Junto a estos nacimientos, 1926 también marcó la desaparición de personalidades de gran relevancia histórica, como Harry Houdini, el escapista más célebre de todos los tiempos, o Gertrude Bell, exploradora y figura determinante en la configuración política del Oriente Próximo moderno. A nivel colectivo, el año estuvo atravesado por acontecimientos decisivos como la Huelga General británica, que movilizó a millones de trabajadores, el surgimiento de Mercedes-Benz como referente industrial o la aprobación del Código de Trabajo español, hitos que hoy siguen siendo objeto de estudio en los ámbitos de la historia social, económica y tecnológica.

Estas efemérides convierten a 2026 en un año especialmente propicio para la actualización de obras de referencia, materiales educativos y publicaciones académicas, así como para la contextualización histórica de creaciones literarias como La casa de Bernarda Alba, inspirada en la España rural de los años veinte.

Toda esta información, ampliada, documentada y contextualizada, puede consultarse en nuestro amplio repositorio de Mienciclo Plus, un espacio de referencia para el estudio, la divulgación y la preservación del conocimiento cultural e histórico.

Édouard Manet

(París, Francia, 23-I-1832 – 30-IV-1883). Pintor y grabador francés. Está considerado como uno de los precursores del impresionismo, y por ende del arte moderno.

Édouard Manet
Retrato de Édouard Manet. Óleo sobre lienzo de Henri Fantin-Latour. The Art Institute of Chicago.
Nombre completo	Édouard Manet
Nacimiento	23 de enero de 1832 París  Francia
Fallecimiento	30 de abril de 1883 París  Francia
Nacionalidad	Frances
Movimiento	Impresionismo

Trayectoria artística

Pertenecía a una familia de burgueses adinerados. Manifestó su vocación artística ya en su niñez, cuando se hallaba internado en el colegio Rollin. Al salir de éste (en 1848) ingresó en la Marina y realizó un viaje a Río de Janeiro, donde vivió parte del año 1849.

De regreso en París, y vistos los muchos dibujos que había traído de América, su padre, que al principio se oponía a que estudiara la pintura, no quiso seguir contrariando su firme afición y le permitió, en 1850, que pasara al taller del pintor clásico Thomas Couture, artista por aquellos días muy celebrado en París, por el triunfo que había obtenido en el Salón de 1847, con su gran lienzo Los romanos de la decadencia.

Como parte de su formación copió en el Museo del Louvre cuadros de Tiziano, Rembrandt, Diego de Velázquez, Francisco de Goya y Lucientes, Eugène Delacroix, Gustave Courbet y Honoré Daumier.

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Impresionismo

Movimiento artístico que surgió en Francia durante el último tercio del s. XIX, promovido por un grupo de pintores (Édouard Manet, Claude Monet, Camille Pissarro, Edgar Degas, Pierre-Auguste Renoir, Paul Cézanne, etc.) a quienes se dio el nombre de impresionistas. El término ha pasado, por analogía, a la música, la literatura, etc.

El columpio, de Pierre-Auguste Renoir. Museo de Orsay, París.

Claude Monet, (1840-1926). Almuerzo campestre (Le dejeuner sur l´herbe). 1865 – 1866. En Chailly, con los pintores Gustave Courbet sentado y Frédéric Bazille en el centro. Óleo sobre lienzo. París. Museo de Orsay.

Introducción

El último tercio del siglo XIX presenció el surgimiento del impresionismo, movimiento pictórico desarrollado fundamentalmente en Francia, que observaba la naturaleza y sus efectos de modo nuevo y revolucionario.

El impresionismo no era en realidad un movimiento organizado, ni tenía un planteamiento teórico específico. Estaba constituido por un grupo de pintores que coincidían en su deseo de reflejar los aspectos instantáneos y cambiantes de la realidad, sobre todo en términos de pura luz, y en su rechazo de la preceptiva académica.

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Pese a un inicio lleno de desafíos y rechazos en su carrera, su determinación nunca flaqueó. Un viaje transformador a Italia le permitió explorar el arte más allá de las restricciones académicas, enriqueciendo su visión. Al regresar y establecerse en Madrid, su carrera tomó un giro significativo gracias a su labor en el diseño de tapices, escalando posiciones hasta alcanzar el prestigio de trabajar en la corte real. Esta etapa le brindó la oportunidad de estudiar de cerca las obras de Velázquez, por quien desarrolló una profunda admiración.

Goya fue prolífico y versátil, abarcando desde retratos hasta escenas costumbristas que reflejaban con agudeza la sociedad madrileña de su tiempo. Su obra, imbuida de una crítica social mordaz y un análisis antropológico profundo, nunca dejó de lado la temática popular. No obstante, sus incursiones en el erotismo le valieron conflictos con la Inquisición, siendo especialmente controversial el rumor de haber retratado desnuda a la Duquesa de Alba.

Su enfoque innovador también se extendió al arte de reportaje, donde capturó con maestría eventos históricos, otorgando a sus obras un valor estético y temático que trascendió la mera representación de hechos para tocar fibras universales.

La personalidad de Goya estuvo marcada por un carácter difícil, agravado por una sordera que algunos atribuyen al saturnismo, consecuencia de su exposición al plomo presente en las pinturas. Este aislamiento forzado lo empujó hacia una fase creativa aún más profunda, dando origen a las Pinturas Negras, obras que anticipaban el expresionismo y el surrealismo décadas antes de su reconocimiento formal.

Francisco de Goya (ebook)

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Francisco de Goya y Lucientes

(Fuendetodos, provincia de Zaragoza 30-III-1746 — Burdeos, Francia 16-IV-1828). Pintor.

El cazador (1775). Boceto para el cartón del tapiz La caza de la codorniz. Biblioteca Nacional, Madrid.

