Influenciado por la espiritualidad oriental y el budismo zen, Tàpies mostró un contraste entre su búsqueda trascendental y su conexión con lo cotidiano. Su obra se caracteriza por rugosidades, rasgaduras, cruces y signos personales. Involucrado en la escena artística desde los años cuarenta, fue cofundador del movimiento Dau al Set, aunque se desvinculó en 1951.

Tàpies se opuso a la dictadura franquista en los años sesenta y setenta, enfrentando incluso la prisión por participar en una asamblea clandestina. Su obra, influida por Picasso, Miró y corrientes como el arte povera y postminimalismo, abordó temas como la condición humana, la ciencia y el dolor.

En 1953, Antoni Tàpies, a los 30 años, entra en una década crucial que abarca hasta 1963. Durante este período, el pintor logra desarrollar su propio lenguaje artístico, obteniendo reconocimiento internacional y liberándose de ser instrumentalizado por el régimen franquista. La exposición «Tàpies a los 30» celebra estos años significativos, conmemorando el 30 aniversario de la fundación dedicada a difundir la extensa obra del artista, fallecido en 2012.

Tàpies experimenta con diversas corrientes, como el surrealismo, durante sus primeros años, pero al llegar a los 30, empieza a esconder formas geométricas abstractas bajo tejidos y cartones. En 1954, desarrolla un lenguaje artístico único que marca su madurez creativa. Sus primeras dudas y búsquedas hasta la consolidación de su estilo. Se destacan obras como «Meditació epicúria,» «Desig,» y «El crit. Groc i violeta» de 1953, donde Tàpies deja huellas de materiales diversos, creando retículas y estrías.

A lo largo de la década, Tàpies experimenta con formas creadas a partir de materiales como arena, tierras de colores y objetos cotidianos. A partir de 1958, sus formatos aumentan en tamaño. Posteriormente, las características cruces, puertas y camas se convierten en protagonistas de su obra.

A partir de 1963, Tàpies experimenta una gran internacionalización de su obra con exposiciones retrospectivas en Alemania, Estados Unidos y Suiza. En este año, también ganó un pleito contra un coleccionista de Barcelona que exhibió sus obras sin permiso en la Tate Gallery de Londres, marcando su distanciamiento del régimen franquista y su compromiso con la protección de su propiedad intelectual.

En los años ochenta, renovó su interés por la tela, y su arte fusionó elementos de occidente y oriente, lo particular y lo universal, ciencia y mística. A pesar de polémicas, como la del calcetín gigante para el MNAC en Barcelona, Tàpies dejó un legado artístico que une lo vulgar y lo sublime en la escena contemporánea. Su fallecimiento el 6 de febrero de 2012, representó la pérdida de un artista polimórfico y completo.

Antoni Tàpies

(Barcelona, España 13-XII-1923 — 6-II-2012). Antoni Tàpies i Puig, marqués de Tàpies. Pintor, escultor y teórico del arte español. Fue uno de los principales exponentes a escala mundial del informalismo y está considerado como uno de los más destacados artistas españoles del siglo XX.

Antoni Tàpìes
Antoni Tàpies i Puig.
Nacimiento	13 de diciembre de 1923 Barcelona  España
Fallecimiento	6 de febrero de 2012 Barcelona  España
Área	Pintor
Movimiento	Informalismo
[http://Antoni Tàpies Página web oficial]

Trayectoria artística y vital

Nació en el seno de una familia de tradición liberal. Estudió en el Colegio de los Escolapios y más tarde cursó la carrera de Derecho, que abandonó para dedicarse al dibujo y a la pintura. Durante la Guerra Civil Española (1936-1939) trabajó algún tiempo en la Generalitat de Catalunya, donde su padre ejercía la abogacía.

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Antoni Tàpies i Puig

(Barcelona, 13-XII-1923 — 6-II-2012). Artista plástico, uno de los grandes maestros de la vanguardia del arte del siglo XX.

Antoni Tàpies i Puig, con poco más de veinte años de edad ya estaba vinculado a los primeros grupos artísticos de posguerra, con una primera inclinación hacia la figuración surrealista y definiendo, posteriormente, un estilo abstracto y matérico por el que se le ha reconocido como uno de los pintores españoles con más fuerza espiritual y proyección internacional.

Introducción

Artista polimórfico y renacentista, nacido en Barcelona en 1923, en el seno de una familia burguesa, culta y catalanista, de gran tradición editorial y bibliófila que él heredará como una parte fundamental de su acervo. Tàpies no ha sido solo un gran pintor y escultor sino un intelectual de primer orden, teórico del arte y coleccionista. En su obra se dan la mano de manera especial occidente y oriente, lo particular y lo universal, ciencia y mística, lo vulgar y lo sublime. El Rey le había otorgado en 2010 el título de marqués.

