Junto a estos nacimientos, 1926 también marcó la desaparición de personalidades de gran relevancia histórica, como Harry Houdini, el escapista más célebre de todos los tiempos, o Gertrude Bell, exploradora y figura determinante en la configuración política del Oriente Próximo moderno. A nivel colectivo, el año estuvo atravesado por acontecimientos decisivos como la Huelga General británica, que movilizó a millones de trabajadores, el surgimiento de Mercedes-Benz como referente industrial o la aprobación del Código de Trabajo español, hitos que hoy siguen siendo objeto de estudio en los ámbitos de la historia social, económica y tecnológica.

Estas efemérides convierten a 2026 en un año especialmente propicio para la actualización de obras de referencia, materiales educativos y publicaciones académicas, así como para la contextualización histórica de creaciones literarias como La casa de Bernarda Alba, inspirada en la España rural de los años veinte.

Toda esta información, ampliada, documentada y contextualizada, puede consultarse en nuestro amplio repositorio de Mienciclo Plus, un espacio de referencia para el estudio, la divulgación y la preservación del conocimiento cultural e histórico.

Primeros planos: Túnez, 1938-1957

Nació en Túnez, en 1938, en el seno de una familia siciliana. Su primer recuerdo, solía contar, fue la llegada de los soldados americanos durante la Segunda Guerra Mundial. Fue en las calles tunecinas, cuando un joven cineasta francés, René Vautier, la descubrió casi por casualidad a la salida de la escuela. La invitó a rodar un cortometraje, Les Anneaux d’or, premiado en Berlín, y poco después ganó un concurso de belleza sin haberse presentado conscientemente. El premio era un viaje a la Mostra de Venecia, en 1957. Allí, entre fotógrafos y la proyección de Le notti bianche de Visconti, nació la idea de que quizá estaba destinada al cine, aunque todavía lo negara.

Escena inicial: Roma y el salto a la pantalla, 1958-1962

Con apenas 20 años rodó su primera película, Rufufú (1958), la comedia coral de Monicelli que revolucionó la comedia italiana. Apenas aparecía unos minutos, pero su magnetismo era inmediato. Ella misma confesaba que apenas entendía el italiano del rodaje, pues aún lo hablaba con dificultad, pero su presencia opacaba cualquier duda. Aquel año dio a luz a su primer hijo en secreto, en una historia personal tan dura como silenciada durante décadas. Siguieron títulos que marcaron la nueva ola italiana: Un maldito embrollo (1959), de Germi; El bello Antonio (1960), junto a Mastroianni; Rocco y sus hermanos (1960), con un solemne Alain Delon bajo la dirección de Visconti; y La chica con la maleta (1961), de Zurlini, obra definitiva del melodrama intimista.

El año irrepetible: 1963

Hay años en que una actriz se funde con la historia del cine, y en el caso de Claudia Cardinale fue 1963. Ese año estrenó tres películas que bastarían por sí solas para consagrar una carrera:

• En Ocho y medio, Fellini la hizo casi interpretar a sí misma, luminosa, fresca, deseada por la mirada de Mastroianni.
• En El gatopardo, con Visconti, fue la joven que bailaba el vals final con Lancaster, símbolo elegíaco del fin de una era, a la vez que vivía un romance imposible con Delon.
• Y en La pantera rosa, de Blake Edwards, sedujo al público internacional en clave cómica y abrió para sí misma las puertas de Hollywood.
  Nunca una actriz había filmado al mismo tiempo con dos polos tan opuestos como Fellini y Visconti, rubia en Roma, morena en Sicilia, y a la vez conquistado la comedia americana. Era el triple salto mortal del cine, y ella lo ejecutó con naturalidad.

Entre Europa y Hollywood: finales de los 60 y 70

Cardinale nunca se dejó atrapar del todo por Estados Unidos. Aunque rodó allí producciones notables —Los profesionales (1966), de Richard Brooks; Hasta que llegó su hora (1968), el wéstern definitivo de Sergio Leone— siempre regresaba a Europa, donde encontraba la libertad artística que le interesaba. Fue compañera de reparto de mitos como John Wayne, Connery, Quinn, Holden u Orson Welles. Jamás se sometió al estrellato masculino de Hollywood, manteniendo intacta su independencia.
En España rodó una de las películas más vistas en televisión durante años, Las petroleras (1971), junto a Brigitte Bardot y José Luis López Vázquez, en ese duelo simbólico de BB contra CC que inmortalizó la prensa popular.

Madurez de mito: 80 hasta los 2000

En los años 80 trabajó con Werner Herzog en Fitzcarraldo (1982), donde compartía plano con Klaus Kinski en el delirio amazónico del director alemán. El tiempo la convirtió en referente, siempre renaciendo en distintas cinematografías, incluso en el cine español, con El artista y la modelo (2012), de Fernando Trueba.