El cacharrero (1779), obra de Francisco de Goya, Museo Nacional del Prado, Madrid. Es uno de los cartones para la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara y estaba destinado a la decoración del comedor de Carlos IV de España, entonces Príncipe de Asturias. De este cartón, que se encuentra en el Museo Nacional del Prado, se hicieron dos tapices que se conservan en el Palacio de El Pardo —el mencionado palacete de los príncipes— y en el Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial.

Vida y obra

Fue el cuarto de los hijos (el segundo varón) de José Goya Franque, maestro dorador de cierto nombre en Zaragoza, y de Gracia o Engracia Lucientes Salvador, que tenía parientes en Fuendetodos, pequeño pueblo a unos 40 km al sur de Zaragoza. Por eso, acaso para evitar las sequías y epidemias de la capital, acaso por haberse encargado a José algo que dorar en esa aldea o sus contornos, se ausentan de Zaragoza durante el embarazo de Gracia y, nacido el niño, se le bautiza en la iglesia parroquial y se le impone el nombre del santo del día, según costumbre aragonesa, además del de su padre, Francisco de Paula José Goya; la “de” aparecerá mucho más tarde, en la época en que comience a ser famoso el apellido, para darle mayor rango. Este matrimonio tendría más hijos: Tomás, que siguió el oficio del padre; Camilo, que se ordenó sacerdote y sería posteriormente capellán de Chinchón; y Rita, que casó y vivió en Zaragoza.

No se sabe con exactitud cuánto tiempo se quedaron los Goya en Fuendetodos, ya que en 1760 estaban en Zaragoza, donde vivían cerca del Arco de la Morería, próximo a las Escuelas Pías, donde Francisco cursó las primeras letras, teniendo como maestro al padre Joaquín, en cuya clase conoció a Martín Zapater (1746-1803), uno de sus mejores amigos con quien sostendría, desde su traslado a Madrid en 1774, una nutrida correspondencia que constituye una de las principales fuentes de información acerca del artista; según el sobrino de Martín, que publicó en 1868 parte de esas cartas, los viejos de Fuendetodos con quienes habló recordaban “que Goya era travieso e inquieto cuando chico; que borroneaba figuras y que pintó en la capilla de las Reliquias unos cortinajes al fresco y después, al óleo, en las puertas del retablo, la Venida de la Virgen del Pilar”. Estas pinturas (destruidas) no son anteriores a 1762; según aquéllos, al verlas Goya en 1808, en que visitó su pueblo natal durante el segundo sitio de Zaragoza por los franceses, exclamó: “No digáis que eso lo he pintado yo”.

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En la exposición celebrada en 1874 en el estudio parisiense del fotógrafo Gaspard-Félix Tournachon, Nadar, el cuadro de Claude Monet Impresión, amanecer fue la causa de que las obras allí exhibidas fueran despectivamente calificadas de «impresionistas» por el crítico Louis Leroy.

Tal epíteto se debió al intento revolucionario que traslucían de traducir en la pintura el sentir subjetivo del artista en lugar de limitarse a representar un paisaje. El término haría fortuna y pasaría a definir uno de los más importantes movimientos de la historia de la pintura.

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El «poeta de la naturaleza», el pintor impresionista más renombrado, dedicó gran parte de su carrera artística a capturar los innumerables matices de una flor, un nenúfar o la vibrante composición de un campo lleno de amapolas. Los jardines desempeñaron un papel central en la mayoría de sus obras, desde los de su residencia en Sèvres en 1860, pasando por los de los pequeños pueblos a orillas del Sena, como Argenteuil y Vétheuil en 1870, hasta llegar a los de su paraíso encontrado en Giverny en la década de 1890.

Giverny, ubicado en Normandía a orillas del río Epte, se convirtió en el lugar mágico donde Monet pasó la segunda mitad de su vida, aproximadamente 43 años de intensa producción artística. La casa, rodeada de un jardín meticulosamente diseñado, se erige como un testimonio de su conexión única con la naturaleza. Monet, apasionado por su entorno, transformó la finca de 9,600 metros cuadrados en un paraíso floral. La casa, pintada en tonos llamativos como azul, malva, verde lima y amarillo, reflejaba la luz de manera espectacular, y las ventanas, siempre abiertas a la naturaleza, se consideraban su «segundo salón».

El pintor francés, conocido por sus series de nenúfares y otros paisajes acuáticos, también exploró la luz de manera obsesiva. A lo largo de los años, su estilo evolucionó desde la representación detallada de jardines y paisajes hasta la disolución radical de los objetos en sus series de nenúfares, un preludio de la pintura abstracta. Monet, pionero en el uso del color, exploró las armonías cromáticas en su jardín, creando composiciones que reflejaban la variedad de colores según la estación y la floración.

A lo largo de su vida, Monet mantuvo una estrecha relación con el río Sena, siendo vital en su obra. Pintó las orillas del río en diferentes condiciones de luz y desarrolló la práctica de utilizar barcas como talleres flotantes para capturar la belleza de la naturaleza en el agua. Su visión innovadora del color y la luz se convirtió en la esencia del movimiento impresionista.

Giverny, convertido en un lugar de peregrinación para los amantes del arte, ha conservado la casa y el jardín tal como los conoció Monet. El pueblo, el pequeño cementerio cercano donde descansan los restos del artista y su familia, y la Fundación Monet, que abre la casa al público de abril a octubre, mantienen viva la memoria de este pintor visionario.

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Monet: Biografía
Monet: Obras

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Selección de obras de Claude Monet:

En sus primeros años, la influencia del pintor italiano Caravaggio marcó fuertemente su obra, caracterizada por contrastes vívidos entre luces y sombras y un realismo cautivador. Aunque algunos lo denominaron «el Caravaggio español», Zurbarán, de manera romántica, nunca aceptó esta comparación.