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Luis Fernando Botero Angulo vio la luz por primera vez el 19 de abril de 1932 en Medellín, Colombia, y desde sus primeros años, manifestó un profundo interés por la tauromaquia. Incluso, gracias a la influencia de un tío, incursionó en clases de toreo. Sin embargo, un incidente relacionado con esta actividad lo llevó a tomar una decisión crucial en su vida: abandonar el ruedo y seguir su verdadera pasión, la pintura.

Este breve paso por la tauromaquia sirvió como inspiración a un joven Luis Fernando, quien a la temprana edad de 14 años, creó lo que sería el primer Botero de la historia. Dos años más tarde, en 1948, comenzó a realizar ilustraciones para el periódico EL COLOMBIANO. En ese mismo año, participó en su primera exposición colectiva en Medellín, denominada «Exposición de Pintores Antioqueños», donde presentó dos de sus óleos.

Botero pasó su infancia en el barrio Boston, donde destacó por su habilidad en el fútbol y su destreza en el baile.

En 1951, Botero se trasladó a Bogotá, donde tuvo la oportunidad de conocer a algunos de los intelectuales más destacados de la época. En esta ciudad, realizó su primera exposición individual en la galería de Leo Matiz y obtuvo el segundo puesto en el IX Salón Nacional de Artistas con su obra «Frente al Mar». Este premio marcó el inicio de una exitosa carrera que se repetiría en varias ocasiones.

Utilizando el dinero ganado por sus logros y la venta de sus primeras obras, Fernando Botero tomó la decisión de viajar a España, donde estudió en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando y se empapó de la obra de maestros universales como Francisco de Goya, Diego Velázquez y Pablo Picasso.

Su travesía europea también lo llevó a Francia e Italia, donde profundizó en las técnicas de los maestros italianos, gracias a la tutela del escritor e historiador estadounidense Bernard Berenson. Posteriormente, exploró México y Washington para enriquecer su visión universal de la pintura y desarrollar su estilo distintivo.

En 1955, contrajo matrimonio con Gloria Zea Hernández, con quien tuvo tres hijos: Fernando, Lina y Juan Carlos. Sin embargo, este matrimonio con la gestora cultural duró cinco años, tras los cuales, Fernando Botero decidió emigrar a Nueva York en busca de un nuevo comienzo. Fue en esta ciudad donde conoció a su nuevo amor, Cecilia Zambrano, con quien tuvo otro hijo, quien lamentablemente falleció en un trágico accidente de tráfico a la temprana edad de cuatro años. Este evento marcó un punto de inflexión en su vida y se tradujo en lo que posiblemente sea su obra más apreciada: «Pedrito Botero».

En ese momento, Botero comenzaba a ganar renombre como escultor y a consolidarse en el mundo del arte. Sus obras, como «Obispo Dormido», una serie sobre el «Niño de Vallecas», la «Apoteosis de Ramón Hoyos» y la «Monalisa de 12 años», encontraron un hogar en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

En 1966, Botero realizó su primera exposición en Europa, en Alemania, y desde entonces, no dejó de exhibir su trabajo en los museos más prestigiosos del mundo. Incluso tuvo el honor de tener sus obras en lugares emblemáticos como los Campos Elíseos de París, la Gran Avenida de Nueva York, el Paseo de Recoletos de Madrid, la Plaza del Comercio de Lisboa y la Plaza de la Señoría en Florencia, así como en las Pirámides de Egipto.

Además de su destacada carrera artística, Botero se hizo famoso por su generosidad, realizando numerosas donaciones a lo largo de su vida, principalmente en beneficio de su ciudad natal, Medellín.

Fernando Botero Angulo

(Medellín, Colombia, 19-IV-1932 — Mónaco, 15-IX-2023). Pintor, escultor y dibujante colombiano.

Fernando Botero Angulo
Fernando Botero Angulo fue un pintor, escultor y dibujante colombiano.
Nombre completo	Fernando Botero
Nacimiento	19 de abril de 1932 Medellín  Colombia
Fallecimiento	15 de septiembre de 2023  Mónaco
Nacionalidad	colombiano
Área	Muralista, escultor, pintor, dibujante
Hijos	cuatro

Biografía

Formación

Sus primeras influencias fueron los muralistas mexicanos Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros y José Clemente Orozco, así como los retablos del barroco colonial. En 1948 realizó su primera exposición colectiva en Medellín. Tres años más tarde marchó a Bogotá, donde entró en contacto con la vanguardia colombiana. En 1952 expuso en la Galería Leo Matiz, donde vendió todos sus cuadros. En ese año recibió el segundo premio en el IX Salón de artistas colombianos, lo que le permitió realizar su primer viaje a Europa. En 1952 llegó a Madrid (España), donde estudió en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, y más tarde en Florencia (Italia), en la Academia San Marco.

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Este 2023. de Nueva York a París, pasando por Málaga y Madrid, 38 grandes instituciones de Europa y Estados Unidos acogerán un amplio programa entorno a Picasso. 2023 será el Año Picasso. Con 42 exposiciones del genio del cubismo, se conmemora el 50 aniversario de la muerte del artista malagueño y ahondando en su figura y su carácter revolucionario. 