Fuera de cámara: vida privada y resistencia

Su vida personal estuvo marcada por relaciones con cineastas —se casó con el productor Franco Cristaldi y más tarde compartió vida con Pasquale Squitieri—, pero permaneció siempre fiel a su independencia. A lo largo de su carrera rechazó a pretendientes legendarios, de Mastroianni a Delon, de Brando a los rumores risueños sobre Chirac. “La palabra indomable me está bien”, dijo cuando su hija tituló su biografía Claudia Cardinale, la indomable.
Porque lo fue: indomable frente a Hollywood, frente a las etiquetas, frente al destino que un concurso de belleza quiso imponerle. Ella lo convirtió en cine.

Plano final

Claudia Cardinale muere en 2025, a los 87 años, dejando detrás más de 130 películas. Fue la actriz que atravesó medio siglo de cine italiano y europeo, del neorrealismo heredado de Visconti al barroquismo de Fellini, de la épica de Leone al romanticismo de Trueba. Con su partida se apaga una luz irrepetible de la gran pantalla, y solo queda en pie Sophia Loren como última representante de aquella generación dorada.
Pero las imágenes permanecen: el vals en el salón de El gatopardo, la sonrisa en Ocho y medio, el duelo en Hasta que llegó su hora. Claudia Cardinale no se va; vuelve a aparecer cada vez que se apagan las luces y se enciende el proyector.

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Redford fue muchas vidas en una: el forajido Sundance Kid de Dos hombres y un destino, el timador carismático de El golpe, el periodista que desnudaba el poder en Todos los hombres del presidente, el solitario navegante de Cuando todo está perdido. Fue también el cineasta que debutó con Gente corriente —ganando el Oscar a la mejor dirección— y que entregó obras como Quiz Show, una de las películas políticas más afiladas de los noventa. Y más allá de las pantallas, fue el hombre que levantó un refugio para el cine independiente en las montañas de Utah: el Instituto y el Festival de Sundance, bautizado en honor a aquel bandido que lo lanzó al estrellato.

Nacido en Santa Mónica en 1936, criado en el valle de San Fernando, Redford soñaba al inicio con ser pintor. Viajó a Europa en busca de bohemia, estudió arte en París y en Italia, y regresó sin sospechar que lo esperaba un destino mayor. Broadway le abrió la puerta con Descalzos en el parque y el cine lo reclamó pronto. No tardó en convertirse en la encarnación del ideal norteamericano, aunque él mismo renegaba de ese físico impecable que lo convirtió en símbolo. “Para mí lo más importante es la historia”, insistía siempre, consciente de que la fama podía convertir a cualquiera en un objeto.

Amigo inseparable de Paul Newman, compañero de Jane Fonda en sus inicios y en sus últimos días de pantalla, Redford se consolidó en los setenta como un pilar de un cine adulto, político y sofisticado: El candidato, Jeremiah Johnson, Tal como éramos, Los tres días del Cóndor. Brilló incluso cuando la Academia lo ignoró como actor: solo una candidatura al Oscar por El golpe.

Paralelamente, construyó una segunda vida como activista: luchó contra autopistas, centrales de carbón y la destrucción del oeste estadounidense. “¿Qué nos va a quedar si seguimos a este ritmo?”, se preguntaba. El medioambiente y la política fueron tan centrales en su biografía como el cine. En 2017, alarmado por los ataques de Trump a la prensa, escribió que la verdad estaba otra vez en peligro, recordando que Todos los hombres del presidente había sido “una película violenta sin disparos, donde las palabras eran las armas”.

Su filmografía posterior alternó tropiezos y destellos, pero siempre quedó la sensación de que Redford sabía envejecer frente a la cámara. En Memorias de África fue pura química romántica; en Una proposición indecente o Spy Game, un astro consciente de su madurez; en The Old Man & The Gun (2018), su despedida anunciada, un forajido con la sonrisa intacta.

Le sobreviven sus hijas Shauna y Amy, y su legado se multiplica: actor icónico, director oscarizado, activista, mecenas de los indies y símbolo cultural de Estados Unidos. Como en la última imagen de Dos hombres y un destino, Robert Redford no se ha rendido a la muerte: ha saltado de lleno hacia la inmortalidad cinematográfica.

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El 30 de octubre de 1938, Orson Welles, aún un joven principiante, protagonizó uno de los momentos más memorables de la historia de la radio. A las ocho de la tarde, interrumpió la programación habitual para anunciar una impactante noticia:

“Señoras y señores, interrumpimos nuestro programa de baile para comunicarles una noticia de última hora procedente de la agencia Intercontinental Radio. El profesor Farrel del Observatorio de Mount Jennings de Chicago reporta que se han observado en el planeta Marte algunas explosiones que se dirigen a la Tierra con enorme rapidez… Continuaremos informando.”

Con este falso boletín, Welles adaptó magistralmente la célebre novela de H. G. Wells, La guerra de los mundos, en un formato radiofónico que sonaba tan real que provocó pánico en miles de oyentes. Lo hizo junto a su compañía, Mercury Theatre, desde los estudios de la cadena CBS, demostrando su extraordinaria capacidad para combinar arte, técnica y emoción.