Poco se sabe sobre sus primeros años, pero tras su aprendizaje en el taller de Pedro Díaz de Villanueva en Sevilla, Zurbarán regresó a su Extremadura natal. En 1626, fue convocado nuevamente a Sevilla para realizar un importante encargo de la orden de los Dominicos. A pesar de su juventud e inexperiencia, la competencia en el mercado artístico sevillano lo llevó a ofrecer sus servicios a un precio más accesible, permitiéndole ingresar al selecto círculo artístico de la época.

En 1628, Zurbarán firmó un contrato para crear veintidós lienzos para el convento de la Merced Calzada, comprometiéndose a seguir las indicaciones del padre comendador, limitando así su creatividad. Su obra «San Serapio», basada en la historia de un mártir mercedario, ilustra esta etapa.

Durante su estancia en Madrid en 1634, Zurbarán colaboró con Diego Velázquez en la decoración del palacio del Buen Retiro, pintando los «Trabajos de Hércules». De vuelta en Sevilla, con el título de «pintor del rey», realizó obras para iglesias como muestra de devoción a la Virgen María. Comenzó a producir pinturas religiosas destinadas al mercado americano, como la serie «Las tribus de Israel».

Tras la muerte de su segunda esposa en 1649, Zurbarán continuó su labor artística con normalidad. A partir de 1636, intensificó la exportación artística a América del Sur, recibiendo encargos desde Perú y Buenos Aires. A pesar de enfrentar dificultades económicas y una disminución de encargos debido a la crisis artística en Andalucía, mantuvo su actividad y prestigio.

Zurbarán falleció en Madrid el 27 de agosto de 1664 a los 65 años, dejando un legado artístico que, aunque inicialmente eclipsado por otros contemporáneos como Murillo, ha sido reivindicado con el tiempo. Su influencia trasciende fronteras, consolidándolo como uno de los pintores más reconocidos a nivel mundial.

«Exceptuando al El Greco, y quizá también a Velázquez, que es igual, sino superior, Zurbarán superó a todos los demás pintores españoles. Además su obra tiene mucha relación con las tendencias actuales de la pintura. Sin embargo su obra no es conocida ni apreciada en su justa medida, (…). La característica de la obra de Zurbarán es la de mostrar todo aquello que la pintura puede ofrecer respecto a la realidad humana, (…). Zurbarán presenta a sus santos y a sus monjes en la vida psíquica más concisa, pero a la vez más atormentada por las graves inquietudes espirituales provocadas por el deseo de aproximarse a Dios. No expresa, en sus cuadros, ningún sentimiento terrible. La muerte no tiene, para él, nada de espantoso.»

Christian Zervos, fundador de Cahiers d’art, Catálogo de la exposición de 1988, p. 53.

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Francisco de Zurbarán

(Fuente de Cantos, provincia de Badajoz, h. 7-XI-1598 — Madrid, 27-VIII-1664). Pintor. Destacado representante del barroco español, supo resaltar el misticismo de sus personajes a través del uso magistral de la luz, otorgándoles una notable fuerza visual y una intensa carga expresiva.

Vida y obra

Hijo de Luis de Zurbarán, acaudalado tendero de origen vasco, y de la extremeña Isabel Márquez, fue bautizado en la iglesia parroquial de Fuente de Cantos el 7-XI-1598. En adelante, Francisco no utilizó nunca el apellido materno y, sin embargo, a partir de 1619 firmó varios documentos como “Francisco de Zurbarán Salazar”, presumiendo así de hidalguía con algún otro antepasado vasco.

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Francisco de Zurbarán

Francisco de Zurbarán
Nombre completo	Francisco de Zurbarán
Nacimiento	7 de noviembre de 1598 Fuente de Cantos provincia de Badajoz Comunidad Autónoma de Extremadura  España
Fallecimiento	27 de agosto de 1664 Madrid  España
Área	Pintura
Movimiento	Barroco

(Fuente de Cantos, provincia de Badajoz, Comunidad Autónoma de Extremadura, España, 7-XI-1598 — Madrid, España, 27-VIII-1664). Pintor español. Se trata de uno de los más importantes valores de la pintura española barroca del siglo XVII.

Vida y obra

Nacido en Fuente de Cantos (provincia de Badajoz), pasó muy joven al taller de un pintor de imágenes piadosas en Sevilla (1614). Dos años más tarde pintó su Inmaculada Niña (1616; colección Valdés, Bilbao). En 1617 terminó su período de formación en el taller y se trasladó a Llerena (1617-1626), donde pasaría la mayor parte de su vida.

Pintó para las órdenes religiosas, para la nobleza y la burguesía, y dejó numerosos retratos y cuadros de temas históricos y religiosos. Su obra principal es la realizada para las cartujas de Jerez de la Frontera (1637), Zafra (1643-1644), la cartuja de las Cuevas y el monasterio de Guadalupe (1639).

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Henri Matisse

(Le Cateau-Cambrésis, Nord-Pas-de-Calais, Francia, 31-XII-1869 — Niza, Provenza, Francia, 3-XI-1954). Pintor, grabador y escultor francés.

Henri Matisse
Henri Émile Benoît Matisse fue un pintor francés reconocido por su uso vibrante del color y su enfoque original y fluido del dibujo. A lo largo de su carrera, destacó como dibujante, grabador y escultor, pero sobre todo como pintor. Ampliamente aclamado, es considerado, junto con Pablo Picasso, uno de los grandes artistas del siglo XX.
Nacimiento	31 de diciembre de 1869 Le Cateau-Cambrésis Nord-Pas-de-Calais  Francia
Fallecimiento	3 de noviembre de 1954 Niza Provenza  Francia
Área	pintura, grabado, escultura, dibujo, collage
Movimiento	fauvismo, modernismo

Introducción

La síntesis de los elementos pictóricos —dibujo, color, valores y composición— en una construcción equilibrada caracterizó el arte de Henri Matisse, principal exponente del movimiento fauvista.