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Pablo Ruiz Picasso

(Málaga, 25-X-1881 — Mougins, Francia, 8-IV-1973). Pintor, dibujante, grabador, escultor y ceramista. Hijo de José Ruiz Blasco y María Picasso López, de quien tomó el que sería su nombre artístico.

Trayectoria artística

Primeros años

Su padre, profesor de dibujo en la Escuela de Artes y Oficios de Málaga y conservador del Museo Provincial, le inició en la pintura a los ocho años de edad.

Pablo vivió su infancia malagueña rodeado de mujeres, pues, además de su madre, la muchacha de servicio y sus dos hemanas menores (Lola y Concepción), residieron en su misma casa su abuela Inés y sus tías Eliodora y Eladia.

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Pablo Ruiz Picasso

(Málaga, España, 25-X-1881 — Mougins, Francia, 8-IV-1973). Pintor, escultor, grabador y ceramista español.

Pablo Picasso
Nombre completo	Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Mártir Patricio Clito Ruiz y Picasso.
Nacimiento	25 de octubre de 1881 Málaga  España
Fallecimiento	8 de abril de 1973 Mougins  Francia
Nacionalidad	Española
Área	Pintura, dibujo, escultura, cerámica, grabado
Movimientos	cubismo, surrealismo

Introducción

Está considerado como el más importante artista del s. XX, autor de una obra ingente en diversidad de campos (pintura, escultura, grabado, cerámica, etc.), y que supo captar las distintas tendencias de su época, llevarlas a sus últimas consecuencias e imponer en cada una de sus obras un inequívoco sello de creación personal.

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25 años después, y con más de 18.000 obras de arte expuestas durante este tiempo, la pinacoteca celebra su 25 aniversario con un balance muy positivo para la ciudad vasca y para la cultura europea.

España es uno de los 4 países que tiene el privilegio de contar con un museo Guggenheim. El de Bilbao fue diseñado por el arquitecto norteamericano Frank Gehry, que se inspiró en el puerto de la ciudad para este innovador proyecto. Una obra de arte en sí misma, erigida al borde del río Nervión con vidrio, piedra caliza y titanio. La construcción cuenta con más de 30.000 planchas del metal que cambian de tonalidad según la atmósfera.

Museo Guggenheim de Bilbao

El Museo Guggenheim de Bilbao nació por iniciativa del Gobierno vasco y la Diputación Foral de Vizcaya en noviembre de 1991, con el objetivo de transformar la ciudad económica y culturalmente para incluirla en los circuitos internacionales de arte.

Museo Guggenheim Bilbao
(Guggenheim Bilbao Museoa)
Localización
País	España
Ciudad	Bilbao
Dirección	Avenida Abandoibarra, 2 48001, Bilbao, Vizcaya
Información general
Superficie	24 000 m²
Inauguración	18 de octubre de 1997
Administrador(a)	Fundación Solomon R. Guggenheim
Director(a)	Juan Ignacio Vidarte
Información del edificio
Construcción	1992-1997
Arquitecto(s)	Frank Gehry
Información visitantes
Visitantes/año	530 967 (2021)
Sitio web	http://www.guggenheim-bilbao.eus

Cuenta con una colección permanente de 60 piezas de artistas de la segunda mitad del XX, entre ellos, Robert Rauschenberg, Andy Warhol, Eduardo Chillida, Richard Serra, Mark Rothko, Yves Klein o Antoni Tápies. Se inauguró el 18 de octubre de 1997. En los primeros cinco años, el Guggenheim programó 47 exposiciones, tanto presentaciones de la colección permanente como muestras temporales. En 2002, el museo se autofinanció en un 75% por iniciativa privada y se plasmó en el Programa de Miembros Corporativos del que forman parte 138 empresas. Los «amigos del museo» superan los 14.000. En 2006 registro una afluencia de 1.008.774 visitantes, un 4,52% más que el año anterior.

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© MiEnciclo, 2022

En el ámbito del arte abstracto, la teoría del neoplasticismo del neerlandés Piet Mondrian, basada en el recurso a elementos estéticos de la máxima simplicidad —líneas entrecruzadas, colores sin mezcla, etc.—, ejerció una gran influencia en la pintura, la arquitectura y el diseño gráfico del siglo XX.

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Mondrian era un entusiasta del jazz, la relación que mantuvo con compositores como el teósofo Jakob van Domselaer o el holandés Daniël Ruyneman influyó notablemente en su teoría estética y en su concepción del ritmo visual.