¿Sabías que Orson Welles tuvo una relación muy especial con España?

Visitó en múltiples ocasiones a lo largo de su vida y por el que sintió una profunda admiración, especialmente por su cultura, su gente y, en particular, por la tauromaquia.

Lugares y momentos clave de Orson Welles en España:

Fue tan fuerte su vínculo que sus cenizas fueron enterradas allí, en un pozo de la finca del torero Antonio Ordóñez, en la finca Recreo de San Cayetano.

Primeros viajes (décadas de 1930-1950):

Welles visitó España por primera vez en los años 30 o 40, y quedó fascinado con la tradición taurina. Estableció amistades con toreros como Antonio Ordóñez y Luis Miguel Dominguín.

Rodajes en España: Welles rodó varias películas o partes de ellas en territorio español:

1.- Mr. Arkadin (1955): rodada parcialmente en Madrid y otras localizaciones españolas.

2.- Campanadas a medianoche (Chimes at Midnight, 1965): rodada en Ávila, Segovia, Cardona y Colmenar Viejo.

3.- Don Quijote (proyecto inconcluso): filmado en varias localizaciones españolas durante los años 50 y 60.

Durante estos rodajes vivió largas temporadas en el país, especialmente en Madrid y Andalucía.

Amor por Ronda (Málaga): Orson Welles amaba Ronda, ciudad andaluza famosa por su plaza de toros y su paisaje dramático. La consideraba uno de sus lugares favoritos en el mundo.

Jacques-Yves Cousteau (Saint-André de Cubzac, Gironda, Aquitania, Francia, 11-VI-1910 — París, Francia, 25-VI-1997). Oceanógrafo, investigador, explorador, comandante de la Marina y ecologista francés.

Vida
Su abuelo fue alcalde de Burdeos y su padre abogado, con quién realizó un largo viaje que despertó su pasión por viajar. Además, su vocación por el mar, al que ha estado ligado toda su vida, comenzó temprano: con 10 años aprendió a bucear durante una estancia en Lake Harvey (Vermont, Estados Unidos). Ingresó a los 19 años en la Escuela Naval francesa, en la que permaneció una década, y, como joven teniente, pronto manifestó avidez por saber lo que ocurría en la profundidad, bajo la quilla de su barco.

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Ann Baxter debutó en Broadway a los 13 años, y tres años más tarde se trasladó a Hollywood, en donde interpretó a lo largo de su carrera más de 50 películas y numerosas series de televisión.

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Carlos Saura, con más de 50 producciones, fue un cineasta muy innovador que dio forma a la historia del cine español moderno, junto a Buñuel, Almodóvar y Berlanga.

Su infancia estuvo marcada por la Guerra Civil española, refugiándose con su familia en las zonas republicanas de ciudades como Madrid, Barcelona o Valencia. Sus primeros pasos en el mundo del cine fueron al empezar en el Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas (IIEC) en el 1952, donde se diplomó y, poco después, fue contratado como profesor de prácticas escénicas.

Destaca su contribución en la renovación del cine español en la década de 1960. Saura es conocido por su enfoque en la exploración de temas culturales y sociales a través de su cine, incluyendo la identidad española, la memoria histórica y la relación entre el arte y la política. Además, es conocido por su habilidad para combinar elementos de la vanguardia artística y la tradición popular en su trabajo.

En palabras del propio Saura, ha filmado tres tipos de películas: «La primera sería un cine con los pies en la tierra, con una realidad concreta como Los golfos, La caza, Deprisa, deprisa; otras más creativas como La prima Angélica, y luego el más musical». Además, añade una cuarta: «me han preocupado muchos artistas que me han influido en mi vida, como Goya, autores de literatura española, y que son una especie de ensayos personales”.

Su trabajo ha sido aclamado por la crítica y ha recibido numerosos premios, incluyendo la Palma de Oro en Cannes por «La Prima Angelica» en 1973. También ha sido reconocido por su influencia en la renovación del cine español y su impacto en la cultura popular en España y en todo el mundo.

Carlos Saura

(Huesca, 4-I-1932 – Madrid, 10-II-2023). Carlos Saura Atarés. Guionista y director de cine. Hermano del pintor Antonio Saura. En 2023 se le concedió el «Premio Goya de Honor«.

Trayectoria artística

Su vida azarosa durante la Guerra Civil (1936-1939), que le llevó a refugiarse con su familia en las zonas republicanas de Madrid, Barcelona y Valencia, le marcó e influyó profundamente a lo largo de su futura carrera cinematográfica.

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Lola Flores, cuyo verdadero nombre era María Dolores Flores Ruiz, fue una cantante y actriz española de Jerez de la Frontera, España. Era conocida como «La Faraona».