Trayectoria artística

Henri-Émile-Benoît Matisse nació el 31 de diciembre de 1869 en Le Cateau Cambrésis, Picardía, Francia. De familia burguesa y acomodada, lo más lejana posible de cualquier ademán bohemio, romántico o improvisado, tal actitud jamás abandonará al hombre serio y ponderado que había de ser Matisse. Nada, tampoco, de precocidad o de niñez prodigiosa.

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En 1508, recibió el encargo del Papa Julio II para repintar el techo. Aunque siempre se consideró a sí mismo principalmente un escultor de mármol, Miguel Ángel se sintió abrumado por la complejidad del proyecto. Sin embargo, finalmente, se embarcó en la obra, que se convertiría en una de sus creaciones más influyentes.

La obra exhibe una extraordinaria complejidad iconográfica. En su núcleo central, se encuentra una selección de escenas del Antiguo Testamento que abarcan desde la creación del mundo y de Adán y Eva, hasta el pecado original, el sacrificio de Noé, el Diluvio y, finalmente, la ebriedad de Noé, representando la expresión más vil del ser humano contaminado por el pecado. A ambos lados, en conexión con los frescos de los muros laterales, se presentan imágenes de las Sibilas y los Profetas, flanqueando la bóveda como precursores de la llegada del Mesías. En los ángulos, ocupados por las pechinas, se representan escenas de los milagros que salvaron a Israel, prefigurando la venida de Cristo.

Capilla Sixtina

Capilla construida entre 1473 y 1481 junto al Palacio del Vaticano por orden del papa Sixto IV, que requirió a tres pintores florentinos —Sandro Botticelli, Domenico Ghirlandaio y Cosimo Rosselli— y a tres de Umbría —Luca Signorelli, Pinturicchio y El Perugino— para pintar en los muros de la capilla dieciséis escenas del Antiguo y del Nuevo Testamento (cuatro de ellas destruidas por posteriores reformas).

Introducción

De Sixto IV, el papa que ordenó su construcción a fines del siglo XV, tomó nombre la capilla Sixtina, mundialmente conocida por las excelentes pinturas que la decoran, realizadas al fresco por grandes artistas del Renacimiento italiano, entre los cuales Miguel Ángel ocupó un lugar destacado.

Sus paredes han visto desfilar a infinidad de visitantes y guardan abundantes secretos de las diversas elecciones papales en cónclave que en ella se realizaron.

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Ciudad del Vaticano

Situación:

En el centro de Roma, al noroeste del casco antiguo, en la orilla occidental del Tíber. Sitio sagrado de la cristiandad, la Ciudad del Vaticano es testigo de una gran historia y una prodigiosa empresa espiritual. El perímetro de este minúsculo Estado encierra un cúmulo ingente de obras de arte excepcionales. En su centro se yergue la gran basílica edificada sobre la tumba del apóstol San Pedro, precedida por una gran plaza circular con doble columnata y rodeada de palacios y jardines. Conceptuado como el mayor edificio religioso del mundo, este templo es obra del genio artístico de Bramante, Rafael, Miguel Ángel, Bernini y Maderna.Fuente: Unesco

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Miguel Ángel

(Caprese, Toscana, República de Florencia [actual Italia], 6-III-1475 – Roma, Estados Pontificios, [actual Italia], 18-II-1564). Nombre con el que se conoce al escultor, pintor, arquitecto y poeta italiano Michelangelo Buonarroti, uno de los principales maestros del Renacimiento.

Introducción

Aunque él mismo se consideró fundamentalmente escultor, en pintura y arquitectura se reveló como uno de los genios de todos los tiempos, dejando una obra polifacética, pero de unidad y coherencia extraordinaria

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Rembrandt: entre lo íntimo y lo universal

En el contexto de Holanda durante el siglo XVII, se observa una fusión entre la tradición flamenca del realismo analítico y minucioso y un elemento novedoso: el naturalismo profundamente luminoso, introducido por Caravaggio y traído desde Roma por un grupo de pintores que se establecieron en Utrecht. Aunque Rembrandt (Harmenszoon van Rijn, 1606-1669) dedicó toda su carrera artística en Holanda, su genialidad trasciende la categoría de escuela artística. Las interpretaciones románticas de su biografía han forjado la imagen de un artista incomprendido. No obstante, a pesar de las dificultades y contratiempos que marcaban su vida, mantuvo una clientela devota de su obra, y su originalidad y vigor creativo nunca declinaron.

Rembrandt

(Leiden, Países Bajos, 15-VII-1606 — Amsterdam, Países Bajos, 8-X-1669). Rembrandt Harmenszoon van Rijn. Pintor, dibujante y grabador neerlandés.

Rembrandt
Rembrandt: Autorretrato juvenil. Galería de los Uffizi, Florencia.
Nombre completo	Rembrandt Harmenszoon van Rijn.
Nacimiento	15 de julio de 1606 Leiden  Países Bajos
Fallecimiento	4 de octubre de 1669 (63) Ámsterdam  Países Bajos
Nacionalidad	neerlandés
Período	Siglo XVII (Siglo de Oro holandés)
Área	pintura, grabado, dibujo
Movimiento	Barroco
Educación	Pieter Lastman
Influencias	Caravaggio, hermanos Carracci, Adam Elsheimer, arte flamenco, Peter Paul Rubens
Obras notables	La ronda de noche El rapto de Europa (1632) Lección de anatomía del doctor Nicolaes Tulp (1632) Autorretrato (1635) Los síndicos de los pañeros (1662) Saskia como Flora
Artistas relacionados	Frans Hals, Diego de Velázquez
Pareja	Saskia van Uylenburgh (1634-1642) (cónyuge) Geertje Dircx (1643-1649) Hendrickje Stoffels (1647-1663)

Introducción

El dominio magistral de la técnica del claroscuro y el profundo conocimiento de la figura humana que revelan sus lienzos convirtieron a Rembrandt en el pintor más influyente y creativo del siglo XVII y en fuente inagotable de inspiración para artistas posteriores.