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Cuestiones de contexto: El constructivismo y su legado en occidente… , una vía en la que participaron Domela, Vordemberge-Gildewart y el arquitecto Kiesler.Fig. 3. Piet Mondrian: Cuadro I con negro, rojo, amarillo azul y azul claro, 1921, óleo sobre lienzo, 96 …

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© MiEnciclo, 2022

 Arte abstractoEn pleno apogeo de la realista, apenas mediado el siglo XIX, el gran francés escribía con aguda anticipación: «el será algo que se situará a mitad de camino entre el y la ». Faltaban …(3.055 palabras)

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© MiEnciclo, 2022

Manrique siempre promulgó «el compromiso irrenunciable con el territorio para que no fuera destruido, a eso se le llama activismo y César fue un artista activista»

(Arrecife, Lanzarote, provincia de Las Palmas, 24-IV-1919 — Teguise, Lanzarote, provincia de Las Palmas, 25-IX-1992). César Manrique Cabrera. Pintor y escultor, arquitecto y urbanista.

1 Trayectoria artística

2 Exposiciones

3 Obra en museos

4 Premios y reconocimientos

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Como modisto arriesgó en un momento en el que nadie se atrevía hacerlo y se ganó un puesto en la lista de los diseñadores de moda más importantes del siglo XX, junto a Christian Dior. Fue un gran genio, un visionario de sus tiempos, incluso a día de hoy se le podría llamar feminista, pues veía en la mujer alguien con necesidad de libertad e independencia, pero nunca supo gestionar todo ese éxito.

(Orán, Argelia, 1-VIII-1936 — París, Francia, 1-VI-2008). Diseñador de moda francés.

Yves Henri Donat Dave Mathieu Saint Laurent
Biografía
Nace	1 de agosto de 1936 Orán  Argelia
Muere	1 de junio de 2008 París  Francia
Nacionalidad	Francesa
Maestro	Christian Dior
Premios	Legión de Honor
Trabajos
Christian Dior	1957 – 1958
Christian Dior Couture	1957 – 1958
Yves Saint Laurent Haute Couture	1961 – Primavera 2002
Yves Saint Laurent Rive Gauche	1966 – 1987
Yves Saint Laurent Rive Gauche Menswear	1969 – 1987
francia-parís
Legado
Creaciones importantes	Le Smoking

Contenido Trayectoria profesional Bibliografía Perfil ampliado Puesta en escena Algunas de las claves de la exposición: Ambición de la Alta Costura Estudio Mental / Estudio real La revolución de los géneros Yves Saint Laurent y las mujeres Belle de jour, Catherine Deneuve 1971, La colección del escándalo La feria de los exotismos Homenajes: diálogo con artistas y escritores El último Baile El esmoquin Los colores de Yves Saint Laurent Datos biográficos

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A lo largo de su trayectoria, Joan Miró huyó del academicismo, buscó constantemente una obra global y pura, no adscrita a ningún movimiento determinado, mostró su rebeldía y una gran sensibilidad por los acontecimientos políticos y sociales que lo rodearon. Este contraste de fuerzas lo llevó a crear un lenguaje único y personalísimo, que lo sitúa como uno de los artistas más influyentes del siglo XX.

«No creía en el arte como objeto comercial. De ahí su famosa proclama ‘Hay que asesinar la pintura’, que marca el inicio de los años en los que se concentra esta exposición. Exploró materiales imposibles, grapas, huesos, maderas, mejillones, hizo collages con postales, pintó sobre materiales que no eran lienzos… La crítica de la época le aplaudió pero él dejó de vender y hasta llegó a pasar hambre. Una vez le ofreció a su portera unos dibujos a cambio de un plato de estofado de ciervo. Ella le dio el estofado gratis, y cuando se dio la vuelta, rompió los dibujos.» Joan Punyet Miró

El Miró paisajista va desde la concepción inicial del paisaje hasta la búsqueda de lo esencial, camino de postulados taoístas, de comunión panteísta con la naturaleza. La influencia de uno de sus profesores de la escuela de pintura de la Lonja de Barcelona, el paisajista romántico Modest Urgell (Barcelona, 1839-1919) llevan a Miró a reinterpretar los elementos de Urgell (el horizonte, el sol, la luna y las estrellas) que se disponen de forma concentrada y se despliegan de forma perenne en su pintura y obra gráfica de Miró.

Pintando con las manos, los dedos, Miró creó con una fuerza magnética que le condujo al uso de objetos cotidianos y materiales no artísticos (papel de lija, madera, cuerdas, clavos,…) en un ejercicio de trasgresión plástica. Miró huye del academicismo, a la búsqueda constante de una obra global y pura, no adscrita a ningún movimiento determinado.

Joan Miró i Ferrà
Joan Miró delante de una de sus pinturas.
Nacimiento	20 de abril de 1893 Barcelona Cataluña  España
Fallecimiento	25 de diciembre de 1983, 90 años Palma de Mallorca Islas Baleares  España
Nacionalidad	Española
Área	pintor, escultor, grabador y ceramista
Movimiento	Surrealismo

Barcelona, Comunidad Autónoma de Cataluña, España, 20-IV-1893 — Palma de Mallorca, Islas Baleares, España, 25-XII-1983). Pintor, ilustrador, escultor, grabador, ceramista y dibujante español. Fue una de las figuras más destacadas de las vanguardias artísticas europeas del siglo XX.