Lola Flores comenzó su carrera como artista infantil, cantando y bailando en festivales locales. Luego se convirtió en una de las artistas más populares y perdurables de España, con una carrera que abarcó más de cinco décadas. Actuó en una variedad de estilos musicales, incluidos el flamenco, la rumba y la copla, y actuó en varias películas y programas de televisión.

Conocida por su carrera musical, trabajo también como actriz, llegando a interpretar más de treinta películas. Durante su juventud, Lola Flores cantó en tablaos flamencos y más tarde incorporó otros estilos musicales a su repertorio, como la copla y el bolero.

Los años 50 supusieron el periodo definitivo de construcción del mito que supuso Lola Flores en la sociedad española y a nivel internacional. Con una actividad artística muy intensa, múltiples viajes por América y gran agitación en lo sentimental.

Lola Flores from Tais Marcato on MZE Zoomin

Lola Flores

(Jerez de la Frontera, provincia de Cádiz, 21-I-1921 — Alcobendas, Comunidad de Madrid, 16-V-1995). María de los Dolores Flores Ruiz. La Faraona. Cantante, bailaora y actriz cinematográfica.

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Ava Gardner fue una actriz estadounidense que se convirtió en una figura icónica en Hollywood durante la década de 1950. Era conocida por su belleza deslumbrante, con una piel suave y ojos oscuros y seductores. Además de su belleza física, Gardner también tenía una presencia escénica impresionante y una gran personalidad.

Gardner nació en 1922 en Carolina del Norte y comenzó su carrera en el cine en la década de 1940. Rápidamente se convirtió en una estrella popular, apareciendo en películas como «The Killers» y «The Snows of Kilimanjaro». También fue conocida por sus papeles en películas de época, como «Mogambo» y «Show Boat».

A lo largo de su carrera, Gardner trabajó con algunos de los directores y actores más importantes de Hollywood, incluyendo a Frank Sinatra, Clark Gable y Alfred Hitchcock. También fue conocida por su vida personal glamorosa y sus relaciones con algunos de los hombres más famosos de la época, incluyendo a Sinatra y a Arturo de Córdoba.

Gardner murió en 1990, pero sigue siendo recordada como una de las actrices más emblemáticas de Hollywood de todos los tiempos.

Ava Gardner from Tais Marcato on MZE Zoomin

Ava Gardner

(Grabtown, Carolina del Norte, Estados Unidos de América, 24-XII-1922 — Westminster, Londres, Reino Unido, 25-I-1990), Ava Lavinia Gardner. Actriz estadounidense.

Ava Gardner
“El animal más bello del mundo” según expresó Ernest Hemingway.
Nombre real	Ava Lavinia Gardner
Nacimiento	24 de diciembre de 1922 Brogden Carolina del Norte  Estados Unidos
Defunción	25 de enero de 1990 Westminster Londres  Reino Unido
Ocupación	actriz
Año debut	1941
Año retiro	1986
Pareja	Mickey Rooney (1942-1943) Artie Shaw (1945-1946) Frank Sinatra (1951-1957)
Sitio web	www.avagardner.org
Ficha en Imdb
Premios ganadosFestival Internacional de San Sebastián“Concha de Plata” (1964)

Introducción

Estrellade Hollywood y en diversos países europeos, trabajó con prestigiosos actores y directores.

De su filmografía destacan: The Killers (Forajidos, 1946, de Robert Siodmak), The Snows of Kilimandjaro (Las nieves del Kilimanjaro, 1952, de Henry King), Mogambo (1953, de John Ford), Fifty-Five Days at Peking (55 días en Pekín, 1962, de Nicholas Ray), The Night of the Iguana (La noche de la iguana, 1964, de John Huston), The Life and Times of Judge Roy Bean (El juez y la horca, 1972, de John Huston), etc.

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© MiEnciclo, 2022

Godard ha muerto este martes 13 de septiembre de 2022, a los 91 años, en su casa de Rolle (Suiza), según ha comunicado su familia. Según varios allegados citados por la prensa francesa y suiza, el cineasta recurrió al suicidio asistido, legal en Suiza. «No estaba enfermo, simplemente estaba agotado. Había tomado la decisión de terminar. Era su decisión y para él era importante que se supiera«, ha señalado al periódico Libération un amigo. «Jean-Luc Godard ha fallecido pacíficamente en casa, rodeado de sus seres queridos«, ha escrito su mujer Anne-Marie Mieville.

Nacido en París, pertenecía a una familia burguesa protestante suiza. Aunque vivió una infancia en Suiza, pasó su adolescencia en París, como «rata» de filmoteca y del cine-club del Barrio Latino. Su desprecio a la burguesía, tan propio de la generación de Mayo del 68, marcó su carrera que transitó desde la izquierda al maoísmo para terminar finalmente en una suerte de nihilismo casi reaccionario.

La «Teoría del autor» que impulsaron desde Cahiers du cinema otorgaba al director el papel de artista total y casi único de lo que, sus críticos, señalaban que el cine tenía más de arte colectivo.

