tipografía, reorganizado los contenidos y facilitado la navegación. Destaca la inclusión de enlaces a aplicaciones móviles para acceder al diccionario desde dispositivos portátiles.

Próximos pasos

El director de la RAE, Santiago Muñoz Machado, ha anunciado que la preparación de la 24.ª edición del Diccionario comenzará en 2024 y se espera su publicación en 2026. Esta edición incluirá una versión web mejorada y posiblemente una versión impresa más reducida.

Este conjunto de actualizaciones refuerza el papel del DLE como un referente vivo y dinámico del idioma español.