Joan Miró

… , el Centro de Estudios de Contemporáneo (Fundación ) de , y en 1981, la Fundación Pilar y Joan Miró, en . Además, y en su afán por experimentar emprendió, en los años setenta, la aventura …

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Joan Miró

… gustaba ninguna de las asignaturas que cursaba, motivo por el que, tiempo después, el propio Miró se describiría como un alumno taciturno, soñador e inadaptado. Únicamente sentía interés por el dibujo …

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Joan Miró

… , el Centro de Estudios de Contemporáneo (Fundación ) de , y en 1981, la Fundación Pilar y Joan Miró, en . Además, y en su afán por experimentar emprendió, en los años setenta, la aventura …

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Junto con contemporáneos como José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros, Rivera se destacó como uno de los defensores más conocidos del muralismo mexicano, un movimiento patrocinado por el estado destinado a exaltar la historia, la cultura y los ideales posrevolucionarios de la nación en gran escala. murales para espacios públicos.

Los artistas y el público en los Estados Unidos fueron particularmente receptivos con el trabajo y las ideas de Rivera. Comenzó a viajar al norte de las fronteras de México con su esposa, la pintora Frida Kahlo, en 1930, y durante los siguientes cinco años completó los principales ciclos de murales en San Francisco, Detroit y Nueva York, convirtiéndose en una verdadera celebridad del arte internacional. En 1931, fue invitado a montar una exposición retrospectiva en el Museo de Arte Moderno, que tenía solo dos años. Rivera creó ocho murales «portátiles» como la pieza central del espectáculo, incluido el líder Emiliano Zapata (1879-1919).

La utopía comunista de Rivera converge con otra utopía, naturista y vitalista: la de la tierra transformada por el trabajo del hombre liberado de explotación, mientras la mujer, dotada de una energía cósmica, en su sexo fecundado por el hombre, es recreadora de la vida. En los frescos de la capilla de la Universidad de Chapingo, con su Canto a la tierra, Rivera plantea la antítesis de una capilla cristiana: la mujer embarazada, la suya, sustituye a la Virgen, en tanto que otra mujer, Tina Modotti, es representada en escenas de sexualidad omnipresente. A partir de 1945, la ideología sobrevive; recordemos la hoy perdida Pesadilla, con Frida Kahlo repartiendo propaganda del Movimiento por la Paz, made in Stalin. Se desvanece en cambio la utopía. El sueño del universo dominado por el Trabajador es sustituido por la amenaza nuclear.

Diego Rivera

(Guanajuato, Estado de Guanajuato, México, 8-XII-1886 — Ciudad de México, México, 24-XI-1957). Diego María de la Concepción Juan Nepomuceno Estanislao de la Rivera y Barrientos Acosta y Rodríguez. Pintor y muralista mexicano.

Diego Rivera
Diego Rivera y Frida Kahlo en 1932, fotografía de Carl van Vechten.
Nombre completo	Diego María de la Concepción Juan Nepomuceno Estanislao de la Rivera y Barrientos Acosta y Rodríguez
Nacimiento	8 de diciembre de 1886 Guanajuato Estado de Guanajuato  México
Fallecimiento	24 de noviembre de 1957 Ciudad de México  México
Nacionalidad	mexicana
Movimiento	Realismo, muralismo

Contenido Introducción Trayectoria vital Estilo y obra Datos biográficos Cronología ampliada Bibliografía

Introducción

Está considerado con David Alfaro Siqueiros y José Clemente Orozco uno de los grandes representantes del muralismo mexicano, estilo que alcanzó su máximo esplendor entre 1920 y 1950.

Su primera formación artística la realiza en la Escuela de Bellas Artes de México, que abandona con el deseo de liberarse de las soluciones académicas que le habían imbuido.

Fue reconocido por su talento artistico que adquirió de manera autodidacta, pues sólo estudió un año en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado La Esmeralda. En 1941, cuando era un niño, ganó el concurso nacional de dibujo infantil, y después obtuvo reconocimientos como el Premio Nacional de Bellas Artes, en 1981, y una década después la Orden de Caballero de las Artes y de las Letras de la República Francesa.

Las obsesiones de Cuevas que aparecen en su obra artística tienen su origen en la infancia. «El mundo de la locura, prostitución, agonizantes, hospitales, submundos, atrajo mi atención en una edad muy temprana. Hay un sentimiento definitivamente trágico de la vida, como decía Unamuno. Es ver la muerte con una profunda angustia existencial, y no con esa alegría juguetona como la ven los mexicanos. El mexicano, como parte de una actitud machista, no quiere entender la muerte como algo aterrador«.