Jean-Luc Godard

(París, Francia, 3-XII-1930 – Rolle, Suiza, 13-IX-2022). Crítico de cine y cineasta francés.

Jean-Luc Godard
Godard está ampliamente considerado como uno de los cineastas claves de la historia del cine mundial y un renovador de lenguaje cinematográfico desde que debutó con Al final de la escapada en 1959.
Nacimiento	3 de diciembre de 1930 (91 años)  París, Francia
Otros nombres	JLG
Ocupación	director, productor, guionista, montador, Actor, crítico de cine
Año debut	1950
Año retiro	presente
Estatura	1,70 m
Pareja	Anna Karina (1961-1967) Anne Wiazemsky (1967-1979) Anne-Marie Miéville (?-presente)
Ficha en Imdb
Premios ganadosPremios ÓscarÓscar Honorífico 2010 Premio a la Trayectoria ProfesionalPremios TonyLeón de Oro Honorífico 1982 • Premio a la Trayectoria ProfesionalFestival de CannesPremio del Jurado (Festival de Cannes) 2014 Adiós al lenguajeOtros premiosOso de Oro – Festival de Cine de Berlín 1965 Alphaville León de Oro – Festival de Cine de Venecia 1983 Carmen, pasión y muerte Oso de Plata al mejor director – Festival de Cine de Berlín 1960 À bout de souffle

Introducción

Director de cine franco-suizo y considerado como uno de los miembros más influyentes de la nouvelle vague, a la vez caracterizado por su acidez crítica y por la poesía de sus imágenes. Cultiva un cine creador, vanguardista, pero accesible en su conjunto; es experimental respecto al montaje considerado clásico.

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Uno de los grandes de la etapa de oro de la cinematografía italiana que no consiguió adaptarse a los cambios operados en el teatro y en el cine en los últimos 20 años. Desde 1980 luchó contra la depresión.

Gassman, conocido cariñosamente en Italia como Il Mattatore, título de un programa de televisión que interpretó en los cincuenta. No era un tipo sencillo de carácter exuberante, él mismo se describió como una persona «extraordinariamente frágil» pese a las apariencias, y presumiblemente inestable.

Se casó cuatro veces, la primera con Nora Ricci, compañera de estudios en la Academia de Arte Dramático de Roma, unión de la que nació Paola, actriz de profesión. Más tarde se casó con la actriz norteamericana Shelley Winters, de la que tuvo a Vittoria; con Juliette Maynel, su tercera esposa, tuvo a Alessandro, actor, y finalmente, del matrimonio con su última compañera, Diletta D’Andrea, nacería Jacopo.

Su físico de atleta, sus rasgos finos y una capacidad histriónica, seguramente heredada de la madre, fueron su mejor tarjeta de visita. En poco tiempo, el actor interpretó a los clásicos y trabajó bajo la dirección de artistas de primera fila como Luchino Visconti. En 1947 tenía compañía propia, con la que paseó por toda Italia los grandes títulos de la dramaturgia mundial, desde Esquilo a Shakespeare, pasando por Ibsen y Pirandello.

Su primera aparición de cierto relieve en el cine data de 1948, cuando se estrena una película que se haría famosa no precisamente por la interpretación de Gassman; se trata de Arroz amargo, de Giuseppe De Santis, en la que destacaría la belleza de Silvana Mangano. Pero serán los filmes dirigidos por Dino Risi, Mario Monicelli y Ettore Scola los que le conviertan en uno de los grandes mitos de la pantalla italiana, junto a nombres como Alberto Sordi, Mónica Vitti y el desaparecido Marcello Mastroianni.

El momento que esperaba Gassman, el punto de inflexión en su carrera de actor cinematográfico, llega de la mano de la joven comedia a la italiana, cuando Mario Monicelli le confía el papel del púgil sonado y ladrón balbuciente (Peppe) en I soliti ignoti (Rufufú), de 1958. Con Monicelli interpreta después papeles inolvidables como en La gran guerra (1959), junto a Alberto Sordi.

En 1962 se subiría al descapotable con Jean-Louis Trintignant en la icónica «Il sorpasso» de Risi, una de las películas italianas más adoradas, alegoría del «milagro económico» y de la burguesía de aquellos años.

Más tarde llegaría el superéxito de La armada Brancaleone, y, sobre todo, el reconocimiento internacional a su trabajo de actor gracias a su papel en el filme de Dino Risi La escapada. Con Ettore Scola interviene, entre otras, en La familia, y la última La cena.

La estrella profesional de Gassman comenzó a declinar casi a la vez que el gran cine italiano, a principios de los años ochenta. El actor, Premio Príncipe de Asturias de las Artes.

El actor se aventuró de nuevo (como había hecho ya a los inicios de su carrera) en la literatura y publicó varias obras. Una autobiografía, Un grande avvenire dietro le spalle (Un gran porvenir a la espalda), en 1981, que le valió algunos premios. «Al escribir este libro me he esforzado en ser lo más sincero posible. Atravesaba un periodo de preocupante depresión», añadió, confesando que había llegado a perder 18 kilos de peso.