Vida y obra

Su padre era el único miembro de su familia que había abrazado la religión calvinista, como un símbolo de la afirmación nacionalista flamenca ante la ocupación de los católicos españoles.

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La suprema inteligencia del claroscuro

Tan alto designio se sirve de un lenguaje plástico que, ignorando los detalles, apunta hacia lo esencial. No hay efecto alguno de pulido, de acabado, sino abundancia de ricos empastes. Las imagenes las arranca de las sombras. El claroscuro, a la italiana, y los efectos dramáticos de sus comienzos se ven transformados por la madurez. La luz ya no envuelve las cosas llegando hasta ellas desde el exterior, sino que da la impresión de que brota del interior mismo de los objetos.

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Joaquín Sorolla

(Valencia, España, 27-II-1863 — Cercedilla, provincia de Madrid, España, 11-VIII-1923). Joaquín Sorolla y Bastida. Pintor español. Fue el más famoso de los pintores españoles de su tiempo, con una prolífica obra —más de 2.200 cuadros catalogados— que abarca varios estilos, como el impresionismo, posimpresionismo y luminismo.

Joaquín Sorolla
Joaquín Sorolla y Bastida es uno de los grandes maestros de la pintura española de finales del siglo XIX e inicios del XX. Fue el pintor español de mayor proyección internacional de su tiempo y una de las figuras capitales de la historia del arte español en su conjunto.
Nombre completo	Joaquín Sorolla y Bastida
Nacimiento	27 de febrero de 1863 Valencia  España
Fallecimiento	10 de agosto de 1923 Cercedilla provincia de Madrid  España
Área	pintura
Movimiento	impresionismo, posimpresionismo, luminismo, plein air
Obras notables	Paseo a orillas del mar Después del baño ¡Y aún dicen que el pescado es caro!

Introducción

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Joaquín Sorolla y Bastida

(Valencia, 27-II-1863 – Cercedilla, Madrid, 11-VIII-1923). Pintor. Máximo exponente de la llamada pintura luminista.

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Joaquín Sorolla from Tais Marcato on MZE Zoomin

(Barcelona, 6-I-1873 — 27-IV-1940). Pintor. Considerado como el máximo exponente del postmodernismo, fue un renovador el estilo paisajístico de finales del siglo XIX en España.

Trayectoria artística

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Joaquim Mir i Trinxet from Tais Marcato on MZE Zoomin

Joaquim Mir

(Barcelona, España, 6-I-1873 — 27-IV-1940). Pintor español.

Joaquim Mir
Nombre completo	Joaquim Mir i Trinxet
Nacimiento	6 de enero de 1873 Barcelona  España
Fallecimiento	27 de abril de 1940 Barcelona  España
Período	Siglos XIX-XX
Área	pintura
Movimiento	Colla del Safrà, Els Quatre Gats, posmodernismo
Educación	Escuela de Bellas Artes de Barcelona
Obras notables	El huerto del rector, Pueblo escalonado, pinturas murales de Casa Trinxet
Artistas relacionados	Isidro Nonell, Ricard Canals, Ramón Pichot, Juli Vallmitjana, Adrià Gual, Santiago Rusiñol

Vida y obra

Hijo de un comerciante, realizó estudios de peritaje mercantil y ejerció la actividad de viajante. En el colegio conoció a Isidro Nonell, con el que tuvo una duradera amistad. Juntos recibieron las primeras lecciones de Lluís Graner, que les enseñó a pintar al aire libre; también realizó Mir algunos estudios con Antonio Caba en la Escuela de Bellas Artes de la Lonja.

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Biografía

(Livorno, Italia, 12-VII-1884 – París, Francia, 24-I-1920). Amedeo Clemente Modigliani. Pintor italiano.

Introducción

La sencillez de líneas y la pureza de los rostros en los retratos del pintor italiano Amedeo Modigliani aportaron a sus creaciones una singular inspiración que hizo de él una de las grandes personalidades de la pintura de principios del siglo XX.

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Empezó sus estudios en la escuela de arte de Livorno y continuó su formación en varias ciudades italianas, algunas del sur dada su dolencia pulmonar, que precisaba de climas benignos, pero también en la Scuola Libera di Nudo florentina o en Instituto di Belle Arti de Venecia, donde tuvo la oportunidad de conocer los maestros de la historia del arte italiano, lo que le dejará una huella profunda que se plasmaría en su obra.

Ya en Montmartre, Modigliani entró en contacto con la pintura de Toulouse-Lautrec, Gauguin y Cézanne, con la de los fauvistas y con las primeras creaciones del Cubismo, fue vecino de Picasso ya que se encontraba en el centro de las vanguardias y demostró comprender el espíritu revolucionario de los cubistas como pocos que plasmaría en su pinturas y esculturas.

Las cabezas y cariátides, realizadas con piedra bajo la influencia cubista y del primitivismo que alcanzó al arte africano, asiático, oceánico y arcaico griego.

En sus retratos figurativos encontramos la estilización alargada en sus retratos con el Manierismo con el propósito de aplanar la profundidad. Los rostros melancólicos de Modigliani hablan del desdoblamiento de lo interior y lo exterior, de la dicotomía cuerpo-alma. Esas caras ensimismadas, que se miran hacia adentro con la tendencia al neutralizar la fuerza de su mirada de sus modelos.

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Hombre de lo universal, Leonardo da Vinci fue la figura más importante del Renacimiento europeo, y quizás, en toda la historia de la humanidad, el único individuo que se ha realizado en igual medida en el terreno de la pura creación artística y en el de la ciencia propiamente dicha. En él se unieron la inteligencia más rigurosa y la imaginación más viva.