José Luis Cuevas (Ciudad de México, México, 26-II-1934 — 3-VII-2017). Pintor, escultor, ilustrador y litógrafo mexicano.
José Luis Cuevas.
Nacimiento	26 de febrero de 1934 Ciudad de México  México
Fallecimiento	3 de julio de 2017 Ciudad de México  México
Período	Siglos XX-XXI
Área	pintura, grabado, dibujo, ilustración, escultura
Movimiento	expresionismo latinoamericano, neofigurativismo
Artistas relacionados	Vicente Rojo, Pedro Coronel, Juan García Ponce, Manuel Felguérez
Pareja	Bertha Riestra de Cuevas Beatriz del Carmen Bazán
Hijos	Mariana, Ximena y María José
Premios	«Premio Nacional de Bellas Artes» de México (1981)
Página web oficial

 Introducción

La pintura expresionista mexicana tuvo uno de sus más relevantes exponentes en José Luis Cuevas, maestro del dibujo

Leer más: http://enciclo.mienciclo.es/Jos%C3%A9_Luis_Cuevas  © MiEnciclo

Nacido en 1970 en Ronda (Málaga), Diego David Domínguez González ha sido uno de los diseñadores españoles más revolucionarios con su personalísimo estilo.

Desde el principio de su carrera, este artista se caracterizó por diseñar unas prendas muy limpias y ‘minimal’, rozando el surrealismo, que tenían un toque masculino. Sus piezas más clásicas eran las camisas blancas con cuellos abrochados hasta el cuello, camisetas deseables y sudaderas icono. Su interés por la moda le llevó a crear en 2001 la marca David Delfín junto a los hermanos Postigo – Deborah, Diego y Gorka– y su gran amiga y compañera de batallas, Bimba Bosé.

Su objetivo a la hora de diseñar era el de generar emociones, más allá de las tendencias de cada momento. En la pasarela madrileña se consagró como diseñador. En su segundo año recibió el premio a la mejor colección por ‘In loving memory’.

“Llegué a la moda a través de la pintura. En 1999, tras varias exposiciones individuales y colectivas, y después de haber trabajado sobre papel, lienzo, madera o cartón, decidí utilizar prendas militares de segunda mano como nuevo soporte. En ellas encontraba una memoria, una huella. Los nombres de las personas que las habitaron, manchas de grasa, zurcidos…
todo giraba en torno al pensamiento, la vida y la obra (¿no es lo mismo?) del artista alemán Joseph Beuys, y en la que incluía textos escritos con la mano izquierda.

Las editoras de moda y algunas pasarelas emergentes se interesaron por mi trabajo, y aunque no era ese su fin, descubrí un medio fascinante donde plasmar mis inquietudes. Sentí que había encontrado mi lugar como si de un saber no sabido se tratara.”  David Delfin

En 2016 rerecibió el “Premio Nacional de Diseño de Moda” por parte del Ministerio de Cultura “por la audacia, valentía y compromiso social de su obra, con una señalada identidad española”.

En enero de 2016 le detectaron tres tumores cerebrales que le obligaron a centrarse en su salud y a apartarse de manera definitiva de la industria de la moda. David Delfín falleció en Madrid el pasado 3 de junio de 2017, tras luchar durante más de un año contra el cáncer.

Vincent van Gogh
Autorretrato con sombrero de paja (1887), de Vincent Van Gogh. Instituto de las Artes de Detroit.
Nacimiento	30 de marzo de 1853 Zundert  Países Bajos
Fallecimiento	29 de julio de 1890 Auvers-sur-Oise Île-de-France  Francia
Ocupación	pintor

(Zundert, Países Bajos, 30-III-1853 — Auvers-sur-Oise, Île-de-France, Francia, 29-VII-1890). Pintor neerlandés, fué uno de los principales exponentes del posimpresionismo.

Contenido Introducción Vida y trayectoria artística Obra Enlaces Bibliografía

Se trata de una de las grandes personalidades del arte, cuya influencia sobre la pintura contemporánea, en especial la corriente expresionista, ha sido decisiva.

Fueron treinta y siete años los que vivió Vincent van Gogh: pero desde el 30 de marzo de 1853 hasta el 29 de julio de 1890 desarrolló quizá la más apasionante aventura humana de la historia del arte contemporáneo. «Soy un hombre de pasiones», escribió en una ocasión. Y se equivocaba. Él era la pasión.