El neurólogo en cuestión al que se refería era Giovanbattista Cassano, director del servicio de Psiquiatría del hospital de Santa Clara de Pisa, donde Gassman fue hospitalizado en varias ocasiones, la última en 1996. Ese mismo año recibió el León de Oro a la carrera otorgado por la Mostra de Venecia. Al recoger el premio, el actor anunció su retirada de los escenarios, una promesa que no llegó a cumplir.

«Vivía añorando el pasado, los años de gloria de su juventud, el mundo del teatro y del cine de los sesenta», declaró el que fuera su médico en la última etapa, Giovanbattista Cassano.

Su fino humor, su enorme ego de actor mimado, la inestabilidad afectiva que en la última fase de su vida se tornó melancólica.

En su espectáculo-despedida del teatro y de la interpretación, Il Mattatore, Gassman dio rienda suelta a su ira, a sus quejas contra el mundo moderno, y manifestó sin tapujos su profunda antipatía por el teatro de vanguardia. El mundo no era el mismo que él había conocido en su juventud. Fallecía en la madrugada de un 29 de junio de 2000, la vida le había traicionado.

Vittorio Gassman

Vittorio Gassman
Uno de los últimos mitos de la escena y del cine italiano.
Nombre real	Vittorio Gassman
Nacimiento	1 de septiembre de 1922 Génova región de Liguria  Italia
Defunción	29 de junio de 2000 Roma  Italia
Ficha en Imdb

(Génova, Liguria, Italia, 1-IX-1922 — Roma, Italia, 29-VI-2000). Actor, autor teatral, guionista y director de cine italiano.

Orígenes y formación

Nació en Génova el 1 de septiembre de 1922 y falleció de un infarto el 29 de junio de 2000 en su domicilio de Roma. Era hijo de la actriz Luisa Ambrón, retirada muy pronto de los escenarios, y de un rico ingeniero de origen alemán, cuya muerte causó el traslado familiar a Roma cuando Vittorio era niño.

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Marilyn Monroe

(Los Ángeles, California, Estados Unidos, 1-VI-1926 – 5-VIII-1962). Norma Jean Mortenson. Actriz de cine, cantante y modelo estadounidense.

Marilyn Monroe
«Jamás perdió en la pantalla el amor de la cámara, la luminosidad, el imán que poseen las verdaderas estrellas»
Nombre real	Norma Jeane Mortenson
Nacimiento	1 de junio de 1926  Los Ángeles, California
Defunción	5 de agosto de 1962 (36 años)  Los Ángeles, California
Ocupación	Actriz, cantante y modelo
Pareja	James Dougherty (1942-1946) Joe DiMaggio (1954) Arthur Miller (1956-1961)
Ficha en Imdb
Premios ganadosGlobos de OroGlobo de Oro a la mejor actriz – Comedia o musical 1960 Some Like It Hot

Con el paso del tiempo, ha logrado ser una de las actrices más famosas de Hollywood y uno de los símbolos sexuales de todos los tiempos.

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El último sueño de Marilyn

Marilyn Monroe es mucho más popular que John Ford, aunque nadie duda de quién es más importante para la historia del cine. Es la actriz que cualquiera mencionaría en primer lugar, a pesar de la distancia insalvable que separa sus recursos de los de Barbara Stanwick.

Es el mayor mito erótico nacido en la oscuridad de las salas de proyección, a despecho de bellezas clásicas mucho más perfectas, como Ava Gardner o Hedy Lamarr. Es todo esto y algo más: es un misterio inaprensible por la lógica, una extraña presencia a la que sólo se puede querer o despreciar, un espejo donde muchos se vieron reflejados. Su muerte por sobredosis de Nembutal añadió a una vida llena de dificultades un final tan dramático como confirmador: si James Dean demostró a los adolescentes que le admiraban que su desprecio por la vida era algo más que una pose, Marilyn evidenció que su soledad era real, y que incluso podía morir por ella. Algo más la une a Dean: los dos murieron jóvenes, y joven permanece, por tanto, su recuerdo.

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Creció en el seno hogar presbiteriano. Su padre, un hombre recto y severo que lucho contra los españoles en Cuba y contra los alemanes en la Primera Guerra Mundial, le inculcó unos valores morales decimonónicos y el culto al trabajo. Chapado a la antigua, republicano hasta la médula. Buen patriota, intachable esposo y padre de familia. Amigo de Richard Nixon y de Ronald Reagan, fue además un hombre de negocios multimillonarios, con inversiones diversas, desde pozos de petróleo hasta una compañía de vuelos chárter

James Stewart

(Indiana, Pennsylvania, Estados Unidos de América, 20-V-1908 — Beverly Hills, California, Estados Unidos de América, 2-VII-1997). James Maitland Stewart. Actor estadounidense.