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(Vinci, cerca de Florencia, Italia, 15-IV-1452 — castillo de Cloux, actualmente Clos-Lucé, Turena, Francia, 2-V-1519). Leonardo di ser Piero da Vinci. Pintor, arquitecto, escultor, ingeniero e inventor italiano. Encarna los nuevos derroteros del Renacimiento y la crisis de la cultura de fines del s. XV.

Vida y obra

Su vida artística se puede dividir en cuatro períodos: florentino (1452-1482), milanés (1483-1499), vida errante (1500-1516) y el último, que abarca tres años, desde el exilio voluntario en Francia, en la corte de Francisco I de Francia, hasta su muerte.

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Contenido

• 1 Vida y obra
• 1.1 Periodo florentino
• 1.2 Periodo milanés
• 1.3 Periodo errante
• 1.4 Período francés
• 1.5 Principales aportaciones
• 2 Biografía ampliada
• 3 Juventud y descubrimientos técnicos
• 4 Primer período milanés
• 5 El regreso a Florencia
• 6 De nuevo en Milán: de 1506 a 1513
• 7 Ultimos años: Roma y Francia
• 8 Citas y frases célebres de Leonardo da Vinci
• 9 Leonardo, la «Leyenda»
• 10 Cronología
• 11 Listado alfabético de la obra pictórica de Leonardo da Vinci
• 12 Bibliografía
• 13 Enlaces ebooks

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Mienciclo Plus: Mostrando 1-20 de 373 resultados para la consulta Leonardo Da Vinci

El domingo 14 de octubre falleció en la capital española el pintor, escultor y escritor Eduardo Arroyo.

Quizá uno de los últimos grandes monstruos de la pintura figurativa del siglo XX (la corriente conocida como “nueva figuración”), con su particular estilo reconocible (esas pinceladas de furibundo pop art), y en todo caso alguien que representaba como nadie la idea del “artista total”, pues a su faceta más conocida de pintor (de formación autodidacta, naturalmente) unió en su dilatada vida creadora la de exitoso escenógrafo europeo; la de dibujante, la de grabador, la de litógrafo y la de ilustrador de libros; la de periodista (licenciado por esa disciplina en 1957) y la de polemista nato; la de crítico de arte y escritor de ficciones, la del fascinado por el boxeo y por la tauromaquia, y tantas otras caras de su incansable voracidad vital.

Vivió largos años en el exilio parisiense, y a su vuelta a España, ya en democracia, pudo conocérsele en su país natal, donde su creación había pasado relativamente desconocida (se le conoció y también reconoció: con el “Premio Nacional de Artes Plásticas” de 1982 y con la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes del año 2000). Mantuvo hasta el final de su vida una actividad podría decirse que feroz; la muerte le sorprendió con el manuscrito prácticamente acabado de la tercera parte de sus memorias, con una exposición todavía abierta en Segovia y con otras dos en preparación.

Biografía

(Madrid, 26-II-1937 — 14-X-2018). Eduardo Arroyo Rodríguez. Pintor.

Guglielmo Hotel, pintura de Eduardo Arroyo.

Contenido Vida y obra Obra en museos Exposiciones Obras literarias Premios y reconocimientos Escritos Bibliografía

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A lo largo de su trayectoria, Joan Miró huyó del academicismo, buscó constantemente una obra global y pura, no adscrita a ningún movimiento determinado, mostró su rebeldía y una gran sensibilidad por los acontecimientos políticos y sociales que lo rodearon. Este contraste de fuerzas lo llevó a crear un lenguaje único y personalísimo, que lo sitúa como uno de los artistas más influyentes del siglo XX.

«No creía en el arte como objeto comercial. De ahí su famosa proclama ‘Hay que asesinar la pintura’, que marca el inicio de los años en los que se concentra esta exposición. Exploró materiales imposibles, grapas, huesos, maderas, mejillones, hizo collages con postales, pintó sobre materiales que no eran lienzos… La crítica de la época le aplaudió pero él dejó de vender y hasta llegó a pasar hambre. Una vez le ofreció a su portera unos dibujos a cambio de un plato de estofado de ciervo. Ella le dio el estofado gratis, y cuando se dio la vuelta, rompió los dibujos.» Joan Punyet Miró

El Miró paisajista va desde la concepción inicial del paisaje hasta la búsqueda de lo esencial, camino de postulados taoístas, de comunión panteísta con la naturaleza. La influencia de uno de sus profesores de la escuela de pintura de la Lonja de Barcelona, el paisajista romántico Modest Urgell (Barcelona, 1839-1919) llevan a Miró a reinterpretar los elementos de Urgell (el horizonte, el sol, la luna y las estrellas) que se disponen de forma concentrada y se despliegan de forma perenne en su pintura y obra gráfica de Miró.

Pintando con las manos, los dedos, Miró creó con una fuerza magnética que le condujo al uso de objetos cotidianos y materiales no artísticos (papel de lija, madera, cuerdas, clavos,…) en un ejercicio de trasgresión plástica. Miró huye del academicismo, a la búsqueda constante de una obra global y pura, no adscrita a ningún movimiento determinado.

Joan Miró i Ferrà
Joan Miró delante de una de sus pinturas.
Nacimiento	20 de abril de 1893 Barcelona Cataluña  España
Fallecimiento	25 de diciembre de 1983, 90 años Palma de Mallorca Islas Baleares  España
Nacionalidad	Española
Área	pintor, escultor, grabador y ceramista
Movimiento	Surrealismo

Barcelona, Comunidad Autónoma de Cataluña, España, 20-IV-1893 — Palma de Mallorca, Islas Baleares, España, 25-XII-1983). Pintor, ilustrador, escultor, grabador, ceramista y dibujante español. Fue una de las figuras más destacadas de las vanguardias artísticas europeas del siglo XX.