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Vicent Van Gogh (GP)

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Van Gogh: Biografía

… , es posible entender su arte y entender el desarrollo de todo su hacer.Vincent van Gogh, hijo de Theodorus van Gogh y de Anna Cornelius Carbentus, nació el 30 de marzo de 1853 …

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Van Gogh: Obras

… podía leerse: «El domingo pasado a las once y media de la noche, el llamado Vincent van Gogh, artista pintor, originario de Holanda, se presentó en la casa de tolerancia número 1 …

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Vincent Van Gogh

… noche.jpg Noche estrellada (1889). .Image:Gogh silla.jpg La silla de Vincent van Gogh (1888). .Image:Gogh tanguy.jpg El padre Tanguy (1887). Museo de .Image:Gogh asnieres.jpg El restaurante de la …

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Van Gogh y su tiempo (Cronología)

… Auvers-sur-Oise.Período de Auvres: Mariposas.Castaños. Jardines. Iglesia.El 29 de julio Vincent van Gogh se dispara un tiro, que dos días más tarde le provoca la muerteIndependencia de Luxemburgo …

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Van Gogh

¤ ¤ ¤ ¤ ¤ ¤ ¤ ¤ISBN 978-84-9963-178-3

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Cuando tenía nueve años, él y su hermano mayor, Roy (que luego se convertiría en su socio de por vida), se levantaban a las tres y media de la madrugada para ayudar a distribuir con su padre el Kansas City Star, el periódico local, por las calles de la ciudad. Se apuntó a la escuela de arte y, tras estallar la Primera Guerra Mundial, engañó al servicio de reclutamiento y se fue a conducir ambulancias al frente.

En 1923, Walt Disney era un joven y prometedor dibujante de Chicago obsesionado con los cuentos de hadas. Decidió instalarse en Los Ángeles en busca de promotores para su primer corto de acción real y animación, Alice’s Wonderland. Su éxito precedió a otras comedias sobre la pequeña Alicia que arrasaron entre el público infantil. Pero fue un ratón de enormes y perfectas orejas, bulboso hocico y aire travieso llamado Mortimer quien situó a Disney en el camino a la fama en Hollywood. El 15 de mayo de 1928, Mortimer se convierte en Mickey Mouse y es el protagonista de su primer filme, Plane Crazy, donde interpreta a un granujilla que intenta imitar al aviador Charles Lindbergh y de paso aprovecharse de su novia Minnie. Al año siguiente nacía el volcánico pato Donald.

Disney estableció definitivamente su reputación en 1937, con Blancanieves y los siete enanitos, el primer largometraje animado en color, un versión muy edulcorada del cuento original, como luego serían todas las historias de la factoría Disney.

Diego Rivera profetizó que el ratón de Disney sería considerado por los historiadores en el futuro como “uno de los héroes genuinos del arte americano de la primera mitad del siglo XX” y el expresionista George Grosz consideraba que sus viñetas eran “arte en todos los sentidos”.

En una visita a Disneylandia, el reverendo Billy Graham felicitó a Disney por haber construido tal mundo de fantasía, el creador de Mickey se limitó a contestar. ‘Billy, éste es el mundo real, la fantasía es lo que está fuera‘.

Walt Disney
Retrato de Walt Disney con dos de sus creaciones más célebres: Mickey Mouse y el pato Donald.
Nombre	Walter Elias Disney
Nacimiento	5 de diciembre de 1901 Chicago Illinois Estados Unidos
Fallecimiento	15 de diciembre de 1966 Burbank California Estados Unidos
Causa de muerte	Cáncer de pulmón
Residencia	Burbank California
Nacionalidad	Estadounidense
Ocupación	Cofundador de The Walt Disney Company
Años activo	1920-1966
Partido político	Republicano
Cónyuge	Lillian Bounds
Hijos	Diane Marie Disney Sharon Mae Disney
Padres	Elias y Flora Call Disney
Premios	7 “Premios Emmy” 22 Premios Óscar ”Premio Cecil B. DeMille”

(Chicago, Illinois, Estados Unidos de América, 5-XII-1901 — Burbank, California, Estados Unidos de América, 15-XII-1966). Productor y realizador estadounidense de dibujos animados para cine y televisión.

Contenido Introducción Trayectoria artística y empresarial El monopolio de largometrajes de dibujos Fallecimiento Personalidad Los Oscar de Walt Disney Premios Oscar al mejor cortometraje de animación Oscar al mejor cortometraje de imagen real Oscar al mejor cortometraje documental Oscar al mejor largometraje documental Oscar honoríficos Bibliografía

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Walt Disney, el mago de Burbank

… cuatro millones de dólares.Con la experiencia de Disneyland presente, era casi inevitable que a Walt Disney se le ocurriera mejorarla y agrandarla. Tras mucho cálculo, elige una zona situada al otro …

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Se convirtió en una excelente diseñadora capaz de aplicar su talento a joyas, muebles, zapatos, bolsos, barcos o la ropa con la que se vestía.

Fue la primera mujer que ganó el Pritzker de arquitectura, el premio más importante de este campo. Lo consiguió en 2004. Autora del Maxxi de Roma o el monumental Centro Heydar Aliyev en Bakú (Azerbaiyán), firmó el Centro Acuático en los Juegos Olímpicos de Londres.

(Bagdad, Irak, 31-X-1950 — Miami, Florida, Estados Unidos de América, 31-III-2016). Arquitecta y catedrática iraquí-británica. Se trata de la primera mujer y una de las más jóvenes galardonadas con el “Premio Pritzker de Arquitectura”, el más prestigioso en ese campo de las artes plásticas y la ingeniería.