Trayectoria artística

Hijo de un acaudalado comerciante de cerámica, estudió Arquitectura en la Universidad de Princeton. Tocaba muy bien la armónica e interpretó algunos papeles en el grupo de teatro formado por los estudiantes de esta universidad, antes de actuar en los escenarios neoyorquinos, de 1928 a 1935.

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Resnais nació en Vannes, Morbihan, en 1922. Desde muy joven se sintió atraído por el cine (a los 14 rodó su primer corto, L’aventure de Guy), y después de cursar estudios secundarios ingresó en 1945 en el IDHEC. Sin embargo, abandonó al año y medio los estudios, sin terminar la carrer. Pese a ello, la confianza en una comunicación en imágenes en base a una estructura musical, la intensidad de un mundo de sugerencias que parece provenir de la poesía, un sentido crítico de la Historia, el cine de Resnais presenta una revolución formal, conceptual y quizás ideológica del cine nuevo, de la nouvelle vague, que estalla a fines de los años cincuenta y comienzos de los sesenta, pasa por el cine de Resnais, un artista que mantiene con sus últimas obras, una actitud alerta y creativa como pocos.

Hiroshima mon amour (1959). Sin duda, una película imprescindible de la historia del cine. Un relato con guion de Marguerite Duras que pose en el mismo plano el presente y el pasado, el amor y la guerra, el recuerdo y el olvido, lo conocido y lo desconocido, lo visible y lo invisible, como elementos para explicar nuestra Historia.

Alain Resnais

(Vannes, Francia, 3-VI-1922 — París, Francia, 1-III-2014). Cineasta francés.

Alain Resnais
Nacimiento	3 de junio de 1922 Vannes  Francia
Defunción	1 de marzo de 2014 París  Francia
Ocupación	Director, guionista y montador de cine
Año debut	1946
Año retiro	2014
Pareja	Florence Malraux (1969-) Sabine Azéma (1998-2014)
Ficha en Imdb
Premios ganados“León de Oro” (1961), “United Nations Award” (1961), “Sutherland Trophy” (1963), “Premio Louis Delluc” (1966, 1993, 1997), “César al mejor director” (1978, 1994), “César a la mejor película” (1978, 1994, 1998), “César honorífico” (1981), “David Luchino Visconti” (1987), “European Film Academy Critics Award” (2007)

Introducción

Director, guionista y montador, junto con François Truffaut y Jean-Luc Godard, revolucionó el cine en su país, donde fue una de las principales figuras de la nouvelle vague o «Nueva ola».

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Christopher Lee logro varios récords a lo largo de su vida. Aparecería en el Guinness por tener más títulos de crédito que ningún otro actor, 244, entre películas y telefilmes. Tras ser incluido, aparecería en otras 14 producciones. Fue, además, el actor protagonista más alto del cine. En 2013 lograría otro récord, al convertirse con su villancico heavy Jingle Hell en la persona que lograba un puesto en el Top 100 con mayor edad. Cuando la canción alcanzó el puesto 22 de las listas, Lee tenía 91 años. En 2014 grabaría otro disco de heavy metal, dedicado a la obra de Cervantes. En palabras del actor: «Don Quijote es el personaje de ficción más cercano al metal que conozco. Como solitario, intenta cambiar el mundo sin tener en cuenta sus consecuencias personales. Es un personaje maravilloso».

Christopher Lee
Nombre real	Christopher Frank Carandini Lee
Nacimiento	27 de mayo de 1922 Belgravia Londres
Defunción	7 de junio de 2015 Chelsea Londres
Ocupación	Actor
Año debut	1948
Año retiro	2015
Películas	+280
Pareja	Birgit Kroencke (1961-2015)
Hijo/s	Christina Lee
Sitio web	christopherleeweb.com
Ficha en Imdb
Premios ganadosGlobos de OroPremio Spirit of Metal 2010 Metal Hammer Golden GodsPremios BAFTABAFTA Honorífico 2011 Premio a la Trayectoria ProfesionalPremios SAGMejor reparto 2003 El Señor de los Anillos: El retorno del ReyOtros premiosSteiger Award 2011 Bram Stoker Gold Medal

Trayectoria artística

Cursó estudios en los colegios británicos Wellington College y en el King’s College, donde participó en alguna representación de la obra de Shakespeare. Sin embargo, debido a la precaria situación económica de su familia, abandonó sus estudios para ponerse a trabajar como empleado en Londres.

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«El Padrino es el año cero del neoclasicismo cinematográfico. Trasladó con fascinante elegancia la violenta tragedia teatral isabelina y la magnificencia arrebatadora de la ópera italiana. Nos hizo ser parte, sentimentalmente implicada, de un clan criminal que era (es) una imperfecta familia como las nuestras.» Fausto Fernández (Fotogramas)

El padrino

[En inglés en el original, The Godfather.] Trilogía cinematográfica dirigida por el realizador estadounidense Francis Ford Coppola (1939) en 1972 (primera parte), 1974 (segunda parte) y 1990 (tercera parte) sobre un guión propio y de Mario Puzo basado en la novela del mismo título escrita por este último.