Joan Miró

… , el Centro de Estudios de Contemporáneo (Fundación ) de , y en 1981, la Fundación Pilar y Joan Miró, en . Además, y en su afán por experimentar emprendió, en los años setenta, la aventura …

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Joan Miró

… gustaba ninguna de las asignaturas que cursaba, motivo por el que, tiempo después, el propio Miró se describiría como un alumno taciturno, soñador e inadaptado. Únicamente sentía interés por el dibujo …

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Joan Miró

… , el Centro de Estudios de Contemporáneo (Fundación ) de , y en 1981, la Fundación Pilar y Joan Miró, en . Además, y en su afán por experimentar emprendió, en los años setenta, la aventura …

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Canaletto aprendió los principios de la pintura como decorador de amplias escenografías teatrales, oficio en el que ayudó a su padre, Bernardo Canal. En 1719, en compañía de su progenitor, realizó un viaje a Roma, donde conoció la obra de un vedutista amante de las ruinas clásicas y de las grandes vistas, Giovanni Paolo Panini. En su formación como pintor ocupan un lugar relevante, por la influencia que tuvieron sobre él, los trabajos de Luca Carlevarijs y Marco Ricci. De vuelta a Venecia, en 1720, se inscribió en el gremio de pintores, en cuyo registro figura hasta 1767.

En la década de 1720 se fechan sus primeras vistas de Venecia, correspondientes a encargos de Stefano Conti y del príncipe de Liechtenstein. Su amistad con el cónsul británico Joseph Smith, principal cliente y difusor de su arte en Gran Bretaña, data también de esos años. Entre 1740 y 1741 realizó un viaje por el río Brenta durante el cual ejecutó numerosos dibujos y pinturas.

En 1746 se marchó a Inglaterra, donde permaneció, con una serie de intervalos, hasta 1756. De esta etapa son sus vistas de la campiña inglesa y de Londres. Canaletto fue nombrado, en 1763, miembro de la Academia de Pintura y Escultura. A la altura de su pintura hay que situar sus trabajos como dibujante y grabador, entre los que destacan sus series de aguafuertes.

Giovanni Canaletto
Autorretrato grabado
Nombre completo	Giovanni Antonio Canal
Nacimiento	7 de octubre de 1697 Venecia República de Venecia
Fallecimiento	19 de abril de 1768 Venecia República de Venecia
Área	Pintura
Movimiento	Rococó

(Venecia, Italia, 18-X-1697 – 19-IV-1768). Antonio Canale. Pintor italiano.

Canaletto

… las panorámicas romanas de y Hampton Court, las vedute ideate, caprichos y vibrantes s.Image:Canaletto uno.jpg El Bucintoro volviendo al muelle el día de la Ascensión (h. 1730). Óleo …

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Grabado

… láminas al aguafuerte y buril con gran sentido de modernidad. Pintores e importantes grabadores son Canaletto, con escenas y paisajes venecianos, y G. Tiépolo con sus Caprichos (1749), Scherzi di …

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Pintura

de la Cueva de las Manos, en la . de aplicar a una superficie con el propósito de crear imágenes. Introducción Considerada a veces y , y utilizada con finalidad , la , con la , ha …

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Junto con contemporáneos como José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros, Rivera se destacó como uno de los defensores más conocidos del muralismo mexicano, un movimiento patrocinado por el estado destinado a exaltar la historia, la cultura y los ideales posrevolucionarios de la nación en gran escala. murales para espacios públicos.

Los artistas y el público en los Estados Unidos fueron particularmente receptivos con el trabajo y las ideas de Rivera. Comenzó a viajar al norte de las fronteras de México con su esposa, la pintora Frida Kahlo, en 1930, y durante los siguientes cinco años completó los principales ciclos de murales en San Francisco, Detroit y Nueva York, convirtiéndose en una verdadera celebridad del arte internacional. En 1931, fue invitado a montar una exposición retrospectiva en el Museo de Arte Moderno, que tenía solo dos años. Rivera creó ocho murales «portátiles» como la pieza central del espectáculo, incluido el líder Emiliano Zapata (1879-1919).

La utopía comunista de Rivera converge con otra utopía, naturista y vitalista: la de la tierra transformada por el trabajo del hombre liberado de explotación, mientras la mujer, dotada de una energía cósmica, en su sexo fecundado por el hombre, es recreadora de la vida. En los frescos de la capilla de la Universidad de Chapingo, con su Canto a la tierra, Rivera plantea la antítesis de una capilla cristiana: la mujer embarazada, la suya, sustituye a la Virgen, en tanto que otra mujer, Tina Modotti, es representada en escenas de sexualidad omnipresente. A partir de 1945, la ideología sobrevive; recordemos la hoy perdida Pesadilla, con Frida Kahlo repartiendo propaganda del Movimiento por la Paz, made in Stalin. Se desvanece en cambio la utopía. El sueño del universo dominado por el Trabajador es sustituido por la amenaza nuclear.

Diego Rivera

(Guanajuato, Estado de Guanajuato, México, 8-XII-1886 — Ciudad de México, México, 24-XI-1957). Diego María de la Concepción Juan Nepomuceno Estanislao de la Rivera y Barrientos Acosta y Rodríguez. Pintor y muralista mexicano.

Diego Rivera
Diego Rivera y Frida Kahlo en 1932, fotografía de Carl van Vechten.
Nombre completo	Diego María de la Concepción Juan Nepomuceno Estanislao de la Rivera y Barrientos Acosta y Rodríguez
Nacimiento	8 de diciembre de 1886 Guanajuato Estado de Guanajuato  México
Fallecimiento	24 de noviembre de 1957 Ciudad de México  México
Nacionalidad	mexicana
Movimiento	Realismo, muralismo

Contenido Introducción Trayectoria vital Estilo y obra Datos biográficos Cronología ampliada Bibliografía

Introducción

Está considerado con David Alfaro Siqueiros y José Clemente Orozco uno de los grandes representantes del muralismo mexicano, estilo que alcanzó su máximo esplendor entre 1920 y 1950.