Contenido Trayectoria profesional Principales obras Bibliografía Datos biográficos

El nuevo Centro Cultural Heidar Aliyev, levantado en Bakú (Azerbaiyán) por la arquitecta Zaha Hadid.

Viviendas en el viaducto de Spittelau (2006), en Viena, proyecto de Zaha Hadid.

Detalle de las estructuras del Pabellón-puente diseñado por Zaha Hadid para la Exposición Universal de Zaragoza 2008.

Obras más emblemáticas

El centro cultural la Heydar Aliyevfue, ubicado en Baku, Azerbaiyán (2013). Este edificio cuenta con un centro de conferencias, museo, salas de exposiciones y oficinas. El proyecto está destinado a desempeñar un papel integral en la vida intelectual de la ciudad.

El Guangzhou Opera House, China (2010). La estructura se encuentra sobre una superficie de más de 330 mil metros cuadrados en el distrito de Dongcheng. El centro comercial se finalizó después de treinta meses de construcción. El proyecto parte del diálogo entre las formas curvas de los cuatro volúmenes independientes, con una altura máxima de 67 metros y unidos por pasarelas, que transmiten la idea de movimiento y fluidez. La distribución del conjunto se organiza en torno a grandes patios interiores que buscan la continuidad de los espacios abiertos.

El Centro Acuático de Londres, construido para los Juegos Olímpicos de 2012. El concepto arquitectónico de este espacio está inspirado por las geometrías fluídas del agua en movimiento, creando espacios que reflejen los paisajes de la costa del Parque Olímpico. Una cobertura ondulada se eleva a partir del suelo como una onda, al mismo tiempo que describe el volumen de las piscinas de natación y el buceo.

El Museo Nacional de Arte del Siglo 21 en Roma, Italia, (2009). Este edificio tiene como idea el concepto de un campus urbano mezcla la idea de edificio tradicional que es sobrepasado por los espacios interiores que se amplían para poder incluir la ciudad entera. La complejidad de las formas, su contorno sinuoso y la variación y superposición de las dimensiones determinan un conjunto espacial complejo y una estructura funcional. Las paredes curvas que acaparan la atención de quienes lo visitan no solo son usadas para ser expuestas en el interior, sino también en el exterior, con murales, proyecciones o instalaciones.

El Centro de Arte Contemporáneo Rosenthal en Cincinnati ( 2003). Este proyecto tiene la particularidad de ser la primera obra construida por Hadid en EE UU. El edificio para tiene espacios para exhibiciones temporales de gran diversidad y representaciones. El hall de entrada y las circulaciones están organizados como una «alfombra urbana», conformando una superficie continua entre la calle exterior y la pared interior. Comenzando en la esquina donde se ubica el edificio, la superficie se curva hacia arriba y adentro, elevándose hasta convertirse en el muro posterior.

(Zundert, Países Bajos, 30-III-1853 — Auvers-sur-Oise, Île-de-France, Francia, 29-VII-1890). Pintor neerlandés, fué uno de los principales exponentes del posimpresionismo. Se trata de una de las grandes personalidades del arte, cuya influencia sobre la pintura contemporánea, en especial la corriente expresionista, ha sido decisiva.

Van Gogh: Biografía

… , es posible entender su arte y entender el desarrollo de todo su hacer.Vincent van Gogh, hijo de Theodorus van Gogh y de Anna Cornelius Carbentus, nació el 30 de marzo de 1853 …

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Van Gogh: Obras

… podía leerse: «El domingo pasado a las once y media de la noche, el llamado Vincent van Gogh, artista pintor, originario de Holanda, se presentó en la casa de tolerancia número 1 …

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Vincent Van Gogh

… noche.jpg Noche estrellada (1889). .Image:Gogh silla.jpg La silla de Vincent van Gogh (1888). .Image:Gogh tanguy.jpg El padre Tanguy (1887). Museo de .Image:Gogh asnieres.jpg El restaurante de la …

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Chagall nace, y aprende a mirar la vida, en Vitebsk un pequeño pueblo ruso, a finales del siglo XIX. Destinado a ser un agricultor, logra una beca para ir a San Petersburgo y ser aceptado en la escuela de la Sociedad Imperial para el Fomento de las Artes. Tiene por entonces 19 años y logra salir posteriormente las ayudas para ir a París, allí se produce la eclosión.

Marc Chagall
Marc Chagall fotografiado en 1921.
Nombre completo	Mark Zajárovich Shagálov
Nacimiento	7 de julio de 1887 Vítebsk Bielorrusia
Fallecimiento	28 de marzo de 1985 Saint-Paul de Vence  Francia
Nacionalidad	francesa
Área	Pintura

Leer más: http://enciclo.mienciclo.com/Marc_Chagall © MiEnciclo

Sobrevolando Vitebsk (s.f). Anna Salzmann Collection, París. Regalo al Estado de Israel. En depósito permanente en The Israel Museum, Jerusalén.