‘The Godfather’
Cartel de la película El padrino
Título	El padrino
Ficha técnica
Dirección	Francis Ford Coppola
Producción	Albert S. Ruddy
Guion	Mario Puzo Francis Ford Coppola Robert Towne (sin acreditar) (basado en la novela de Mario Puzo)
Música	Nino Rota Carmine Coppola
Fotografía	Gordon Willis
Montaje	Williams Reynolds Peter Zinner
Protagonistas	Marlon Brando Al Pacino James Caan Richard S. Castellano Robert Duvall Sterling Hayden John Marley Richard Conte Al Lettieri Richard Bright Talia Shire John Cazale Abe Vigoda Diane Keaton
Ver todos los créditos (IMDb)
Datos y cifras
País(es)	Estados Unidos
Año	1972
Género	Gángsters Drama
Duración	175 min.
Compañías
Productora	Paramount Pictures
Distribución	Paramount Pictures
Presupuesto	US$ 6.500.000
Recaudación	US$ 268.500.000 (en todo el mundo)
Ficha en IMDb Ficha en FilmAffinity

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El primer papel de López Vázquez en cine, a propuesta de José María Rodero. Una secuencia, sin texto, de 20 segundos en Esa pareja feliz en el año 1951. Como siempre estaba en los rodajes, como figurinista o cartelista, se hizo costumbre que el actor participara en pequeños papeles hasta que se convirtió en un secundario importante y a partir del éxito de El pisito, de Marco Ferreri. Su carrera dio un giro importante a raíz de su participación en 1967 en Pippermint frappe, de Carlos Saura.

Nunca rechazó un papel, nunca estudió interpretación ni supo explicar su método. Solo en 1967 rodó doce películas, casi una al mes. Gracias a sus grandes dotes interpretativas supo desencasillarse de sus personajes cómicos y deslumbrar con sus dotes dramáticas.

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José Luis López Vázquez

(Madrid, 11-III-1922 – 2-XI-2009). José Luis López-Vázquez de la Torre. Actor español.José Luis López Vázquez durante la ceremonia de los “Premio Goya” recibiendo el «Goya honorífico» (2006).

Trayectoria artística y profesional

Estudió bachillerato y, antes de entrar en el mundo de la interpretación, trabajó en una oficina dependiente del Ministerio de la Guerra como mecanógrafo (1935), aunque no fue llamado a filas al estallar la Guerra Civil (1936-1939); al poco de acabar la contienda (mayo de 1939), ingresó en la Organización Juvenil Española (OJE) y fue destinado a la Delegación de Prensa y Propaganda del nuevo régimen.

No obstante, el joven López Vázquez se sentía inclinado a la pintura, el dibujo y la escenografía, y en septiembre de ese mismo año

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Pier Paolo Pasolini

(Bolonia, Italia, 5-III-1922 — playa de Ostia, Italia, 2-XI-1975). Escritor y cineasta italiano. La controvertida y polémica creación de Pasolini ejerció una profunda influencia en la vida cultural italiana.

Pier Paolo Pasolini
Pier Paolo Pasolini durante un rodaje.
Ocupación	escritor, director de cine y filósofo
Nacionalidad	italiana
Período	1957-1975
Lengua de producción literaria	friulano italiano
Lengua materna	italiano
Género	drama
Movimientos	neorrealismo italiano
Firma
Sitio web oficial

Vida y obra

Nació en el seno de una familia compuesta por un teniente de infantería y una maestra, y pasó su infancia y adolescencia viajando por toda Italia debido a los sucesivos cambios de destino de su padre.

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La cineasta de Barcelona ha deslumbrado al jurado con un conmovedor drama, Alcarràs, sobre una familia de agricultores catalanes que se reúne para realizar juntos su última cosecha.

Es la primera directora española en ganar un premio a la mejor película en un festival de primera nivel internacional, y la primera cineasta española en obtener el Oso de Oro en el Festival de Berlín en casi cuarenta años. El primero y único que lo había conseguido hasta el momento era Mario Camus, en 1983, por La colmena.

Carla Simón

(Barcelona, 29-XII-1986). Carla Simón Pipó. Directora de cine y guionista.Carla Simón, ganadora del Oso de Oro en la Berlinale. Berlín, 15 Febrero de 2022.La directora de cine española Carla Simón en la 73 edición de las Medallas del Círculo de Escritores Cinematográficos, 29 January 2018.

Formación

Cursó estudios superiores en la Universidad Autónoma de Barcelona (UAB), licenciándose con el grado de Comunicación Audiovisual (2009), y amplió estudios con sendos masters ofrecidos el primero por la Televisió de Catalunya (TV3), en televisión de calidad e innovación, y el segundo por la London Film School (Londres, Reino Unido), donde obtuvo su Master of Arts, gracias a una beca de posgrado de la Obra Social La Caixa.

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