Su primera formación artística la realiza en la Escuela de Bellas Artes de México, que abandona con el deseo de liberarse de las soluciones académicas que le habían imbuido.

Aunque está considerado como una de las figuras predominantes del  impresionismo, y a que expuso en siete de las ocho exposiciones impresionistas realizadas en el París del último tercio del siglo XIX, lo cierto es Edgar Degas se mantuvo algo apartado de los demás miembros del grupo, y su obra es impresionistas sólo en algunos aspectos limitados. Tenía una extraordinaria personalidad, aunque fría y distante; su dedicación a tiempo completo a su arte llegó hasta tal punto que, por lo que se sabe de su vida, jamás tuvo relación amorosa alguna. El poeta Paul Valéry, que le apreciaba y que fue su crítico más agudo, le preguntó una vez si aspiraba a obtener «fotografías inteligentes». «Su gran defecto, Valéry», le respondió el artista, «es que quiere entenderlo todo». Ése era justamente el defecto de Degas.

Fue, además, el primero de los pintores de raigambre impresionista que alcanzó en vida el reconocimiento general de crítica, público y fama, intacta hasta el presente. Camille Pissarro escribió de él que era «sin ninguna duda, el artista más grande de nuestra época», y Auguste Renoir lo consideraba superior a Auguste Rodin como escultor.

Edgar Degas, hijo de banquero y rentista, no era un hombre fácil. Fue misógino y reaccionario y se alineó en el bando antisemita y militarista durante el caso Dreyfuss, despotricaba con frecuencia contra los críticos y los teóricos del arte, trataba con dureza a sus pocos amigos. Detrás de su severidad se ocultaba un hombre inseguro, no muy convencido de su propia capacidad, admirador sincero de muchos de sus contemporáneos (gastaba todo lo que ingresaba en cuadros ajenos) y de una honestidad artística irrepetible.

Además, su influencia en el arte del siglo XX se dejó sentir ampliamente, tanto en la generación más joven, sucesiva a la suya -como sería el caso de Walter Richard Sickert-, como en otros artistas posteriores. Influyó a pintores como Ronald B. Kitaj en su dominio de la técnica del pastel, y a grandes dibujantes como David Hockney y Pablo Ruiz Picasso.

Edgar Degas
Autorretrato (1855), de Edgar Degas.
Nombre completo	Hilaire Germain Edgar de Gas.
Nacimiento	19 de julio de 1834 París  Francia
Fallecimiento	27 de septiembre de 1917 París  Francia
Área	Pintura, escultura, dibujo

Edgar Degas

… , de mayor enjundia plástica, la serie de Las planchadoras, datando de 1882, donde el honesto Degas ha procurado mostrarnos el esfuerzo físico y anónimo que para unas pobres mujeres significa tener …

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Edgar Degas

… , de mayor enjundia plástica, la serie de Las planchadoras, datando de 1882, donde el honesto Degas ha procurado mostrarnos el esfuerzo físico y anónimo que para unas pobres mujeres significa tener …

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Impresionismo

… los estadounidenses y , el mexicano Joaquín Clausell, el chileno , el venezolano y el argentino .El impresionismo, de cualquier forma, no fue sólo un movimiento o una escuela, sino un punto de …

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Impresionismo

… se adscribieron escultores, músicos y literatos. La pradera de San Isidro (Beruete) El impresionismo en España El incidió en numerosos movimientos artísticos posteriores y se reflejó …

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Impresionismo

… los estadounidenses y , el mexicano Joaquín Clausell, el chileno , el venezolano y el argentino .El impresionismo, de cualquier forma, no fue sólo un movimiento o una escuela, sino un punto de …

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Fue reconocido por su talento artistico que adquirió de manera autodidacta, pues sólo estudió un año en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado La Esmeralda. En 1941, cuando era un niño, ganó el concurso nacional de dibujo infantil, y después obtuvo reconocimientos como el Premio Nacional de Bellas Artes, en 1981, y una década después la Orden de Caballero de las Artes y de las Letras de la República Francesa.

Las obsesiones de Cuevas que aparecen en su obra artística tienen su origen en la infancia. «El mundo de la locura, prostitución, agonizantes, hospitales, submundos, atrajo mi atención en una edad muy temprana. Hay un sentimiento definitivamente trágico de la vida, como decía Unamuno. Es ver la muerte con una profunda angustia existencial, y no con esa alegría juguetona como la ven los mexicanos. El mexicano, como parte de una actitud machista, no quiere entender la muerte como algo aterrador«.

José Luis Cuevas (Ciudad de México, México, 26-II-1934 — 3-VII-2017). Pintor, escultor, ilustrador y litógrafo mexicano.
José Luis Cuevas.
Nacimiento	26 de febrero de 1934 Ciudad de México  México
Fallecimiento	3 de julio de 2017 Ciudad de México  México
Período	Siglos XX-XXI
Área	pintura, grabado, dibujo, ilustración, escultura
Movimiento	expresionismo latinoamericano, neofigurativismo
Artistas relacionados	Vicente Rojo, Pedro Coronel, Juan García Ponce, Manuel Felguérez
Pareja	Bertha Riestra de Cuevas Beatriz del Carmen Bazán
Hijos	Mariana, Ximena y María José
Premios	«Premio Nacional de Bellas Artes» de México (1981)
Página web oficial

 Introducción

La pintura expresionista mexicana tuvo uno de sus más relevantes exponentes en José Luis Cuevas, maestro del dibujo

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